Самые большие оркестры мира: Топ 10 Самых больших оркестров

Содержание

Топ 10 Самых больших оркестров

В нормальном оркестре 100 музыкантов – такого количества вполне хватает, чтобы исполнить большинство классических и современных произведений, но… есть исключения. Во-первых, сочинители-гигантоманы, которые создают столь масштабные опусы, что сыграть их одним оркестром просто невозможно. Во-вторых, есть люди, которые хотят оставить свое имя в истории и собрать самый большой оркестр в мире. И надо сказать – у них получается!

1 Musichome Orchestra и Christian Television System – 8 076 музыкантов

Последнее в своем роде достижение имело место в Южной Корее в декабре 2017 года. Чтобы достижение было зафиксировано в Книге рекордов Гиннеса, оркестру пришлось играть более 5 минут (фактически, почти 8 минут) одну из христианских религиозных песен, причем дважды.

2 Commerzbank Arena stadium – 7 548 музыкантов

Неизвестно, какие именно 75 оркестров приняли участие в следующем событии, но случилось оно на стадионе Commerzbank Arena во Франкфурте в июле 2016 года.

Программа была более разнообразной: музыканты сыграли симфонии Дворжака, Бетховена, а также произведения Эндрю Ллойда Вебера и Джона Майлза.

3 Queensland Music Festival – 7 224 музыканта

Музыкальный фестиваль в Квинсленде, на котором состоялось исполнение «Оды к радости» Бетховена, неофициальный австралийский гимн «Вальсируя с Матильдой» и We Will Rock You, прошел в 2013 году. Любопытно, что помимо титула «самого большого оркестра», событие также стало «самым большим оркестром из деревянных духовых инструментов», «самым большим оркестром из ударных инструментов» и «самым большим оркестром из кларнетов».

4 San Manuel Indian Bingo & Casino – 2 297 музыкантов

Годом ранее состоялось намного меньшее собрание, которое, однако, привлекло даже большее внимание. Это самое большое собрание электронных барабанщиков, инициированное San Manuel Indian Bingo & Casino в Калифорнии, США. Зрелище само по себе необычное, не говоря уж о том, что очень громкое! Сыграна была Back in Black от AC/DC.

5 Music Man Project -1 521 музыкант

В октябре 2017 года Лондон был разбужен звоном 1521 металлических треугольников. Обычно, этот музыкальный инструмент играет в оркестре второстепенную роль, включаясь в мелодию время от времени, но только не на этот раз!

6 North Sulawesi art and culture festival – 1 223 музыканта

Ксилофоны, в отличие от треугольников, часто выступают самостоятельным инструментом, однако никогда еще Индонезия не знала столь внушительного ансамбля. Tondano Maesa stadium был наполнен звучанием традиционных колинтангов – индонезийских ксилофонов, как можно догадаться, не менее 5 минут, что позволило позднее включить это событие в Книгу рекордов Гиннеса, как самый большой оркестр из ксилофонов.

7 Всемирная выставка в Париже – 1 200 исполнителей

Когда Августу Холме попросили сочинить музыку к открытию Всемирной выставки в Париже в 1900 году, она решила создать нечто подобное знаменитой башне Эйфеля. Ее Триумфальная ода была рассчитана на 1200 исполнителей – 300 музыкантов и 900 певцов, и никогда ранее не звучало столь масштабное произведение!

8 Los Angeles Philharmonic, Simón Bolívar Symphony Orchestra – 1 011 исполнителей

Симфонию № 8 ми-бемоль мажор Густава Малера также называют «Симфонией тысячи», так как она рассчитана на участие около 1000 музыкантов. И в 2012 году написанное около столетия назад произведение прозвучало в Каракасе, для чего потребовались объединенные усилия двух полных оркестров и еще множества волонтеров.

9 Вестминстерский центральный холл – 1 000 исполнителей

Сыграть симфонию № 1 «Готическую» Брайна Хевергела удалось только в 1961 году, тогда как написана она была намного ранее. Ведь нечасто удается собрать в одном месте два оркестра и еще 10 хоров!

10 Mall of America, Handbell Musicians of America, Salvation Army – 664 музыканта

664 человека, исполняющих мелодию Carol of the Bells и Silver Bells на колокольчиках – да, это тоже один из самых больших оркестров в истории. Случилось это «звонкое» событие в 2016 году в Блумингтоне, США.

20 лучших оркестров мира

Составлен рейтинг лучших оркестров.

Престижный британский журнал Gramophone, признанный во всем мире самым авторитетным изданием о классической музыке, составил собственный Топ-20 лучших оркестров мира. Российские коллективы заняли в нём три места – 14, 15, 16.

В опубликованном списке первое место отведено Королевскому оркестру Концертгебау (Royal Concertgebouw Orchestra / Koninklijk Concertgebouworkest) из Нидерландов. Оркестры из России расположились плотной группой: на 14-ой строке рейтинга оркестр Мариинского театра, