Галерея в архитектуре: Галерея | это… Что такое Галерея?

Архитектура музеев. Галерея Уффици: музей как частная коллекция

Галерея Уффици во Флоренции — мировой музей, выросший из частной коллекции династии Медичи. Посмотрим, как ценности эпохи Возражения отразились на самом известном музее Италии.

Это часть интерактивных уроков, подготовленных образовательной платформой Level One в сотрудничестве с крупнейшими российскими экспертами.

Еще 500 уроков по 15 направлениям, от истории и архитектуры до здоровья и кулинарии на levelvan.ru/plus

посмотреть все уроки

Автор урока

Александр Острогорский

Архитектурный критик, преподаватель архитектурной школы МАРШ.

1. Галерея Уффици, арх. Джорджо Вазари. Флоренция, Италия, 1581
2. Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина, арх. Роман Клейн. Москва, Россия, 1912
3. Музей современного искусства. Нью-Йорк, США, 1939

4. Центр Помпиду, арх. Ричард Роджерс. Ренцо Пьяно, Париж, 1977
5. Музей Гуггенхайма в Бильбао, арх. Фрэнк Гери. Испания, 1997
6. Новый музей, арх. Фридрих Август Штюлер. Берлин, Германия, 1855

1. Александрийская библиотека, Египет, 290-е годы до н. э. (художник О. фон Корвен, 19 век). Она была частью комплекса мусейон («место обитания муз») — культурно-просветительского центра, который был ближе к современному университету, чем к музею
2. Музей Эннигальди-Нанны, Месопотамия, 5 век до н.э. — основан принцессой Эннигальди, дочерью Набонида — последнего короля Вавилонской империи; в музее аккуратными рядами размещались месопотамские древности и военные трофеи с надписями на трех языках на глиняных табличках
3. Сокровищница афинян в Дельфах, Греция, 5 век до н.э — хранилище военных трофеев и других предметов, посвященных Аполлону. В общегреческих святилищах в Дельфах и у горы Олимп свои сокровищницы были почти у каждого полиса

Телеграм-канал
Level One

Вдохновляющие посты, новые запуски и подарки только для подписчиков

подписаться

На картинках ниже:

1. Вилла Адриана (реконструкция), Тиволи, Италия, 118–134 — в ансамбле около тридцати зданий. На вилле были библиотеки, места для прогулок и бесед среди скульптур и мозаик. Именно вилла Адриана была прообразом частных собраний меценатов эпохи Возрождения. Она же была и непосредственным источником многих скульптур, которые попали в эти коллекции.

2. Тауэр, Лондон, Великобритания, 1066 — в разные эпохи он был крепостью, хранилищем королевских драгоценностей, монетным двором, тюрьмой, обсерваторией и зоопарком; теперь это музей и оружейная палата, где хранятся сокровища британской короны.

3. Сент-Шапель, Париж, Франция, 1242–1248 — Людовик Святой построил ее для хранения священных реликвий, например, Тернового венцы Христа. Капелла — уникальное пространство хранения и одновременно религиозного переживания. В принципе, мы можем чувствовать что-то похожее, когда попадаем в музейный зал, например, с Джокондой или другим супер-ценным объектом.

1. Вилла Адриана (реконструкция). Тиволи, Италия, 118–134
2. Тауэр, Лондон, Великобритания, 1066
3. Сент-Шапель. Париж, Франция, 1242–1248

Почему мы интересуемся архитектурой музеев?

🔹Музеи связаны с важными для нашей культуры темами: что такое ценность, как она связана с историей и кто ей владеет.

➰ Архитектура связывает вместе эти три компонента. Пространство музея организует момент встречи с ценностью, историей и «владельцем».

👤 В древности ценными чаще были военные трофеи или сакральные объекты, связанные с религией. Чаще всего они были финансово ценные и сделаны из дорогих материалов. В Средние века высоко ценится сакральная ценность, связь с религией.

🏆 В Возрождение ценность тесно связана со статусом покровителя искусств, мецената. Они ориентировались на греческих и римских богатых людей и императоров. Само слово «меценат» происходит от имени знатного римлянина Гая Цильния Мецената, который был покровителем Вергилия и Горация. Знатные и влиятельные семьи эпохи Возрождения строили дом, просили художников его расписать, находили или заказывали для его украшения произведения искусства. Это давало им всесторонний опыт владения ценностью и переживания ценности.

🏛 Палаццо — это дворец, частный дом богатого человека эпохи Возрождения. Даже если палаццо строили для общественных нужд, он сохранял эти черты: много комнат и залов, которые имеют человеческий масштаб и не предназначены только для хранения или экспозиции искусства. Картины на стенах, статуи — здесь элементы повседневной жизни.

🖼 Коллекционеры покупали искусство для себя и своих приближенных, создавая особый мир и погружаясь в него. А сегодня эти музейные экспонаты (работы великих художников) — достояние всего мира, а меценаты (Медичи, Папы Римские, королевские фамилии Европы) — могущественные супергерои, которые тратили время и деньги, чтобы собрать ценности для людей. Музеи в их домах сегодня пытаются отчасти восстановить тот опыт, который был доступен владельцам, показывая искусство в залах с исторической архитектурой и мебелью.

🎨 Но получается ли это? Видим ли мы связь между искусством и жизнью так, как 500 лет назад? Мы редко думаем о людях на портретах и других обстоятельствах. Только отдельные художники и их покровители интересуют публику, в основном, из-за разных мифов и скандалов. Мало кто закажет знакомому художнику свой портрет даже за скромные деньги.

1. Галерея Уффици, арх. Джорджо Вазари. Флоренция, Италия, 1581
2. Козимо I Медичи, художник Аньоло Бронзино, 1545
3. Вид из двора галереи Уффици на площадь Синьории
4. Зал Трибуна Галереи Уффици
5. Джорджо Вазари, автопортрет
6. Джорджо Вазари. «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих», 1550

Давайте рассмотрим один из самых популярных музеев Италии — галерею Уффици во Флоренции.

💼 «Уффици» можно перевести как «канцелярии» или даже «офисы»

. Здание построил Джорджио Вазари по заказу Козимо I Медичи, чтобы разместить там флорентийских чиновников. Самым интересным получился двор буквой П, в который выходят анфилады комнат, одним концом к реке Арно, другим — на площадь Синьории, где располагались и другие важные административные здания.

🖼 Две галереи друг напротив друга — для нас сегодня это привычный вид музея. Но Вазари просто создал удобное и гибкое пространство, подходящее для любых нужд: коридор из двух стен с простым ритмом и повторением всех деталей. Ведь это не дворец, а офис. В какой-то степени Вазари повезло: обычно он хорошо работал с декором, а вот в композиции был не очень силен.

🎁 В 1737 году коллекцию искусства, собранную несколькими поколениями Медичи, вместе с виллами и многими другими частями наследства передала Флоренции Анна Мария Луиза Медичи

— последний прямой потомок семьи. Единственным условием было, чтобы никакая часть этой коллекции не покидала город. Галереи были открыты для публики в 1765 году.

1. Сандро Боттичелли. Рождение Венеры, 1485–1486. Предположительно, моделью для Венеры была Симонетта Веспуччи, возлюбленная (или же «Прекрасная Дама») Джулиано Медичи. Она присутствует на многих картинах Боттичелли
2. Микеланджело. Мадонна Дони, ок. 1507. Формат картины «тондо» (от rotondo, круглый) был очень распространен в это время. Круглые барельефы использовались в архитектуре, круглые картины — в интерьере. Дони — богатая флорентийская семья, однако слово «donare» означает и подарок. Мария на картине держит Христа как священный дар людям

На картинках ниже:

1. Венера Медицейская (возможно, скульптор Клеомен Афинский), 1 в. до н. э. Скульптура римского происхождения, но место ее находки неизвестно. Медицейской, то есть, принадлежащей Медичи, она стала в 1677 году. Это одна из самых известных скульптур: про нее писал стихи Байрон, существует множество копий статуи, в т. ч. в парке Петергофа.

2. Бюст с головой Агриппы, 30–20 гг. до н. э. Увлечение римскими императорами и полководцами было бесконечным, все современники искали себе прообраз в этой истории, и ценили соответствующие памятники. Три издания «Жизни двенадцати цезарей» Светония (Агриппа там появляется как соратник Октавиана Августа) примерно 12 века есть в коллекции библиотеки Медичи во Флоренции. А имя Агриппы красуется на фронтоне Пантеона в Риме.

1. Венера Медицейская (возможно, скульптор Клеомен Афинский), 1 в. до н. э.

2. Бюст с головой Агриппы, 30–20 гг. до н. э.

Теперь посмотрим на саму коллекцию галереи Уффици. Разговор о ней невозможен без упоминания семейства Медичи.

💰 Медичи — целая династия государственных деятелей эпохи Возрождения. Банковское дело помогло им накопить большое богатство. Медичи правили Флоренцией, к этой фамилии принадлежали четыре римских папы и две французские королевы. С самого начала они стремились стать покровителями искусств, наук и философии, как монархи древности. В результате в их руках скопилась невероятная по масштабу коллекция.

🖼 Причины такого интереса к искусству — желание показать свою связь с античным образом покровителя искусств, что в те времена ценилось так же, как сегодня — диплом известного университета или счет в банке. Надо иметь в виду, что интерес к искусству в те времена не сочетался с нашим сегодняшними представлениями о благородстве нравов. Многие меценаты эпохи Возрождения были фантастически жестокими и отвратительно распущенными персонажами, хотя могли цитировать Платона по памяти.

👤 Основные разделы галереи отражают вкусы и интересы нескольких поколений Медичи. Благодаря им и другим покровителям искусства мы представляем искусство Возрождения и последующих пары веков таким, каким оно описано во всех учебниках. Многие работы этого периода — не только портреты, но даже научные труды — связаны с прославлением конкретного патрона, отражают его особые интересы, фамильные мифы, политические претензии.

1, 2. Капитолийские музеи, Рим, Италия, 1734
3, 4. Картинная галерея Сан-Суси, Потсдам, Германия, 1764
5, 6. Эрмитаж, Санкт-Петербург, Россия, 1764
7. Коллекции Пегги Гуггенхайм, Венеция, Италия, 1980
8. Пегги Гуггенхайм

Музеев, в которых коллекция собрана одним человеком или семьей, и отражает их вкусы и интересы — очень много. Ведь первоначально собирать ценности могли себе позволить только богатые и именитые. Теперь большинство этих коллекций открыто для людей, что, наверное, справедливо. Но и что-то важное утрачено: эти коллекции навсегда замерли, остановилась в своем развитии.

🔹 Капитолийские музеи. Формально — первый публичный музей в истории, в основе которого лежит коллекция античной бронзы, переданной Сикстом IV в 1471 году в дар «народу Рима». Палаццо — часть комплекса из трех зданий и площади, спроектированного Микеланджело. Большую роль в появлении этого музея сыграл развивающийся образ Рима, как мекки для всех, кто интересуется искусством и архитектурой (а не только религией).

🔹 Картинная галерея Сан-Суси. Художественный музей в парке Сан-Суси Потсдама, построенный в 1755–1764 годах при короле Фридрихе Великом — страстном коллекционере. Если Медичи пытались повторить успех древних императоров, то европейские монархи следующих веков повторяли за самими Медичи (и другими известными меценатами). Каждому хотелось иметь своего Леонардо или Рафаэля. А также создать уникальное пространство переживаний. В отличие от итальянских вельмож, у европейских было больше пространства — Сан-Суси и парк составляют один памятник культуры.

🔹 Эрмитаж. Наверное, одна из немногих коллекций царского времени, которая более или менее сохранилась. Большинство собраний дворянских и купеческих фамилий были при Советской власти растворено в коллекциях таких музеев как Эрмитаж и ГМИИ. И, конечно, сохранился сам дворец. Трудно сказать, что больше интересует многих посетителей Зимнего дворца: искусство или «как жили Романовы». В некоторых комнатах, где особенно яркие интерьеры, на искусство и смотреть трудно.

🔹 Есть ли сейчас, в современном демократическом мире, такие музеи, в которых коллекция и личность коллекционера имеют большое значение? На эту роль отчасти может претендовать музей Пегги Гуггенхайм в Венеции. Хотя сама Пегги уже умерла, но когда-то она была известной светской львицей, покровительницей современного искусства. Ее вечеринки были хорошо известны. В Венеции для своей коллекции она выбрала не новое здание, а палаццо 19 века, которое осталось недостроенным: здание не окончено, как и вся современная культура. В его пышности и праздничности есть что-то и от самой Пегги.

курс Level One

Как разбираться в архитектуре

Курс из 5 лекций о том, как понимать архитектуру и видеть разницу в стилях: от античности до авангарда. После курса прогулки и путешествия наполнятся красотой — вы будете замечать красивые детали зданий вокруг себя, и сможете поделиться впечатлениями.

Сегодня можно купить со скидкой 50%
3500₽ 1750₽

подробнее о курсе

Здание в Лаврушинском переулке — Третьяковская галерея

Основное здание Галереи находится в Лаврушинском переулке, в Замоскворечье – традиционно купеческом районе Москвы.  Семья Третьяковых купила этот дом в конце 1851 года. В 1856 Павел Михайлович приобрел первые картины, положившие начало знаменитому собранию.

По мере роста коллекции к жилой части особняка пристраивались помещения, специально предназначенные для произведений искусства. Однако рост собрания Третьяковской галереи постоянно превосходил ее экспозиционные возможности.

Строительство первой пристройки, примыкающей к южной стене дома и развернутой в сторону церкви Святого Николая в Толмачах, велось весь 1873 год . В 1874 году Галерея открылась для посещения. В 1882 году возникла необходимость вновь расширить экспозиционные площади за счет территории сада, окружавшего  дом. Появились три новых зала наверху и столько же внизу, расположенных под углом к старому зданию Галереи, параллельно Малому Толмачевскому  переулку. Следующая пристройка  была сделана в 1885 году. Благодаря ей появились три зала в верхнем этаже и пять в нижнем. Это позволило несколько упорядочить существовавшую до тех пор экспозицию. Четвертая пристройка  была осуществлена в 1892 году. В верхнем этаже прибавилось два больших  и один маленький залы, а внизу – три небольших. В новых залах  экспонировались в основном произведения конца 1880-х годов  и работы 1890-х по мере их поступления. 

После смерти П.М.Третьякова в перестроенном доме, где раньше жила его семья, на первом этаже разместили библиотеку Павла Михайловича, помещение для продажи каталогов и фотографий с картин Галереи, гардероб, контору и прочие службы. В мае 1900 года на заседании Совета Галереи в присутствии художников В.М.Васнецова, В.Д.Поленова и ряда московских  архитекторов, была высказана мысль о том, чтобы фасад Галереи построили в «русском стиле».  Эта работа была поручена В.М.Васнецову. Возведение нового фасада началось  в 1902 году и было закончено в 1904. Васнецовский фасад стал эмблемой Третьяковской галереи.
 

Эскиз фасада Галереи в «русском стиле». В.М.Васнецов 

2 апреля 1913 года Московская городская дума избрала попечителем  Третьяковской галереи Игоря Эммануиловича Грабаря, видного художника,  архитектора и историка искусства. Главное, чем ознаменовалась деятельность Грабаря, – реформы, превратившие Третьяковскую галерею в музей европейского  типа с экспозицией, построенной по хронологическому принципу. В начале декабря 1913 года, к пятнадцатой годовщине смерти основателя Галереи, реформированный музей был открыт для публики.

3 июня 1918 года Совнарком издал Декрет, который объявлял Третьяковскую галерею государственной собственностью Российской Федеративной Советской Республики. С этого момента музей стал называться Государственной Третьяковской галереей. После национализации  директором Галереи был назначен И.Э.Грабарь. За первые годы Советской власти (1918–1922) коллекция Галереи увеличилась почти на 50% за счет многочисленных поступлений из Государственного музейного фонда. В связи с увеличением фондов многие экспозиционные залы были отданы под запасник для картин. 
К 1923 году экспозиция, которую с таким вдохновением создавал И.Э.Грабарь, сильно изменилась.

Экспозиция Городской художественной галереи П. М. и С.М.Третьяковых. 1898

Академик архитектуры А.В.Щусев, ставший директором в 1926 году, много сделал для расширения имеющегося помещения и пристройки  нового. 
В 1927 году Галерея получила соседний дом по Малому Толмачевскому  переулку (бывший дом Соколикова). После перестройки в 1928 году он превратился в служебное здание, где разместилась администрация Галереи, научные отделы, библиотека, отдел рукописей, фонды графики. 

К Галерее это здание присоединялось специальной пристройкой. В 1928 году коренным образом были переоборудованы отопление и вентиляция. В 1929 году Галерея была электрифицирована (до этого она была открыта для посетителей  лишь в дневное время). 

Запасник в здании закрытой церкви Святителя Николая в Толмачах. 1932

Здание закрытой в 1929 году церкви Святителя Николая в Толмачах  в 1932 было передано Галерее и стало запасником живописи и скульптуры.  Позже оно было соединено  с экспозиционными залами заново выстроенным  двухэтажным корпусом, верхний этаж которого был специально  предназначен для экспонирования картины А. А Иванова «Явление Христа народу (Явление Мессии)»  (1837–1857). Был  построен также переход между залами, расположенными  по обе стороны от главной лестницы, что обеспечило непрерывность обзора. В результате этих перемен увеличилась экспозиционная площадь музея и началась работа над созданием новой концепции размещения произведений.
 
В 1936 году завершилось строительство нового  двухэтажного корпуса с северной стороны основного здания. Сооруженный по проекту архитектора А.В.Щусева, мастерски соотнесенный с исторической частью и васнецовским фасадом, «щусевский корпус» органически  вошел в панораму Лаврушинского  переулка. Его просторные залы (четыре – в верхнем этаже и четыре  – в нижнем) сначала использовались для выставок, а с 1940 года были включены в основной маршрут экспозиции.

Разрушения от попадания бомбы в здание галереи в августе 1941

Во время Великой Отечественной войны (1941–1945) Галерея пострадала от бомбежки. В ночь с 11 на 12 августа 1941 года в результате налетов  немецкой авиации две фугасные бомбы упали на здание. На крыше в нескольких местах было разрушено  стеклянное покрытие. Рухнуло  межэтажное  перекрытие  верхнего  зала  № 6 и нижнего № 49. Пострадал главный вход.  В гардеробе  подвального этажа разбило полы. Вышли из строя отопительная и вентиляционная  системы. Несколько месяцев спустя, в ночь с 12 на 13 ноября 1941 года, на территорию Галереи упала  еще одна фугасная бомба. Был разрушен  двухэтажный жилой дом по соседству. В 1942 году здание Галереи начали восстанавливать. К осени в 13-ти  залах остеклили световые фонари крыши и окна, привели в порядок паркет,  покрасили стены, починили отопление и вентиляцию. К 1944 году из 52  залов 40 было отремонтировано, а экспонаты, эвакуированные в Новосибирск и Пермь в 1941–1942 годах, вернулись на свои места.

 
В мае 1956 года широко отмечалось 100-летие Третьяковской галереи. В связи с этим юбилеем в 1955–1957 годах была произведена достройка  зала  А.А.Иванова. К этому времени коллекция насчитывала более 35 000 произведений искусства. К середине 1980-х годов возросшее количество посетителей,  экскурсий, школьных кружков уже с трудом помещалось в залах музея. Необходимость расширения экспозиционной площади стало первостепенной  задачей. Реконструкция существующих и строительство новых зданий Галереи в Лаврушинском переулке во многом связаны с именем директора  Ю.К.Королева (1929–1992).  

Королёв Юрий Константинович. 1980

Строительные работы были начаты в 1983 году. Через два года был введен в строй депозитарий – хранилище произведений искусства, где также расположились реставрационные мастерские.  В 1986 году началась реконструкция основного здания Третьяковской галереи (архитекторы И.М.Виноградский, Г.В.Астафьев, Б.А.Климов и другие),  основанная на идее сохранения исторического облика здания. В 1989 году с южной стороны от основного здания был сооружен новый  корпус, где разместились конференц-зал, информационно-вычислительный  центр, детская студия и выставочные залы. В них в 1992–1994  годах проходила выставка шедевров  из коллекции Галереи. В этом же здании была сосредоточена большая часть инженерных систем и служб, поэтому  оно получило название Инженерный корпус. 

 

Строительство Депозитария. 1984

Принципиальной особенностью плана реконструкции было включение в музейный ансамбль храма Святителя  Николая в Толмачах (памятник архитектуры XVII века) после его восстановления и  освящения. Храм был утвержден в статусе домового храма-музея при Третьяковской галерее. Строительство в Лаврушинском переулке заняло почти десять долгих лет : с 1985 по 1995 год.
 
Ныне комплекс зданий Третьяковской галереи, расположенный между Лаврушинским и Малым Толмачевским переулками, – любимое место не только москвичей, но и многих гостей столицы. Сюда приезжают из различных краев, областей и городов Российской Федерации, чтобы увидеть любимые полотна, посетить храм и помолиться перед иконой Владимирской Богоматери.

история строительства и модернизации – тема научной статьи по искусствоведению читайте бесплатно текст научно-исследовательской работы в электронной библиотеке КиберЛенинка

Государственная галерея в городе Штутгарте: история строительства и модернизации

Н.Ю.Федотова

Статья посвящена комплексному анализу модернизации музейных объектов конца XX — начала XXI века. Автором рассматриваются основные типы построения современных музейных комплексов и зданий, а также принципы взаимодействия исторической и современной архитектуры при модернизации музейных объектов на примере проектов расширения Государственной галереи в городе Штутгарте.

Ключевые слова: музей, музейный комплекс, архитектура, модернизация, реконструкция, Государственная галерея (г. Штутгарт), Джеймс Стерлинг, постмодернизм, хай-тек.

State Gallery of Stuttgart: History of Construction and

Some Modernizations. By N.Yu.Fedotova

The article is devoted to the complex analysis of the modernization of the museum objects of the late XX — early XXI centuries. The author considers the main types of modern museum complexes and buildings, as well as the principles of interaction between historical and modern architecture with the modernization of museum objects on the example of the State Gallery in Stuttgart expansion projects.

Keywords: museum, museum complex, architecture, modernization, reconstruction, State Gallery of Stuttgart, James Stirling, post-modernism, high-tech.

Повышенное внимание к модернизации музейных комплексов и зданий сегодня совершенно очевидно. Как отметил доктор исторических наук, генеральный директор Государственного Эрмитажа М.Б. Пиотровский: «Музеи являются средством познания мира, средством объяснения мира, средством передачи культуры и воспитания поколений. Они являются элементом политической, экономической и ценностной системы отдельных обществ и человечества в целом. Сегодня музеи становятся общечеловеческим явлением. В этом один из положительных моментов глобализации, который человечество должно стимулировать» [10, с. 6]. Соответственно, модернизация музейного объекта или создание каждого нового художественного и культурного центра на базе и собрании старого исторически сложившегося музея делает понимание современного мира более доступным, а пребывание в нём более комфортным, увлекательным и эмоционально насыщенным.

Процесс модернизации музейных объектов включает в себя ряд важных задач, направленных на адаптацию исторического музейного комплекса к современным потребностям музея.

Одной из главных целей модернизации является создание новых дополнительных площадей, не только обеспечивающих высокий уровень технической оснащённости и безопасности музейных собраний и соответствующих современным коммуникационным возможностям для передачи музейной информации, но и обладающих выразительной архитектурной составляющей, которая способствует привлечению большего числа посетителей.

В настоящее время тенденция использовать новую стилистику архитектурных форм при модернизации всё чаще появляется в общемировой музейной практике. Многие ведущие музеи мира ориентируются прежде всего на оригинальные архитектурные проекты, стремящиеся поразить и потрясти посетителя «индивидуальным эффектом». Следовательно, подобное расширение, перестройка, изменение музейных пространств или в целом создание нового музейного комплекса представляет научный и практический интерес для исследования.

Ряд научных источников посвящён архитектуре музеев в разных странах. В них выявлены архитектурные концепции музеев последних лет, региональные особенности их проектирования, отображено своеобразие музеев различных профильных групп, творческие взгляды архитекторов на роль музеев в современной жизни и актуальные проблемы музейного строительства. Но, несмотря на обширный материал, для выработки объективного подхода к данной проблеме необходимо определить основные модели построения архитектурных объектов при модернизации музейных объектов, выявить закономерности и принципы, использующиеся при проектировании современных музейных зданий и комплексов.

При разработке проекта модернизации происходит поиск пространственной организации, основанной на новых технологических, технических, организационных возможностях и стилистических художественных тенденциях. На сегодняшний день можно выделить основные типы модернизации музейных объектов, определённые спецификой существующих зданий: «скрытые резервы», «новый музейный объект» и «новый корпус» [9], а также принципы взаимодействия исторической и современной архитектуры при модернизации музейных комплексов: «нюансный», «компромиссный» и «контрастный» [8].

Далее в статье будут рассмотрены некоторые из них, а именно: тип модернизации музейных объектов — «новый корпус» и принципы взаимодействия исторической и современной архитектуры при модернизации музейных зданий и комплексов — «компромиссный» и «контрастный», на примере проекта

1 2017

39

расширения одного из ведущих музеев мира — Государственной галереи в городе Штутгарте (Германия).

Данный проект является идеальным образцом архитектурно-художественной модернизации музейного объекта и характеризует специфику современных музейных подходов при модернизации архитектуры. По мнению Т.П. Калугиной, «это архитектурное произведение просто удача для исследователя, ибо оно очень много знает о самом себе, в известном смысле оно есть комментарий к самому себе» [3, с. 194].

Историческое здание Государственной галереи в Штутгарте было построено для Музея изобразительных искусств в 1843 году архитектором Готтлобом Георгом фон Бартом в стиле позднего немецкого классицизма. В 1881-1888 годах, по мере увеличения коллекции, музейное здание пришлось расширить с помощью двух дополнительных крыльев по проекту архитектора Альберта фон Бокса (рис. 1). К сожалению, в годы Второй мировой войны архитектурный памятник был частично разрушен, но уже в 1958 году восстановленный музей во всем великолепии немецкого классицистического зодчества вновь открыл свои двери для посетителей (рис. 2).

В 1974 году был объявлен международный конкурс на проектирование нового здания Государственной галереи. В результате

отборочного тура победило проектное предложение британского архитектора Джеймса Стерлинга1. Новая галерея прежде всего предназначалась для коллекции картин и скульптуры ХХ века, а также в соответствии с проектом в ней разместились: лекционный зал, специализированная библиотека, кафе, магазин, административные помещения и подземный гараж.

Расширение галереи в Штутгарте по проекту Стерлинга было реализовано с помощью одного из типов модернизации — «новый корпус», которая осуществляется за счёт постройки новых отдельно стоящих зданий в комплексе с существующими музейными строениями. Как правило, они могут соединяться между собой наземными и подземны-

1 Джеймс Стерлинг родился в 1926 году (Глазго, Шотландия), умер в 1992 году (Лондон, Англия). Образование: Ливерпульский университет (1945-1950). Проекты: Инженерный факультет Лейчестерского университета, Великобритания (1959-1964), библиотека Исторического факультета Кембриджского университета, Великобритания (1964-1967), Флори-Билдинг Королевского колледжа в Оксфорде, Великобритания (19 66-1971), галерея Тейт Британия в Лондоне, Великобритания (1978-1986), музей Артура М. JHE………………. ………..

Рис. 1. Здание Государственной галереи в Штутгарте. Проект архитектора Готтлоба Георга фон Барта (1839-1843). Боковое крыло со стороны улицы Арнульф-Клетт-плац

Рис. 2. Здание Государственной галереи в Штутгарте. Проект архитектора Готтлоба Георга фон Барта (1839-1843). Парадная площадь (курдонёр) перед историческим корпусом галереи со стороны улицы Конрад-Аденауэр-Штрассе

ми переходами, лестницами, атриумами и т.д. Это новое отдельно стоящее здание, независимое от исторической архитектуры, но объединённое с ней в единый музейный комплекс.

Также при проектировании Новой галереи был использован «компромиссный» принцип взаимодействия истори-

ческой и современной архитектуры, реализующийся либо за счёт введения новой архитектуры в историческое пространство (использование скрытых архитектурных резервов), архитектурный образ которой обычно размыт и не отвлекает от исторического здания, либо за счёт возведения нового здания, объединённого в общий архитектурный ансамбль

Рис. 3. «Начало пути в «храм муз». Лестница, ведущая на Рис. 4. «Террасы Стерлинга». На заднем плане Штутгарт-одну из платформ-террас, созданных Джеймсом Стерлингом ская высшая школа музыки и театра, построенная по проекту архитектора

Рис. 5.Исторический и «Стерлинговский» корпуса, соединён- Рис. 6. «Тропа Стерлинга» ные надземным переходом

1 2017 41

с помощью гармоничного сочетания «исторического» архитектурного стиля существующей постройки с современными архитектурными формами и направлениями.

Джеймс Стерлинг «создал здание — метафору истории, как бы компенсирующее городу утраты его вещественной памяти, монументальное концентрированное воплощение духа места, введённое в городскую ткань» [2, с. 274]. Прежде всего, перед архитектором стояла сложная задача — вписать Новую галерею в архитектурную среду исторического центра Штутгарта. Земельный участок для постройки здания находился на крутом склоне, что обусловило сооружение ряда ступенчатых террас и пандусов (рис. 3; 4), над которыми разместился новый корпус галереи, соединённый со старым строением надземным переходом (рис. 5). Также важным в проекте является сохранение дороги, так называемой «Тропы Стерлинга» (рис. 6), которая объединила различные уровни расположенного на склоне музейного здания и связала исторические улицы города — Урбан-штрассе и Конрад-Аденауэр-Штрассе. Данная пешеходная зона проходит сквозь корпус Новой галереи, но при этом не нарушает её пространственную и функциональную составляющую.

Принимая во внимание пропорции и общий архитектурный облик исторического окружения, было решено построить здание, соответствующее по масштабу и высоте строению Старой галереи. При проектировании зодчий отказался от простой объёмно-пространственной композиции здания, создав сложную фрагментированную. Основой композиции служит здание Новой галереи, представляющее собой П-образное в плане строение, которое в какой-то степени повторяет архитектурный план исторического корпуса, а также обрамляет ротонду и верхнюю «террасу скульптур» (рис. 7).

В своём творчестве Джеймс Стерлинг часто обращался к архитектурному языку различных эпох. «Эклектическая смесь» архитектурных форм Новой галереи несёт в себе созвучие и со старой и с новой архитектурой одновременно. Благодаря разнородным стилевым элементам (антовые колонны, египетские карнизы и т.д.), которые были включены в проект, исключается резкий контраст с окружающей архитектурой и создаётся искусная иллюзия современности в историческом пространстве (рис. 8). Зодчий в своём творении виртуозно использовал чётко узнаваемые прообразы-архетипы. Например, ротонда, являющаяся ядром объёмно-пространственной композиции, по мнению архитектурного критика А.В. Рябушина, «своей формой и строго осевым расположением сразу же отсылает нас к многочисленным прообразам. В цепи ассоциаций неизбежны вилла Адриана и вилла Мадама Рафаэля, дворец Карла V в Альгамбре (Гранада) и эскиз Булле 1783 года для Национальной библиотеки, ротонда Асплунда в Стокгольмской библиотеке и другие исторические источники с центральными ротондами часть из которых открыта небу» [7, с. 275] (рис. 9). Или облицованные тонкими плитами травертина и песчаника наружные фасады -они ассоциируются, соответственно, со зданием Старой галереи. Помимо исторических архитектурных образов, в качестве

элементов «двойного кодирования» Стерлинг использовал эпатирующие современные включения хай-тека — красочные разноцветные промышленные элементы (воздухозаборные трубы, козырьки, поручни-ограждения и т.д.), наталкивающие на мысль о Национальном Центре искусства и культуры им. Дж. Помпиду в Париже (рис. 10-12). Таким образом, архитектор-экспериментатор, совмещая взаимоисключающие элементы, создал уникальный и динамичный архитектурный коллаж, который на сегодняшний день является одним из самых значимых объектов эпохи постмодернизма (рис. 13).

Здание Джеймса Стерлинга, благодаря гармоничному синтезу современности и традиции, стало архитектурным символом города. Выразительная образность музея привлекла множество восторженных зрителей. «В первые шесть месяцев после открытия число посетителей достигло 900 тыс. человек, и Новая галерея в Штутгарте перекочевала с 52-го на 3-е по популярности место в ФРГ» [7, с. 271]. В связи с этим вошедшую сегодня в оборот формулировку — «эффект Биль-бао», несомненно можно применить к данному музейному зданию, которое дало новый импульс развитию социальной, экономической и культурной жизни города.

На проекте Джеймса Стерлинга расширение Государственной галереи не закончилось. Осенью 2002 года был открыт ультрасовременный корпус, так называемый «Штайб-Бау», спроектированный швейцарскими архитекторами Вилфри-дом и Катариной Штайб. В здании разместилась коллекция графики, кабинет рисунков и эстампов, библиотека, реставрационные мастерские и залы временных выставок.

Данная модернизация Государственной галереи была осуществлена, как и предыдущее расширение, по типу «новый корпус», но принцип взаимодействия исторической и современной архитектуры был использован иной — «контрастный». Этот принцип более яркий, поскольку в нём противопоставляются архитектурные стили различных эпох. Новое здание или новый корпус музея по характеру своей

Рис. 7. План Новой государственной галереи: 1 — истор-ческий корпус; 2 — надземный переход; 3 — новый корпус; 4 — «терраса скульптур»; 5 — рампы-пандусы; 6 — ротонда; 7 — Штутгартская высшая школа музыки и театра. Проект Джеймса Стерлинга (1979-1984) [13]

Рис. 8. Новая государственная галерея. Ротонда (фрагмент) Рис. 9. Двор ротонды, служащий местом для экспонирования

скульптуры на открытом воздухе и отдыха

Рис. 10. Главный вход в Новую галерею Рис. 11. Рампы-пандусы, ведущие на верхнюю

«террасу скульптур»

Рис. 12. «Бесфасадность» Новой галереи. Кафе Рис. 13. Принцип Джеймса Стерлинга: «Я люблю контра-

сты» [14]

1 2017 43

Рис. 14. Государственная галерея в Штутгарте. Аэросъёмка [15]

архитектуры абсолютно противоположны исторической постройке, а контраст между разными стилями способствует более сильному эмоциональному восприятию архитектуры. Образцы применения этого принципа разнообразны и, как правило, представляют собой неожиданные варианты сочетания архитектурных стилей.

Проектом было предусмотрено строительство отдельного корпуса музея, соединённого с исторической галереей двумя надземными переходами и размещённого между Старой галереей и Урбанштрассе, расположенной выше по склону (рис. 14). Большой перепад высот (около 11 м) подтолкнул архитекторов на создание пятиэтажного протяжённого объёма здания (длиной 8 м и шириной 70 м), один из фасадов которого частично скрыт под землёй. Такое решение представляет собой попытку установления ансамблевой связи с более ранней застройкой музейного комплекса и города. То же можно сказать и о высоте строения, которая подчинена требованиям гармоничного сочетания с окружением (рис. 15).

Авторы проекта подошли творчески к стилевому решению нового корпуса, применив современные материалы и технологии. Внешний облик здания подчёркнуто гео-

метричен и вызывает контраст с более ранними строениями музея своей выразительностью. Внутренний фасад основного объёма здания, выходящего на исторический корпус, разделён на два горизонтальных блока — бетонное основание с узким ленточным остеклением и верхний ярус из металла и стекла (рис. 16). Такое контрастное противопоставление новой и старой архитектуры вызывает на первый взгляд диссонанс, но присмотревшись, можно увидеть своеобразную гармонию. Пластичность классицистического фасада Государственной галереи выявлена геометрической структурой бетонных элементов нового корпуса, а применение значительных по площади плоскостей ленточного остекления отсылают нас к Административному корпусу, построенному по проекту Джеймса Стерлинга и расположенному за Новой галереей на Урбанштрассе. Внешний фасад нового комплекса представляет собой горизонтальный стеклянный объём, расчленённый металлическими креплениями (рис. 17). Такое применение современных материалов при строительстве не только придаёт зданию прозрачность и лёгкость, разрушая массивность и осязаемость постройки, но и не

Рис. 15. Гармоничное сочетание городского пространства и музейной архитектуры. Макет [16]

Рис. 16. «Штайб-Бау». Проект архитекторов Вилфрида и Катарины Штайб (1991-2002). Внутренний фасад [17]

Рис. 17. «Штайб-Бау». Проект архитекторов Вилфрида и Катарины Штайб (1991-2002). Внешний фасад (фрагмент) [18]

перегружает общую композицию музейного комплекса, составляя единое целое и формируя пространство.

Здание «Штайб-Бау», органично вписанное в сложившуюся структуру исторического окружения, поражает элегантной сдержанностью архитектурного решения, виртуозным умением выявить эстетические возможности конструкций и новых материалов, а также соответствует всем функциональным требованиям современного музея.

Приведённые выше примеры расширения Государственной галереи в Штутгарте — это диалог между современной и историческими темами в архитектуре, который полностью отвечает требованиям и времени, и места. Данные проекты отличаются друг от друга по поиску пространственной организации современного музейного комплекса, построенной на новых технических, технологических, организационных возможностях и стилистических художественных тенденциях. Из чего можно заключить, что абсолютно в каждом случае модернизация музейных зданий уникальна, но, несмотря на это, музеи преследуют общие цели: максимально показать постоянно пополняемые музейные коллекции, кардинально улучшить условия хранения и реставрации, подняться на качественно новый уровень научной и просветительской деятельности, расширить спектр услуг, предоставляемых посетителям.

Литература

1. Будко, А. Модернизация. Схематизация опыта / А. Будко // Мир музея. — 2010. — № 4. — С. 34-37.

2. Иконников, А.В. Архитектура ХХ века: Утопии и реальность. В 2 т. Т.2. / А.В. Иконников; под ред. А.Д. Кудрявцевой. — М.: Прогресс-Традиция, 20 02. — 672 с.

3. Калугина, Т.П. Художественный музей как феномен культуры / Т.П. Калугина. — СПб: Петрополис, 2008. — 244 с.

4. Майстровская, М.Т. Музей как объект культуры. Искусство экспозиционного ансамбля / М.Т. Майстровская. — М.: Прогресс-Традиция, 2016. — 672 с., ил.

5. Ревякин, В.И. Современные музеи мира: учебное пособие / В.И. Ревякин; Государственный университет по землеустройству. — М., 2012. — 352 с.

6. Ревякин, В.И. Современная зарубежная архитектура: учебное пособие / В.И. Ревякин; Государственный университет по землеустройству. — М., 2013. — 124 с.

7. Рябушин, А.В. Новые горизонты архитектурного творчества, 1970-1980-е годы / А.В. Рябушин. — М.: Стройиздат, 1990. — 327 с.

8. Федотова, Н.Ю. Принципы взаимодействия исторической и современной архитектуры при модернизации музейных комплексов конца XX — начала XXI века / Н.Ю. Федотова // Актуальные проблемы теории и истории искусства: сб. науч. статей. — Вып. 6 — СПб: НП-Принт, 2016. — С. 642-648.

9. Федотова, Н.Ю. Современные тенденции музейной модернизации: анализ новых архитектурных проектов / Н.Ю. Федотова // Артикульт. — 2014. — № 16 (4). — С.49-53.

1 2017

45

10. Философия музея: учебное пособие / Под. ред. М.Б. Пиотровского. — М.: ИНФРА-М, 2013. — 192 с.

11. Stirling, J. Die neue Staatsgalerie Stuttgart — Stuttgart: Hatje, 1984. — 119 p.

12. Stirling, J. Inspiration and Process in Architecture / ed. by M. Iuliano, F. Serrazanetti. Moleskine SpA PubL., 2015. — 144 p.

13. Коллекция Архитектурных Планов [Электронный ресурс]. — Режим доступа: http://kannelura.info/?tag=museum (дата обращения: 26.01.2017).

14. StudyBlue [Электронный ресурс]. — Режим доступа: https://www. studyblue.com/notes/note/n/hiaa0860class-no-study-guide-2015-16-neumann/deck/17034271 (дата обращения: 26.01.2017).

15. Harder Stumpfl Schramm [Электронный ресурс]. -Режим доступа http://www.harderstumpflschramm.de/alte-staatsgalerie/ (дата обращения: 26.01.2017).

16. Divisare [Электронный ресурс]. — Режим доступа: http://divisare.com/search/projects?q=john+Cranko (дата обращения: 26.01.2017).

17. TravelUnity [Электронный ресурс]. — Режим доступа: http://www.travunity.de/reisefuehrer/stuttgart/staatsgalerie-stuttgart/erweiterungsbau-alten-staatsgalerie-stuttgart (дата обращения: 26.01.2017).

18. Kunstmueen [Электронный ресурс]. — Режим доступа: http://www.rb-gg.de/Links/Kunstmuseen/kunstmuseen.html (дата обращения: 26.01.2017).

Literatura

1. Budko A. Modernizatsiya. Skhematizatsiya opyta / A. Budko // Mir muzeya. — 2010. — № 4. — S. 34-37.

2. Ikonnikov A.V. Arhitektura ХХ veka: Utopii i real’nost’. V 2 t. T.2. / A.V. Ikonnikov; pod red. A.D. Kudryavtsevoj. — M.: Progress-Traditsiya, 20 02. — 672 s.

3. Kalugina T.P. Hudozhestvennyj muzej kak fenomen kul’tury / T.P. Kalugina. — SPb: Petropolis, 2008. — 244 s.

4. Majstrovskaya M.T. Muzej kak ob»ekt kul’tury. Iskusstvo ekspozitsionnogo ansamblya / M.T. Majstrovskaya. — M.: Progress-Traditsiya, 2016. — 672 s., il.

5. Revyakin V.I. Sovremennye muzei mira: uchebnoe posobie / V.I. Revyakin; Gosudarstvennyj universitet po zemleustrojstvu.

— M., 2012. — 352 s.

6. Revyakin V.I. Sovremennaya zarubezhnaya arhitektura: uchebnoe posobie / V.I. Revyakin; Gosudarstvennyj universitet po zemleustrojstvu. — M., 2013. — 124 s.

7. Ryabushin A.V. Novye gorizonty arhitekturnogo tvorchestva, 1970-1980-e gody / A.V. Ryabushin. — M.: Strojizdat, 1990. — 327 s.

8. Fedotova N.Yu. Printsipy vzaimodejstviya istoricheskoj i sovremennoj arhitektury pri modernizatsii muzejnyh kompleksov kontsa XX — nachala XXI veka / N.Yu. Fedotova // Aktual’nye problemy teorii i istorii iskusstva: sb. nauch. statej.

— Vyp. 6 — SPb: NP-Print, 2016. — S. 642-648.

9. Fedotova N.Yu. Sovremennye tendentsii muzejnoj modernizatsii: analiz novyh arhitekturnyh proektov / N.Yu. Fedotova // Artikul’t. — 2014. — № 16 (4). — S.49-53.

10. Filosofiya muzeya: uchebnoe posobie / Pod. red. M.B. Piotrovskogo. — M.: INFRA-M, 2013. — 192 s.

13. Kollektsiya Aritekturnyh Planov [Elektronnyj resurs]/ rezhim dostupa: http://kannelura.info/?tag=museum (data obrashheniya: 26.01.2017).

14. StudyBlue [Elektronnyj resurs]. — Rezhim dostupa: https://www.studyblue.com/notes/note/nZhiaa0860dass-no-study-guide-2015-16-neumann/deck/17034271 (data obrashheniya: 26.01.2017).

15. Harder Stumpfl Schramm [Elektronnyj resurs]. -Rezhim dostupa http://www.harderstumpflschramm.de/alte-staatsgalerie/ (data obrashheniya: 26.01.2017).

16. Divisare [Elektronnyj resurs]. — Rezhim dostupa: http://divisare.com/search/projects?q=john+Cranko (data obrashheniya: 26.01.2017).

17. TravelUnity [Elektronnyj resurs]. — Rezhim dostupa: http://www.travunity.de/reisefuehrer/stuttgart/staatsgalerie-stuttgart/erweiterungsbau-alten-staatsgalerie-stuttgart (data obrashheniya: 26.01.2017).

18. Kunstmueen [Elektronnyj resurs]. — Rezhim dostupa: http://www.rb-gg.de/Links/Kunstmuseen/kunstmuseen.html (data obrashheniya: 26.01.2017).

Музей Четырех или Третьяковская галерея как икона стиля

Возрождение при царе Александром III русского средневекового стиля в архитектуре советскими историографами и искусствоведами подверглось жесткому остракизму.

Гневные «филиппики» разоблачали реакционность и неестественность так называемого «неорусского» стиля, который в 80-х годах 19-го века стал символом возрождения русского духа и формирования новых идентификационных меток русского народа.

По иронии судьбы его главным апологетом стал абсолютный этнический немец – Царь-миротворец Александр Александрович, на самом деле лишь выразивший своими культурологическими пристрастиями общее возвращение общества того времени к русским корням. И этот «мейнстрим» просуществовал вплоть до революции.

Таким образом, Третьяковская галерея, питерский Храм на крови, исторический музей на Красной площади и ГУМ, вместе с собором Василия Блаженного, Грановитой палатой и множеством других памятников средневековой архитектуры –– стали частью общего русского культурного кода, и образными метками национальной самоидентификации русской цивилизации в глобализационном мире.

Наше обращение к теме Третьяковской галерее совершенно не случайно. 18 мая весь мир отмечает Международный день музеев, а 22 мая 2016 года исполняется 160 лет Государственной Третьяковской Галерее, национального музея русского изобразительного искусства (1856).

История самого известного российского и самого русского музея началась в 1856 году, когда Павел Третьяков приобрел две картины русских художников: «Искушение» Н. Г. Шильдера и «Стычка с финляндскими контрабандистами» В. Г. Худякова. В 1867 году для широкой публики в Замоскворечье была открыта «Московская городская галерея Павла и Сергея Третьяковых».

В августе 1892 года Павел Михайлович передал свою художественную галерею в дар городу Москве. В собрании к этому времени насчитывалось 1287 живописных и 518 графических произведений русской школы, 75 картин и 8 рисунков европейской школы, 15 скульптур и коллекция икон.

15 августа 1893 года состоялось официальное открытие музея под названием «Московская городская галерея Павла и Сергея Михайловичей Третьяковых».

Галерея находилась в доме, который семья Третьяковых купила ещё в 1851 году. По мере роста собрания к жилой части особняка постепенно пристраивались новые помещения, необходимые для хранения и демонстрации произведений искусств. Пристройки были сделаны в 1873, 1882, 1885, 1892 и наконец в 1902—1904 годах, когда появился знаменитый фасад, разработанный в 1900—1903 годах архитектором Василием Башкировым по рисункам художника Виктора Васнецова.

Руководил строительством московский архитектор Александр Калмыков. Участие Васнецова в проекте придало зданию необыкновенную иллюстративность. Оно будто сошло с красочных страниц русских народных сказок, расцвело древнерусской буквицей на московской земле, вбирая, развивая и преумножая русский стиль 11-17 веков с его богатством зримых духовных символов, узорочьем букв и, конечно же, насыщенной бардовой колористикой фасадов с золоченным обрамлением козырьков главного входа.

Здание, являясь иконой стиля, само по себе чем-то схоже с классической русской иконой и её атрибутами.

Совместный продукт Василия Башкирова и Виктора Васнецова оказался безупречным примером симбиоза искусств, где оба участниками являются искренними приверженцами «неорусского стиля». Между прочим, Третьяковская галерея далеко не единственный их совместный проект. Здесь еще можно добавить, как прелюдии к галерее, дом Васнецова в переулке Васнецова 13 (Москва, 1893—1894) и особняк И. Е. Цветкова (1901, Москва, Пречистенская набережная, 29).

Отметим, что Василий Николаевич Башкиров не входит в плеяду великих русских архитекторов. И «Третьяковка», пожалуй самое известное из его творений.

Родился будущий апологет «неорусского стиля» в 1870 году в Вятской губернии. В 1893 году окончил Московское училище живописи, ваяния и зодчества. В 1897 году — Императорскую Академию Художеств со званием художника архитектуры. В 1896 году был допущен к исполнению архитектурного проекта на получение звания художник-архитектор по классу архитектора А. Н. Померанцева. В 1900 году Башкирова приняли в Московское архитектурное общество. C 1904 по 1907 годы зодчий работал в Службе производства тока городских железных дорог, для которой спроектировал здание Центральной электрической станции городского трамвая (1906, Москва, Болотная набережная, 15). Их сохранившихся творений архитектора можно еще отметить здание Пречистенских курсов (1905, Москва, Курсовой переулок, 17), учебное здание (1911, Москва, Большой Саввинский переулок, 10), пристройку к Кустарному музею (совместно с А. Э. Эрихсоном, 1912, Москва, Леонтьевский переулок, 7), жилой дом (1908 — 1913, Москва, Первый Неопалимовский переулок, 10), Троицкий храм деревни Аверкиево (1911-1914, Московская область, Павлово-Посадский район). После 1917 года жизнь зодчего исчезла с «радаров истории».

Руководитель строительных работ – Александр Михайлович Калмыков также не входит в плеяду блистательных российских архитекторов, хотя вклад его в преображении Москвы все-таки ощутим. Большинство работ сделаны либо совместно с кем-то из коллег. Либо это руководство строительством, переделки, перепланировки. Его наиболее яркие самостоятельные работы связаны с промышленной архитектурой. Из здесь на первом месте — знаменитые производственные корпуса фабрики «Красный Октябрь» (бывшая «Эйнем») на Берсеневской набережной (1911).

Родился будущий архитектор в 1863 году в Москве. В 1889 году окончил с Малой серебряной медалью Московское училище живописи, ваяния и зодчества. В 1891—1904 годах служил участковым архитектором. Помимо собственной архитектурной практики, выполнял заказы на постройку зданий по чужим проектам. В послужном списке значатся такие работы, как: мелкие строительные работы в Заиконоспасском монастыре (1892, Никольская улица, 9), постройки во владении Товарищества Бахрушиных (1892, Зацепский вал, 37/12), ремонт Городской думы (1897, Площадь Революции, 2), фабричные здания и дом управляющего на макаронной фабрике Динга (1902, Третья Рыбинская улица, 22—24), дом Н. А. и И.А. Абрикосовых при фабрике «Товарищества А. И. Абрикосова Сыновей» («Директорский дом»), совместно с архитектором Б. Н. Шнаубертом (1902—1905, Малая Красносельская улица, 7), доходный дом (1903, Лебяжий переулок, 8), доходный дом Н.Г. Григорьева («Пятницое подворье») (1903—1904, Пятницкая улица, 10), перестройка флигеля Морозовской богадельни (1905, Шелапутинский переулок, 3), доходный дом (1908, Третий Кадашёвский переулок, 5), доходный дом (1908, Первый Голутвинский переулок, 3), производственные корпуса Московской Голутвинской мануфактуры среднеазиатских и внутренних изделий (1911-1912, Первый Голутвинский переулок, 8, Якиманская набережная), склад во владении Товарищества Бахрушиных (1914, Зацепский вал, 37/12), достройка жилого дома по изменённому проекту (1924, Милютинский переулок, 20/2 — Бобров переулок, 2/20). Умер архитектор в 1930 году.

К сказанному добавим, что творение четырех талантливых людей: Третьякова, Васнецова, Башкирова и Калмыкова – после революции получило свое развитие.  3 июня 1918 года Третьяковская галерея была объявлена «государственной собственностью Российской Федеративной Советской Республики» и получила название Государственная Третьяковская галерея.

В 1927 году Галерея получила соседний дом по Малому Толмачевскому переулку (бывший дом купца Соколикова). После перестройки в 1928 году здесь разместилась администрация Галереи, научные отделы, библиотека, отдел рукописей, фонды графики. Позже, в 1985-1994 годах, административный корпус был надстроен по проекту архитектора А. Бернштейна 2 этажами и по высоте сравнялся с экспозиционными залами.

В 1929 году была закрыта церковь Святителя Николая в Толмачах, а в 1932 году её здание было передано Галерее и стало запасником живописи и скульптуры. Позже оно было соединено с экспозиционными залами выстроенным двухэтажным корпусом, верхний этаж которого был специально предназначен для экспонирования картины А. А. Иванова «Явление Христа народу» (1837—1857). Был построен также переход между залами, расположенными по обе стороны от главной лестницы. Это обеспечило непрерывность обзора экспозиции. В музее началась разработка новой концепции размещения экспонатов.

В 1936 году был открыт новый двухэтажный корпус с северной стороны основного здания — так называемого «щусевского корпуса». Эти залы сначала использовались для выставок, а с 1940 года были включены в основной маршрут экспозиции.

В 1956 году, в честь 100-летнего юбилея Третьяковской галереи был достроен зал А. А. Иванова.

В 1980-х годах, из-за возросшего количества посетителей, было принято решение по расширению площади экспозиции. В 1983 году начались строительные работы. В 1985 году был введен в строй депозитарий — хранилище произведений искусства и реставрационные мастерские. В 1986 году началась реконструкция основного здания Третьяковской галереи (архитекторы И. М. Виноградский, Г. В. Астафьев, Б. А. Климов и другие). В 1989 году с южной стороны от основного здания был сооружен новый корпус, где разместились конференц-зал, информационно-вычислительный центр, детская студия и выставочные залы. Здание получило название «Инженерный корпус», потому что в нём была сосредоточена большая часть инженерных систем и служб.

В 1985 году Государственная картинная галерея, располагавшаяся на Крымском Валу, 10, была объединена с Третьяковской галереей в единый музейный комплекс под общим названием «Государственная Третьяковская галерея». Сейчас в здании располагается обновлённая постоянная экспозиция «Искусство XX века».

Сегодня в состав Всероссийского музейного объединения «Государственная Третьяковская галерея» входит:

Третьяковская галерея на Крымском Валу

Третьяковская галерея в Лаврушинском переулке, д. 10

Музей-храм Святителя Николая в Толмачах

Музей-мастерская А. С. Голубкиной

Дом-музей В. М. Васнецова

Музей-квартира А. М. Васнецова

Дом-музей П. Д. Корина.

Цвет в архитектуре выставок. Круглый стол в Третьяковской галерее

Интерьер гостиной Arzamas в Новой Третьяковке. Декоратор Наталья Барбье. Краска Argile, цвета Gres Rouge, Gres, Lave

Задача цвета в интерьерном дизайне — связать воедино все детали, создать настроение, дополнить образ пространства. Но какие функции возникают у цвета в дизайне выставки, где тон задают экспонаты — работы художников? Достаточно ли действовать по принципу «не навреди» — или же цвет может стать инструментом передачи смыслов? Есть ли традиции и правила в применении цвета в экспозиции? Об этом поговорили эксперты на круглом столе в уютной гостиной Arzamas в Новой Третьяковке.

Участники круглого стола: Александра Шейнер, архитектор, историк искусства, соавтор архитектурного решения выставки «Михаил Врубель»; Алексей Подкидышев, архитектор, автор архитектурных решений многочисленных экспозиционно-выставочных проектов, studio bckstg; Агния Стерлигова, архитектор, основатель и генеральный директор бюро Planet9; Алексей Елисеев, колорист, генеральный директор и совладелец компании MANDERS; Юлия Шишалова, архитектурный журналист, главный редактор медиа «Проект Россия» (модератор)

В марте завершилась эпохальная выставка «Михаил Врубель». Она стала важнейшим событием 2022 года в области искусства: более 300 произведений из 14 российских и зарубежных музеев, организованные в виде сложного многоуровневого повествования, дали возможность многим совершенно иначе взглянуть или даже заново открыть творчество знаменитого художника — личности сколь гениальной, столь и трагической. Погрузиться в созданный им мир ангелов, демонов и фантомов помогла не только нетривиальная конструкция экспозиции, придуманная Сергеем Чобаном и Александрой Шейнер, где прорези-прострелы в форме фирменных врубелевских мазков раскрыли неочевидные до этого параллели, но и работа с цветом, которой и сам живописец был в определенной степени одержим. Так, сизо-серо-сиреневую гамму оттенков для залов с полотнами почерпнули из палитры «Жемчужной раковины» — одной из последних картин Врубеля. А контрастное черно-белое решение служит фоном для второго уровня выставки с более поздним творчеством художника, а также его скульптур и майолик. Об этом Александра Шейнер рассказала на круглом столе, представив, таким образом, кейс, в котором цвет, с одной стороны, раскрывает художественную манеру ключевого героя выставки, а с другой — служит для них объединяющим фоном.    

М. Врубель. «Жемчужная раковина». 1904 Экспозиция «Михаил Врубель» в Новой Третьяковке. Сергей Чобан, Александра Шейнер. Фото © Василий Буланов

Все участники дискусии признали, что лучше всего объединяют белый и черный цвета в той или иной пропорции, хотя при работе с живописью яркие акценты часто бывают уместны. А вот в случае со скульптурой, по мнению Алексея Подкидышева, яркость и насыщенность скорее не нужны и могут даже навредить. Впрочем, есть и исключения, особенно, когда скульптуры не однородно-мономатериальны, а имеют свой собственный цвет. Два прохладных тона, взятые из керамических скульптур Николая Андреева, став фоном для его работ, глубже раскрыли игру оттенков и сделали пластику объектов еще более выразительной. 

Впрочем, при всей расхожести приема «взять цвет из картины» с ним неободимо быть осторожным и аккуратным. Многие выставки аккумулируют экспонаты из целого ряда музеев, и та самая «образцовая» картина или скульптура может приехать в последний момент, когда выяснится, что из-за некорректной цветопередачи в каталогах ты «не попал» в нужный оттенок. В этом случае, по словам Алексея, может спасти только большой опыт архитектора-экпозиционера, благодаря которому он вряд ли окажется в такой ситуации. Кроме того, есть и более безопасные и универсальные подходы: скажем, выбирать палитру, которая прежде всего хорошо сработает для самого экспозиционного пространства. Как пример архитектор привел выставку «Другие берега» в Музее русского импрессионизма.

Выставка «Скульптор Андреев» в Инженерном корпусе ГТГ © studio bckstg Выставка «Другие берега» в Музее русского импрессионизма. studio bckstg © MANDERS

Агния Стерлигова представила подборку проектов Planet9 с разной цветовой миссией: от полного отсуствия цвета до использование градиента в качестве иллюстрации нарастания градуса трагичности истории. В выставках, посвященных архитектуре, очень часто встречается лаконичный черно-белый рассказ — как в случае экспозиции «Москва. Проектирование будущего» в Музее Москвы, где на 2000 м² единственными цветовыми акцентами служат сами экпонаты и мультимедийные поверхности. Цвет может работать и как разделитель, особенно если усилить его присутствие объемно-пространственными решениями, как на выставке художника Юрия Пименова: сами работы экспонировались на нейтральном жемчужно-белом фоне, однако между тематическими разделами архитекторы придумали установить красные и белые занавесы-инсталляции.

Выставка Юрия Пименова в ГТГ © Planet9 Выставка «Альбрехт Дюрер. Шедевры гравюры» в ГИМ. Planet 9. Зал «Размышления о священном» © фото Василий Буланов

Особенно часто архитекторы Planet9 любят использовать цвет и выстраивать с его помощью особую драматургию в выставках, посвященных классическому искусству. Так было и с экпозицией гравюр Альбрехта Дюрера в Государственном историческом музее. По убеждению авторов, гравюры с такими непростыми для восприятия сюжетами, особенно при выключенном свете, довольно сложно изучать на протяжении длительного времени, как они того требуют, и сохранять при этом один уровень концентрации. Необходимо делать паузы, чтобы потом с прежним рвением сосредоточиться на ликах всадников Апокалипсиса или, скажем, Дьявола. Поэтому для каждого зала была придумана своя театральная декорация, в которой цвет играл роль того самого эмоционального «антистресса», на который можно было ненадолго отвлечься и психологически перезагрузиться.

Выставка «Джакомо Кваренги. Архитектор императорского двора» в музее им. В.А. Тропинина. Из коллекции Сергея Чобана и музея В.А. Тропинина © Сергей Чобан. Краска Little Greene, цвет 15 Bronze Red Выставка «Крузенштерн. Вокруг света» в ГИМ © PSculture. Краска Little Greene, цвет Cordoba 277 Выставка «Окна в Россию» в ИРРИ © Project Eleven. Краска Little, цвет Greene Smalt 256

Алексей Елисеев — колорист, генеральный директор и совладелец компании MANDERS — согласился, что наиболее запоминающегося и нестандартного эффекта удается добиться, когда цвета выставочного пространства не просто не конфликтуют с палитрой экспонатов, как это происходит с универсальными белыми или светло-серыми и оттенками, но работают с ней в равновесном контрасте, формируя яркое даже не цветовое, а световое пятно, как будто подсвечивая картину и размывая сами экпозиционные поверхности. Особенно смелые эксперименты в этой области в свое время встречались на выставках и музее ИРРИ, когда стены выкрашивались, к примеру, в глубокий синий или темно-серый тона.  

Обратил Алексей внимание и на то, что иногда при выборе цвета фона для показа живописи имеет значение цвет паспарту и пропорции самих картин, которые невольно задают и пропорции присутствия цвета на стене. Например, золото хорошо оттеняют такие цвета, как викторианский красный и насыщенный сливовый.

Кстати, и то пространство, где собственно разворачивалась дискуссия, — гостиная Arzamas, — тоже оформлена в цветах от компании Argile, с которой сотрудничает MANDERS. Была задача создать камерную и уютную атмосферу в помещении с высокими потолками, и горизонтальные полосы разных оттенков прекрасно в ней справились.

Так или иначе, именно в сценографии, создаваемой во многом именно с помощью цвета, — секрет успеха феномена выставок-блокбастеров, который мы все сейчас наблюдаем. Неслучайно ПР в 2021 году впервые сделал отдельный номер, посвященный экспозиционному дизайну.

Больше примеров и размышлений о роли цвета ищите в полной версии видео.

24.06.2022

Planet 9, СПИЧ, studio bckstg, цвет российской архитектуры

Галерея Элизиум — Издания галереи

«Испытание искусством», роковое для многих поколений Бенуа, остается загадочным и притягательным для тех, кто позволяет считать себя знатоком творчества или необычных явлений духа. Бенуа вряд ли представляют ряд величественных фигур в истории искусства, это личности совершенно иного порядка и смысла. И если бы у, кого-нибудь возникло желание создать «семейный портрет» рода Бенуа, то на поверхности холста непременно проявились бы все жанры и направления искусства последних полутора столетий.

Центром композиции должен быть Николай Леонтьевич Бенуа (1815-1898), сын придворного повара императора Павла I и фрейлины императрицы Марии Федоровны. Он женился на дочери архитектора Альберта Катариновича Кавоса, который помогал Росси в сооружении Александрийского театра, перестраивал Большой и Михайловский театры в Петербурге, восстанавливал после пожара фасады и интерьер Большого театра в Москве. Его отец Катарино Кавос — один из видных композиторов России XIX в., итальянец по происхождению (его предок был директором знаменитого венецианского театра Ла Феличе), считался «директором музыки» императорских театров.   И. А. Бенуа — родоначальник блестящей плеяды архитекторов, художников, искусствоведов. Академик архи тектуры, профессор Академии художеств, председатель Петербургского общества архитекторов. Несмотря на это, он долгое время был на периферии внимания историков искусства. Это обстоятельство связано с устойчивым стандартом отношения к ретроспективно эклектической архитектуре XIX в. Но мир мнений и представлений недолговечен и хрупок в сравнении с простым изяществом и композиционным совершенством его петергофских Г отических конюшен, Фрейлинских корпусов, здания вокзала, гельсингфорсского театра, построек в имении А. Г. Шереметевой в селе Высоком Смоленской губернии. Полнота представлений о Николае Леонтьевиче лежит за пределами того, что было воплощено в камне. Он создал Дом, а вернее, пространство постоянной причастности к искусству. Оно было заполнено чертежами, архитектурными проектами, акварелями, в нем обитали художники, и литераторы. Любовь к творчеству объединяла всех этих людей, но выражалась она по-разному, индивидуально.   Детей Николая Леонтьевича и Камиллы Альбертовны (1828-1891), Александра, Леонтия, Альберта, полно и емко характеризует высказывание их друга С. Эрнста: «Судьба иногда создает людей, характер и дарование коих столь показательны для своего времени, что им — избранникам — уже заранее готовится высокий удел быть представи телями своих дней перед потомством. Их личная летопись как бы становится летописью всего их времени, в ней открыто все течение, и их личное творчество становится показательным для творчества всей эпохи».   Александр Николаевич Бенуа (1870-1960), значение которого в русской и мировой культуре до сих пор не осознано полностью, на протяжении своей долгой жизни не умел ограничить себя каким-либо одним видом творчества. Он был влюблен в искусство вообще. Организатор и идейный вдохновитель общества «Мир искус ства», художник, театральный деятель, художественный критик и искусствовед — этот обычный реестр бессилен передать огромное влияние, которое Александр Николаевич имел на людей разных поколений и на художе ственный процесс в широком смысле. «Бакст, Добужинский, братья Лансере, Лукомский, Остроумова Лебедева: Сомов в развитии своих творческих способностей многим обязаны Бенуа» (С. Яремич).   Альберт Николаевич (1852-1956) и Леонтий Николаевич (1856-1928) Бенуа по примеру отца стали архитекторами, но творческая биография первого сложилась таким образом, что славу его составили виртуозно и мастерски выполненные акварели. Он возглавлял «Общество русских акварелистов», вел акварельный класс в Академии художеств. Леонтий Бенуа — наиболее видный продолжатель традиции русского эклектизма конца XIX-начала XX вв. По его проектам в Петербурге построены Придворная певческая капелла, типогра фия «Печатный двор», выставочный корпус музея Александра III, именуемый теперь корпусом Бенуа, здание Акушерско-гинекологического института. В Москве им построено здание Министерства иностранных дел, в Грузии — дворец в Ликани. Равно как и братья, Леонтий Николаевич великолепно владел техникой акварели, занимался художественной отделкой интерьеров. Из его мастерской в Академии художеств вышли архитекторы Н. Е. Лансере (1879-1942), внук Н. Л. Бенуа, совершивший в своем творчестве сложную эволюцию от необарокко к конструктивизму, Л. Л. Шретер, ставший мужем Екатерины Леонтьевны Бенуа (1883-1972), дети, внуки и правнуки которых также архитекторы и художники, Александр Иванович Таманян (1878-1941) — признанный мастер русского «неоклассицизма» начала века, человек широких интересов и большого творческого диапазона, проявивший себя в области архитектуры, декоративного искусства, оформителя театральных постановок. В 36 лет он был удостоен звания академика архитектуры.   Дети Александра Николаевича — Анна, Елена и Николай — продолжили художественные традиции своей семьи. Художница Анна Александровна Бенуа—Черкесова (1895-1984), жена художника Ю. Ю. Черкесова. Училась у отца, А. С. Яковлева и КС. Петрова-Водкина. С 1925 года жила в Париже. Была секретарем Александра Николаевича, хранила его архив.   Епена Александровна Бенуа—Клеман (1898-1972) прекрасно реализовала свои художественные интересы в различных жанрах: натюрморте, портретах, витражах церкви в Розенбрюке, включая помощь отцу в его художественно-постановочной деятельности. «Она (Елена) вся отдалась живописи: она главным образом (и мастерски) работает маслом», — пишет А. Н. Бенуа.   Николай Александрович Бенуа (1901-1988), еще будучи студентом Академии художеств, помогал А. Н. Бенуа выполнять декорации для Мариинского театра, затем самостоятельно оформлял спектакли в Большом драматическом театре, Театре музыкальной комедии. После 1934 года работал в театрах Пари жа, Лондона, Берлина, а с 1936 года стал главным художником и директором постановочной части театра «Ла Скала», где им оформлено 275 спектаклей оперы и балета. Среди них почти все оперы Верди и Вагнера, Пуччини и Доницетти и, конечно, русские постановки: «Борис Годунов», «Князь Игорь», «Хованщина», «Сказка о царе Салтане» и другие. Н. А. Бенуа сотрудничал с Артуром Тосканини, Гербертом фон Караяном, Клаудио Аббадо. За заслуги в области театрально-декорационного искусства в 1975 году ему присуждена первая международная премия «Золотой Биббиен». Театральные работы Н. А. Бенуа очень разные, но им всегда присущи эффектность, импозантность и высокий художественный вкус. Под влиянием отца проходили и занятия пейзажной живописью. Николай Александрович свою позицию художника выражал так: «Я долгие годы боролся за наше здоровье и идеалы красоты и поэзии, не терял ни на минуту из вида заветы наших великих певцов и принципы подлинного искусства, получившего у нас на Руси столь яркое, полное утверждение».   Дети Екатерины Николаевны Бенуа (1850-1935) и скульптора Евгения Александровича Лансере (1848-1886) — Евгений, Зинаида, Николай — жили и воспитывались в доме деда — Н. Л. Бенуа. Их личные судьбы, в разной мере счастливые и трагичные, имеют общую согласительную черту — счастье в творчестве.   Зинаида Евгеньевна Серебрякова (1884-1967) — одна из наиболее популярных русских художниц (пер­ вый успех ей принес автопортрет «За туалетом»), выделяется самостоятельным почерком, стилем, кругом интерес.   Учеба и практика Николая Евгеньевича Лансере (1879-1942) теснее связана с архитектурным кланом Бенуа — учился у Л. Н. Бенуа, архитектурные проекты выполнял совместно с А. И. Таманяном, участвовал в создании Музея старого Петербурга, одним из основателей которого был А. Н. Бенуа.   Евгений Евгеньевич Лансере (1875-1946) — член общества «Мир искусства», известный живописец, иллюстратор книг и театральный художник.   Также был архитектором правнук Н. Л. Бенуа (внук его сына Михаила Николаевича) Михаил Константино­ вич Бенуа (1912-1955). В 1938 году он окончил архитектурный факультет Института им. Репина Академии художеств СССР. Он осуществил ряд архитектурных проектов, участвовал в многочисленных архитектурных конкурсах, занимался рисованием.   К ветви архитектора Леонтия Николаевича генеалогического древа семьи Бенуа относится его дочь Надежда Николаевна Бенуа—Устинова (Надя Бенуа) (1895-1975) — блестящий художник и книжный график, ее сын Пптер Устинов (р. 1921) — актер, драматург, писатель и режиссер, ее внук скульптор Игорь Устинов (р . 1956), автор скульптуры Приза «Бенуа де ля данс».   Всякий составитель краткого перечня имен творческой линии рода Бенуа может обезопасить себя предва рительным замечанием об обилии имен, имеющих неотъемлемое право быть упомянутыми. Этим же уместно завершить и краткое описание семьи Бенуа, представители которой до сих пор, в какой бы части света они ни проживали, остаются подвержены родовому року-любви к искусству. Татьяна Вертун ГМЗ«Петергоф» Зав. Музеем семьи Бенуа

галерей | Дезин

Результаты поиска:

Уточните параметры поиска:

• MEE Studio создает интерьер из дерева и меди для кафе в бывшей церкви в Копенгагене

  Архитектурная фирма MEE Studio спроектировала интерьеры и деревянную мебель на заказ для кафе и бутика в картинной галерее Николая Кунсталя в старинной церкви. Подробнее

  Кайса Карлсон | 1 марта 2023 г. | Оставить комментарий

• GO’C размещает центр искусств на месте бывшей заправочной станции в Сиэтле, чтобы «решить городскую проблему»

  Местная студия GO’C использовала эстетику заправочной станции 1930-х годов для создания Mini Mart City Park, общественного центра искусств в Сиэтле, целью которого является показать потенциал восстановленных заброшенных участков. Подробнее

  Бен Дрейт | 16 февраля 2023 г. | Оставить комментарий

• The Future Perfect представляет работу Гаэтано Пеше на персональной выставке в Лос-Анджелесе

  Итальянский дизайнер Гаэтано Пеше запустил выставку «Дорогое будущее» в галерее The Future Perfect в Лос-Анджелесе, на которой представлен ряд работ, созданных в 1960-х годов по настоящее время. Подробнее

  Бен Дрейт | 13 февраля 2023 г. | Оставить комментарий

• Галерея дизайна «Кочевник» MASA открывает постоянное представительство в CDMX

  Галерея MASA объявила об открытии своей постоянной галереи в историческом здании в Мехико, где будут размещены инсталляции, а также хранилище работ с прошлых выставок. Подробнее

  Бен Дрейт | 6 февраля 2023 г. | Оставить комментарий

• Golem создает розовый интерьер для галереи Superzoom

  Стены, полы и мебель цвета жевательной резинки создают нестандартные пространства для демонстрации произведений искусства в этой парижской галерее, спроектированной местной студией Golem. Подробнее

  Элин Гриффитс | 2 февраля 2023 г. | Оставить комментарий

• Скульптурная инсталляция из ротанга, извивающаяся в тайской художественной галерее от Enter Projects Asia

  Архитектурная студия Enter Projects Asia завершила частную галерею для коллекционера в Чиангмае, Таиланд, с волнистой структурой из ротанга, разработанной с помощью алгоритма, который вплетается в здание и выходит из него. Еще

  Элин Гриффитс | 1 февраля 2023 г. | Оставить комментарий

• KPMB завершает строительство павильона для публичной коллекции произведений искусства в Нью-Брансуике

  Изогнутая колоннада выходит на эту пристройку к художественной галерее Бивербрук во Фредериктоне, Канада, создавая просторное новое лобби для художественной галереи и завершая расширение учреждения. Подробнее

  Джеймс Бриллон | 20 января 2023 г. | Оставить комментарий

• Lever Architecture проектирует «Следующую великую достопримечательность штата Мэн» для расширения художественного музея

  Американская студия Lever Architecture представила свое предложение по расширению кампуса Портлендского художественного музея в штате Мэн с помощью дизайна, который призван почтить историю штата за счет использования массивной древесины. Подробнее

  Эми Пикок | 12 января 2023 г. | Оставить комментарий

• Галерея GSL приобретает заброшенную парижскую фабрику с интерьерами в стиле панк

  Обветренные стены и бетонные полы представлены в этой дизайнерской галерее, созданной творческим коллективом Гильдии Святого Луки и архитектурной фирмой Studio ECOA на территории бывшей фабрики в Париже. Еще

  Наташа Леви | 10 января 2023 г. | Оставить комментарий

• ZMMA ссылается на пейзажные картины для реконструкции дома Гейнсборо в Саффолке

  Лондонская практика ZMMA превратила дом художника Томаса Гейнсборо в Садбери, графство Суффолк, в галерею и музей с материальной палитрой из красного кирпича и кремня, вдохновленной его пейзажными картинами. Подробнее

  Джон Эстбери | 6 января 2023 г. | Оставить комментарий

• Фирма завершает строительство дома и музея художника Чарльза Пахтера

  Пристройка из синих гофрированных металлических панелей была добавлена ​​к жилому дому в районе Чайнатаун ​​в Торонто, чтобы создать новый музей и резиденцию для канадского художника Чарльза Пахтера. Подробнее

  Джеймс Бриллон | 26 декабря 2022 г. | Оставить комментарий

• Галерея Maison Lune в Калифорнии демонстрирует искусство и дизайн в жилых помещениях

  Эта галерея искусства и дизайна в Венеции, штат Калифорния, занимает бывший частный дом, где интерьеры дизайнера Габриэллы Кути создают теплый нейтральный фон для выставленных работ. Еще

  Дэн Ховарт | 18 декабря 2022 г. | Оставить комментарий

• Компания SANAA разработала дизайн Sydney Modern, который «гармонирует с окружающей средой»

  Лауреат Притцкеровской архитектурной премии студия SANAA расширила Художественную галерею Нового Южного Уэльса серией павильонов, спускающихся к гавани Сиднея. Подробнее

  Кристина Яо | 29 ноября 2022 г. | Оставить комментарий

• BC создает галерею Francis Gallery в Лос-Анджелесе, чтобы прославить корейское искусство и культуру

  Галерист Роза Парк открыла в Лос-Анджелесе пространство для демонстрации работ корейских художников и дизайнеров, а интерьеры местной студии BC должны отражать визуальную культуру страны. Подробнее

  Дэн Ховарт | 31 октября 2022 г. | Оставить комментарий

• Инсталляция Mae-ling Lokko’s Grounds for Return исследует круговое сельское хозяйство и архитектуру

  Ученый-архитектор и дизайнер Мэй-линг Локко использовала биоматериалы, в том числе мицелий и кокосовые отходы, для создания этой инсталляции, посвященной идеям экономической и экологической справедливости, в бельгийской галерее Z33. Еще

  Элин Гриффитс | 19 октября 2022 г. | Оставить комментарий

• Herzog & de Meuron и Piet Oudolf представляют проекты садов Колдера в Филадельфии

  Швейцарская архитектурная студия Herzog & de Meuron и голландский садовый дизайнер Пит Удольф объединились для создания садов Колдера в Филадельфии, в которых будут представлены работы американского скульптора Александра Колдера. Подробнее

  Бен Дрейт | 7 сентября 2022 г. | Оставить комментарий

• Museum of Space Available открывается на Бали для изучения круглого дизайна

  Студия дизайна

  Space Available работала с индонезийскими архитекторами Сидартой и Санджайей, чтобы превратить здание на Бали в учреждение, посвященное круглому дизайну, с фасадом, сделанным из 200 000 переработанных пластиковых бутылок. Подробнее

  Рима Сабина Ауф | 8 августа 2022 г. | Оставить комментарий

• Томас Файфер создает галерею из монолитного бетона в качестве дома для работ Ричарда Серры

  Американская архитектурная студия Thomas Phifer and Partners построила бетонное сооружение в Гленстонском музее в Мэриленде, где разместилась работа скульптора Ричарда Серра. Еще

  Бен Дрейт | 28 июня 2022 г. | Оставить комментарий

• Национальный музей Норвегии от Kleihues + Schuwerk — «храм нашего времени»

  Галерея, облицованная полупрозрачным мрамором, создает маяк над Национальным музеем Норвегии, который завершила архитектурная студия Kleihues + Schuwerk в Осло. Подробнее

  Джон Эстбери | 26 июня 2022 г. | Оставить комментарий

• Мансардные окна и открытый камень встречаются в отреставрированной мексиканской галерее Мигеля Конча

  Мигель Конча отремонтировал историческое здание в мексиканском городе Керетаро, чтобы создать новые галереи для работ художника Сантьяго Карбонелла. Подробнее

  Джеймс Бриллон | 10 июня 2022 г. | Оставить комментарий

Саудовская Аравия представляет гигантский сверхвысокий небоскреб в форме куба в центре Эр-Рияда

Фаррелл Уильямс назначен креативным директором мужской линии Louis Vuitton

Все, что вам нужно знать о саудовском мегапроекте Neom

Британский политик нападает на 15-минутную концепцию города в парламенте

Architektura использует «детскую непосредственность» для детского сада Ветрник в Чешской Республике

Десять зданий, втянутых в судебные баталии

Автомобильный лифт позволяет жильцам въезжать во все квартиры небоскреба Bentley в Майами-Бич

«Землетрясения не убивают людей, убивают плохие здания»

Руководство по мероприятиям Dezeen

Дезин Джобс

{{категория}}

{{carousel_title}}

Архитектурные чертежи: 8 удивительных художественных галерей в разделе

The One Drawing Challenge теперь является частью   грядущей , модели и талантливые создатели, стоящие за ними. Узнайте больше и зарегистрируйтесь >  

Исследуя качества света, масштаба и структуры, хорошие рисунки в разрезе показывают, как форма и пространство объединяются, чтобы сформировать человеческий опыт. Эти рисунки мало чем отличаются от искусства; они исследуют атмосферные качества и говорят о состоянии человека. Художественные галереи и частные студии представляют собой пространства, определяемые конкретными техническими потребностями, и часто черпают вдохновение из методов и техник художников, которые в них работают.

Изучая взаимосвязь между искусством, художниками и пространствами, предназначенными для демонстрации их работ, рисунки в следующих разделах позволяют глубже погрузиться в архитектурный язык современных галерей. Представляя ряд проектов по всему миру, рисунки подчеркивают, как архитектура может привлечь наше внимание и углубить наше понимание искусства.

Галерея White Block компании SsD, Сеул, Южная Корея

Галерея White Block — это выставочное и культурное пространство площадью 1500 квадратных метров в самом сердце долины искусств Хейри в Южной Корее. Матрица из трех тщательно расположенных твердых объемов создает семь дополнительных галерей в компактной, но открытой конфигурации. Разработанные для демонстрации мирового современного искусства, от гигантских скульптур и картин до мультимедийных инсталляций, пространства уникальны по пропорциям и освещению, что позволяет кураторам приспосабливаться к новым будущим формам искусства и медиа.

Artfarm от Ai Weiwei/FAKE Design and HHF Architects, Солт-Пойнт, Нью-Йорк, США

Артфарм расположен в северной части штата Нью-Йорк (в 90 минутах езды от города) в поместье коллекционера произведений искусства и галереи. владелец. Здание разделено на несколько выставочных площадей разного размера и на зоны, предназначенные специально для хранения произведений искусства. Внешняя форма является прямым следствием сборных листов оцинкованного железа, часто используемых в этом районе для сельскохозяйственных хозяйственных построек.

Современная галерея Marfa компании Rand Elliott Architects, Марфа, Техас, США

Городской центр искусств в Оклахома-Сити расширял свою деятельность в регионе. Наличие дополнительной галереи в Марфе, штат Техас, городе с хорошо зарекомендовавшей себя репутацией на международной арт-арене, поможет стимулировать дальнейший интерес к City Arts Center во всем мире. Миссия Marfa Contemporary Gallery поощряет художественное самовыражение во всех его формах посредством образования и выставок.

 

Художественная галерея в Буэнос-Айресе Николаса Фернандеса Санса, Буэнос-Айрес, Аргентина пересечение железнодорожной линии Сан-Мартин. Проект, по сути, является вмешательством, которое использует существующие элементы и пространства, а не навязывает насильственно идеал. Он использует все, что было в рабочем состоянии; распределение пространства, а также способы его изучения отражают сам склад.

Художественная галерея Окленда компании Archimedia, Окленд, Новая Зеландия

Новая Художественная галерея Окленда была разработана на основе концепции, которая относится как к органическим природным формам ландшафта, так и к архитектурному порядку и характеру важного наследия. здания. Новое здание характеризуется серией прекрасных «деревоподобных» навесов, которые определяют и закрывают входной двор, атриум и галереи. Эти легкие профилированные формы «парят» над каменными стенами и террасами, создавая запоминающийся образ и характер, тесно связанные с красивой нависающей кроной деревьев Похутукава.

The Condensery – региональная художественная галерея Сомерсета by PHAB Architects, Тугулава, Австралия фабрика была уничтожена пожаром в 1951 году. Художественная галерея и мастерская открылись в декабре 2015 года, что сделало здание катализатором текущей культурной жизни региона.

Йоркская художественная галерея by Simpson & Brown, Йорк, Великобритания

Йоркская художественная галерея — общественная художественная галерея в центре Йорка с коллекцией картин с 14 века до наших дней. Здесь также представлена ​​самая обширная и представительная коллекция британской студии керамики в стране. Здание, внесенное в список памятников архитектуры II степени, было первоначально построено для второй Йоркширской выставки изобразительного искусства и промышленности в 1879 году. В 1892 году оно стало новой городской художественной галереей.

Художественная галерея Château La Coste by Renzo Piano Building Workshop, Экс-ан-Прованс, Франция

Это новое здание, спроектированное RPBW, возвышается среди виноградных лоз престижного царства Château La Coste. Павильон площадью 285 квадратных метров выполняет двойную функцию, демонстрируя искусство и сохраняя вино. Из-за естественного рельефа местности проект галереи требовал, чтобы подрядчики вырезали в земле долину глубиной 6 метров, чтобы полностью включить здание в виноградник. Застекленные фасады и легкая крыша контрастируют с открытым бетоном, который служит как подпорной стеной, так и внутренней галереей.

The One Drawing Challenge теперь является частью предстоящей премии Architizer Vision Awards , присуждаемой лучшим архитектурным фотографиям, фильмам, визуализациям, чертежам, моделям и талантливым создателям, стоящим за ними. Узнать больше и зарегистрироваться >  

Читать другие статьи Эрика

Игровые движки теперь являются основным продуктом для художников-рендереров, стремящихся к этому сверхреалистичному эффекту.

Эти смелые, яркие резиденции отдают предпочтение обрамлению видов и простоте форм, стоящих на ул. ковчег контрастирует с их окружением.

Что такое гномья галерея в архитектуре?

Инструктор: Кристофер Мускато Показать биографию

Крис имеет степень магистра истории и преподает в Университете Северного Колорадо.

Некоторые архитектурные элементы являются чисто структурными, а другие нет. В этом уроке мы проверим галерею гномов и посмотрим, как она использовалась в истории архитектуры.

Галерея гномов

Галерея гномов звучит так, как будто Белоснежка использовала бы для демонстрации произведений искусства. Но это не так. В архитектуре гномья галерея представляет собой особый вид арочного прохода, который огибает здание снаружи, как правило, на высоте нескольких этажей над землей. Дизайн был распространен в романских зданиях средневековой эпохи, особенно в Германии и Италии. Это архитектурная особенность, которая обладает эстетическим эффектом, еще раз доказывая, что большие вещи могут быть в маленьких упаковках.

Романские арочные галереи

Романская итальянская церковь с двумя уровнями карликовых галерей.

Чтобы полностью понять галерею гномов, мы должны сначала поговорить о нескольких других архитектурных терминах. Почему мы называем эту функцию галереей? В архитектуре галерея представляет собой крытый проход, открытый с одной стороны. Так, одна сторона прихожей представляет собой сплошную стену, а другая открытая, как правило, сегментированная колоннами. В европейской архитектуре открытая сторона галереи почти всегда характеризуется арками, проходящими между колоннами.

Так что же делает эту галерею гномов? Это размер? Вообще-то, нет. Галерея гномов может быть того же размера, что и обычная галерея. Что определяет это размещение. Карликовые галереи окружают здание снаружи, так что открытая сторона с колоннадой и аркой открыта для всеобщего обозрения. Поскольку эта особенность, как правило, уединена в верхней части здания, создается впечатление, что это проход, по которому могут пройти маленькие духи или бесы.

Это впечатление усиливается тем фактом, что галереи гномов никуда не ведут и никогда не бывают заняты. Они явно не ведут в большую комнату или балкон, они просто как бы огибают здание. Они выглядят так, будто никуда не идут, потому что, как правило, так и есть. Это в основном декоративная особенность, и на самом деле некоторые галереи дварфов вообще недоступны; здесь нет внутренних дверей или проходов, ведущих в это пространство. Некоторые галереи дварфов доступны и использовались священниками, демонстрирующими религиозные реликвии толпе внизу, но это редкость.

Дуомо Пизы, возможно, самая известная романская церковь в Италии, и повсюду в нем есть карликовые галереи, включая падающую башню.

История Галереи гномов

Это интересная архитектурная особенность, откуда она взялась? Точное происхождение неясно, но, похоже, были некоторые важные предшественники. Галереи, которые хотя бы частично открывались снаружи здания, появились еще в V веке нашей эры в Милане. Однако это были функциональные проходы, а не декоративные инструменты.

В более поздние годы, когда начался средневековый романский период, было сделано еще одно развитие, которое в конечном итоге привело к галерее гномов. Ранние романские церкви стремились возродить некоторые утраченные римские архитектурные формы, такие как арка. Тем не менее, они не могли полностью понизить инженерию. Вместо этого они вырезали в стенах имитацию арок, которые на самом деле не выполняли структурной функции, а также не имели открытого пространства между колоннами. Эти декоративные арочные колоннады на уровне поверхности назывались слепые пассажи .

Слепые галереи были прямыми эстетическими предшественниками гномьей галереи. В конце концов, если вы возьмете глухую аркаду, вырезаете настоящие арки между колоннами, а затем утапливаете пространство так глубоко, что образуется узкий проход, у вас получится карликовая аркада. Помните, проход на самом деле не обязательно должен быть проходимым; это просто должно выглядеть так, как есть.

Самая ранняя настоящая карликовая галерея, вероятно, была построена в романском стиле XI века. Трирский собор в Германии. Эта церковь является одним из лучших сохранившихся образцов средневекового романского стиля, с которого начался процесс восстановления части архитектурного великолепия и изысканности павшей Римской империи. Вслед за относительно простой карликовой галереей Трира в конце 11 века в Шпейерском соборе , также в Германии, была построена более сложная галерея.

Галерея карликов в Шпейерском соборе

Оттуда стиль распространился по Германии и Италии, хотя, как ни странно, не в большинстве других европейских стран. Его расцвет пришелся на средний и поздний романский период, хотя примеры карликовых галерей можно найти в готике и на протяжении всей позднесредневековой эпохи. В конце концов, это была забавная декоративная деталь, которая наполнила Италию и Германию проходами в никуда.

Краткий обзор урока

Галерея дварфов представляет собой арочную галерею с колоннадой снаружи здания, обычно в верхней части стен. А Романский стиль Разработка слепой аркады , гномьи галереи были чисто декоративными и не использовались как фактические проходы. Самые ранние примеры карликовых галерей можно найти в Трирском соборе и Шпейерском соборе , двух хорошо сохранившихся романских церквях в Германии. Этот стиль появился в некоторых готических и других стилях позднего средневековья, но никогда не был слишком популярен за пределами Германии и Италии. Итак, обратите внимание, если вы в этом регионе. Вы никогда не знаете, какие озорные голоса вы можете услышать, проходящие снаружи этих романских церквей.

Чтобы разблокировать этот урок, вы должны быть участником Study.com.
Создайте свою учетную запись

Зарегистрируйтесь для просмотра этого урока

Вы студент или преподаватель?

Разблокируйте свое образование

Убедитесь сами, почему 30 миллионов человек используют Study.com

Станьте участником Study.com и начните учиться прямо сейчас.

Стать участником

Уже зарегистрированы? Войти

Назад

Ресурсы, созданные учителями для учителей

Более 30 000 видеоуроков и учебные ресурсы‐все в одном месте.

Видеоуроки

Тесты и рабочие листы

Интеграция в классе

Планы уроков

Я определенно рекомендую Study.com своим коллегам. Это как учитель взмахнул волшебной палочкой и сделал работу за меня. Я чувствую, что это спасательный круг.

Дженнифер Б.

Учитель

Попробуй это сейчас

Назад

Художественная галерея и архитектура: Знакомство с искусством через архитектуру. — RTF

Искусство и архитектура всегда были связаны друг с другом, поэтому неудивительно, что архитекторы повсюду продолжают преобразовывать пространства, чтобы испытать искусство. Искусство всегда было бегством от мира, прославлением обыденного и способом воплощения человеческих эмоций. Искусство эволюционировало в различные направления и стили повсюду, но традиционная элитарная стерильная галерея без окон для демонстрации искусства доминировала в архитектуре музеев столько, сколько мы себя помним.

В последнее время опыт просмотра произведений искусства расширил архитектурные пространства для культурного обмена. Такие нестандартные пространства дали архитекторам новый импульс для создания пространств, вдохновляющих на паломничество в дальние страны. Стеклянная пирамида I.M. Pei в Лувре и Фрэнка Гери Гуггенхайма в Бильбао являются одними из самых известных примеров. Это заставило мир признать эти места сами по себе всемирно известными направлениями.

Художественные галереи ©archdaily.comХудожественные галереи ©artspace.com

Было много случаев, когда старые памятники превращались в галереи, что только добавляло исторической эстетики художникам, выставлявшимся в таких местах. Musee d’Orsay , в Париже, который изначально был построен как железнодорожный вокзал, теперь является домом для многих работ импрессионистов и постимпрессионистов Моне, Ренуара, Дега и Ван Гога. Другой пример — . Коллекция Feuerle в Германии — это музей в стиле брутализма, отреставрированный на базе бывшего телекоммуникационного бункера, придающий всему музею интимную атмосферу с искусством.

Художественные галереи ©artspace.com

Еще одним таким инновационным примером может быть l’Atelier des Lumieres или Мастерская света, музей в Париже, который выводит взаимодействие между искусством и нами на новый уровень. Он демонстрирует новое измерение своей экспозиции Винсента Ван Гога таким образом, что можно наблюдать за каждой картиной вплоть до отдельных мазков кисти. Этот музей охватывает все жанры работ, созданных для цифровой аудитории, создавая новый стиль оцифровки в художественной галерее.

Художественные галереи ©departures.com

Искусство не может быть связано ни во времени, ни в пространстве. Он постоянно развивается и растет. Одна из таких адаптируемых идей возникла в виде создания виртуальных галерей, чтобы показать искусство более широкому кругу людей и дать возможность демонстрировать все больше и больше талантов повсюду, никуда не выходя.

Google Arts and Culture — одно из таких приложений, которое предлагает множество экскурсий по известным произведениям искусства и дает пользователю возможность лично погрузиться в мир искусства. Нет сомнений в том, что постоянно растущий мир искусства требует, чтобы архитектура продолжала приспосабливаться к такому разнообразию искусства, не мешая ему. Создавать пространства, наполненные эмоциями и выделяющиеся лучшими архитектурными решениями, кажется уместным, а мир становится цифровым, что открывает путь к следующему шагу. Благодаря технологии виртуальной реальности и другим подобным возможностям можно воплотить в жизнь свои мечты, не придерживаясь подзаконных актов и правил.

Художественные галереи ©artsandculture.google.comХудожественные галереи ©artsandculture.google.com

Существуют различные онлайн-платформы, предлагающие интерактивные 360-градусные видеоролики с подробными описаниями и масштабируемыми фотографиями, позволяющими ближе познакомиться с искусством. Новое цифровое путешествие, в которое мы можем отправиться, — одно из чудес, которое мы можем использовать. Многие из таких известных музеев, которые можно просмотреть в Интернете, следующие:

• Музеи Ватикана в Риме. Музей известен своими высокими сводчатыми потолками, изысканными фресками и гобеленами, а также очень известной Сикстинской капеллой. Красоту и богатство музея Ватикана можно осмотреть на 360-градусных изображениях, не выходя из дома.
• Гуггенхайм, Бильбао- Знаменитое здание Фрэнка Гери из титана и стали является одним из самых характерных сооружений всех времен.
• Natural Museum of Modern and Contemporary Art в Южной Корее. Новый музей предлагает виртуальный тур для изучения разнообразия искусства, от печати, дизайна, скульптуры, фотографии и цифрового искусства от известных художников со всего мира.
• Musée d’Orsay в Париже. Железнодорожный вокзал, ставший музеем, содержит крупнейшую в мире коллекцию произведений импрессионистов и постимпрессионистов. Он доступен в 360-градусном обзоре его великолепия.
• MASP, Сан-Паулу в Бразилии. Говорят, что Музей искусств Сан-Паулу имеет одну из самых обширных коллекций истории через виртуальную платформу.

С ростом виртуальности и распространением пандемии виртуальная художественная галерея стала спасением. Многие художники начали демонстрировать свои работы в виртуальных галереях. Это дало платформу не только многим художникам, но и архитекторам для проектирования пространств, которые не ограничиваются правилами физического мира. Множество интернет-сайтов, которые предлагают любому желающему создать свою личную художественную галерею и продемонстрировать свой талант. Это также дало прекрасную возможность всем цифровым художникам внести новшества в свое искусство более выразительным и в то же время традиционным способом, или, возможно, это можно когда-либо назвать новой культурной традицией в мире искусства. Шансы на виртуальное проектирование настолько велики, насколько это возможно. Имея возможность избавиться от кирпично-бетонных пространств и вдохнуть жизнь в концепции, которые возможны только в виртуальном мире, можно с уверенностью сказать, что мир приспосабливается, чтобы насытить наш аппетит к искусству нереальным.

Ссылка:

Виртуальные экскурсии по музею

Лучшие в мире здания галерей современного искусства

Этим передовым современным галереям было недостаточно размещать современное искусство в чистом белом цвете. квадрат. Вместо этого они стали искусством сами по себе. От бетонных плит до изящных конструкций из стекла и металла, эти пристройки и галереи музея заставляют зрителей начинать и заканчивать свое посещение с трепетом.

Включая смелые работы Даниэля Либескинда, классические постройки Фрэнка Гери и уникальные инновации других ведущих архитекторов, этот список объединяет десять галерей с лучшим дизайном, построенных за последние 25 лет.

Часть этой архитектуры является дополнением к существующим историческим постройкам, в то время как другие здания представляют собой совершенно новые творения. Все эти музеи являются захватывающими примерами современного дизайна и того, как здания галерей могут быть такими же художественными, как и произведения, которые в них выставлены.

Этот музей в Испании, спроектированный Фрэнком Гери, известен своей архитектурой уже почти два десятилетия и до сих пор остается одним из лучших. Отражающие титановые стены, построенные в виде волнистых геометрических форм, сверкают и сияют на солнце.

Здание спроектировано так, чтобы улавливать и отражать свет, выделяя его и одновременно сливаясь с городским окружением. Гери также использовал известняк и стекло для Гуггенхайма в Бильбао, создав поразительный контраст между натуральными и искусственными материалами.

Эта галерея, в которой нет одной постоянной коллекции, а чередуются выставки, нуждалась в оригинальном дизайне, чтобы отразить ее постоянно меняющийся характер. Заха Хадид, первая женщина-архитектор, завершившая крупный музейный проект в Америке, спроектировала Центр современного искусства Розенталя как сооружение, которое привлекло бы внимание к хранящимся в нем произведениям искусства.

Галерея представляет собой сложенные друг на друга фигуры разного размера из белого, черного и прозрачного стекла. Хадид использовала бетон и матовый черный алюминий для создания этого фасада, который сочетается друг с другом, как незавершенная головоломка, от которой невозможно оторвать взгляд.

Архитекторы COOP HIMMELB(L)AU понимают, что художественный музей в городе — это не только место для хранения и просмотра произведений искусства, но и часть городского ландшафта. Это была мысль об их расширении до Художественного музея Акрона в Огайо, который резко контрастирует с первоначальным зданием. К оригинальному кирпичу и известняку теперь добавились три этажа из стекла и стали.

Компоненты этой новой структуры: Кристалл, служащий входом; коробка Галерея; и Облако на крыше, которое плывет над зданием. Помимо проектирования пристройки, которая должна быть обязательной для посещения в городе, архитекторы предприняли шаги, чтобы гарантировать, что конструкция будет экономить энергию и впускать естественный свет, а также обеспечивать необходимую тень.

Поскольку большая часть этого музея находится под землей, единственной видимой частью Национального художественного музея является большая металлическая конструкция, напоминающая гигантские крылья насекомых, и огромный вестибюль из стекла и стали.

Архитекторы Pelli Clarke Pelli смогли сделать это здание легким, несмотря на то, что оно находится в основном под землей, занимая два этажа под землей на острове Наканосима в центральной Осаке. Несмотря на подземное расположение, архитекторы позаботились о том, чтобы музей получал достаточно естественного света.

Изящная металлическая скульптура, которую можно увидеть над землей, призвана «напоминать тростник на берегу реки или изогнутые стебли бамбуковой рощи», по словам Пелли Кларк Пелли.

Этот музей расположен в помещении, похожем на стопку коробок разного размера. Семиэтажное здание, спроектированное токийскими архитекторами SANAA, мгновенно стало достопримечательностью, выделяясь среди разнообразной архитектуры Нижнего Ист-Сайда Манхэттена.

Архитекторы позаботились о том, чтобы не было необходимости в колоннах, чтобы поддерживать здание, и чтобы внутрь проникал естественный свет. Каждый уровень здания уникален, имеет разную ширину, длину и высоту, но все они прекрасно работают вместе.

Этот известный национальный музей в Квебеке поднял дизайн на новый уровень, добавив павильон Пьера Лассона. Новаторская голландская архитектурная фирма OMA спроектировала павильон, четвертое сооружение в большом многоквартирном комплексе, окруженном парком.

Многоуровневая галерея здания обернута тремя слоями стекла, чтобы выдерживать холодные зимы. За стеклом размещены фонари, освещающие здание изнутри, так что ночью вся конструкция светится в центре парка.

Со стенами, сделанными полностью из полупрозрачного стекла, это дополнение к историческому музею Канзас-Сити может быть полностью освещено естественным светом днем ​​и светиться как фонарь ночью. Построенный среди зелени, Steven Holl Architects хотел, чтобы сооружение выглядело так, как будто оно принадлежало существующему саду скульптур.

Цель заключалась не в том, чтобы изменить внешний вид оригинального здания 1933 года, а в том, чтобы вписать новые части в ландшафт. Пристройка «состоит из пяти взаимосвязанных структур, а не из одного массивного расширения», чтобы гармонично вписаться в старый музей.

Художественный музей Вейсмана выполнен в очевидном стиле Фрэнка Гери, с теми же металлическими изгибами, что и музей Гуггенхайма в Бильбао. Изгибы, покрытые титаном, включают в себя прямоугольные окна, которые позволяют солнцу проникать под разными углами, позволяя посетителям галереи увидеть искусство при естественном освещении. Сторона здания, которая обращена к Миннесотскому университету, была создана из кирпича, чтобы она гармонировала с кампусом, но стоит пройти на другую сторону здания, и вид засверкает сверкающими отражениями.

Когда Гери попросили добавить пристройку, он использовал бетон и конструкционную сталь для пристройки и продолжал следить за тем, чтобы солнечный свет мог проникать внутрь. Хотя снаружи кажется суровым и тяжелым, внутри музей светлый и воздушный.

Замечательная история музея Хедмарка видна через одну половину конструкции, а другая половина представляет собой современный купол, который прекрасно сочетается со старым. Средневековые руины собора покрыты гигантской стеклянной скульптурой. Вместо того, чтобы полностью заменить старое здание, новая структура подчеркивает его красоту, а также защищает ее.

За несколько десятилетий работы, завершившейся в 2005 году, здание было завершено двумя архитекторами: Кьеллом Лундом из Lund & Slaato, а также Сверре Феном. Конечным результатом является сравнение старого и нового, показывающее их отдельные чудеса, а также позволяющее им смешаться в композиции, которую он защищает: искусство.

Расширение Художественного музея Денвера, созданное Даниэлем Либескиндом, идеально сочетается со Скалистыми горами, которые живут рядом с ним. Это расширение удваивает размер музея, в нем размещаются новые галереи и вестибюль в характерных для Либекинда остроугольных комнатах, вызывающих головокружение.

После того, как это расширение было построено, этот район стал центральным для города, частью общественного пространства, а не отдельным объектом. Цель Либескинда состояла в том, чтобы показать рост Денвера, создав музей, который представлял бы часть новой космополитической идентичности города.

Хотите узнать больше о современной архитектуре?
10 отелей с лучшим дизайном по всему миру
Это худший архитектурный проект в Великобритании?
19 футуристических зданий с Всемирного фестиваля архитектуры 2016 года

Школа архитектуры Массачусетского технологического института + планирование

Массачусетский технологический институт и SA+P имеют три основные площадки с экспонатами, на которых регулярно представлены работы преподавателей, исследователей и студентов, а также приглашенных художников.

Галерея 9

Галерея 9 является основным выставочным пространством Школы Архитектуры и Планирования. Каждый семестр в галерее 9, расположенной на первом этаже здания 9 здания Сэмюэля Так Ли, представлены работы сообщества SA+P, включая преподавателей, исследователей, студентов и выпускников.

Актуальный экземпляр

2019 SA+P Thesis Show

6 июня — 1 сентября 2019 г.

Открыто для: широкой публики
Стоимость: бесплатно

Часы работы

Галерея 9 бесплатна и открыта для публики в будние дни с 9:00 до 18:00. Галерея закрыта в выходные и праздничные дни. Галерея 9 расположена в здании 9 Массачусетского технологического института, здании Сэмюэля Так Ли, по адресу 105 Massachusetts Avenue, Cambridge, MA 02138. Для получения дополнительной информации свяжитесь с [email protected].

Галерея Келлер

Галерея Келлер была создана осенью 2011 года благодаря щедрому пожертвованию материалов и рабочей силы Шоном Келлером, руководителем фирмы C. W. Keller & Associates, специализирующейся на архитектурных столярных изделиях, мебели и дизайне.

Галерея площадью около 200 квадратных футов показывает непрерывный поток работ преподавателей, студентов и экспериментальных работ, включая работы выпускников и друзей.

Выставки координирует Аманда Мур. Для получения информации о текущей выставке обращайтесь по адресу [email protected]. Для направления, смотрите здесь.

Текущий экспонат

ИГРОВАЯ КОМНАТА
14 февраля – 6 марта 2020 г.
Открыто для: широкой публики
Стоимость: бесплатно

Часы

Он расположен в здании 7 Массачусетского технологического института, кабинет 408. Он бесплатный и открыт для публики с понедельника по субботу с 9:00 до 18:00.

Галерея деканата

Галерея декана находится по адресу 7-231.

Часы работы с 9 до 5, Пн-Пт. Назначение рекомендуется.

Текущая выставка «Что, если…» будет доступна до января 2020 года.

Свяжитесь с Макейлой Сирлз по электронной почте [email protected] или по телефону 617-715-2386, чтобы записаться на прием.

Библиотека Ротч

Выставочное пространство библиотеки Ротча состоит из галереи площадью 400 квадратных футов и двух дополнительных витрин для экспонатов, посвященных архитектуре, искусству, фотографии, дизайну, городскому планированию, жилью, развитию сообщества, географии, глобализации и вопросам окружающей среды. Пространство открыто для сообщества MIT — студентов, сотрудников, преподавателей и выпускников. Галерея проводит выставки с начала 1990-х годов.

Текущий экспонат
Дизайн бакалавриата на дисплее
5 апреля 2019 г. — 9 июня 2019 г.
Открыто для: широкой публики
Стоимость: бесплатно

часов
Экспонаты доступны, когда библиотека Ротча открыта.
Текущие часы работы библиотеки
Здание 7-228, кампус Массачусетского технологического института

Хотите предложить шоу?
Прочтите Руководство для экспонентов и заполните Форму заявки Rotch Exhibitions.

Цифровая галерея PLAZMA

Цифровая галерея PLAZMA представляет собой электронную витрину работ и мероприятий, выставленных в общественных местах школы. С раннего утра до позднего вечера на девяти больших мониторах, разбросанных по всей школе, постоянно отображается текущий контент.

Содержание включает:

• Работы преподавателей и студентов (в неподвижном или анимированном формате)
• Материал из школьных изданий и галерей
• Одновременно транслируемые или записанные выступления и лекции
• Календарь школьных мероприятий и мероприятий

Преподаватели и студенты также могут использовать некоторые мониторы по мере необходимости для презентаций с использованием ноутбуков; содержимое цифровой галереи PLAZMA будет переопределено на время презентации. (Для подключения ноутбука к экрану необходим кабель VGA.)

Для получения отзывов, комментариев и дополнительной информации о том, как отправлять материалы, обращайтесь по адресу prazma@mit.

No related posts.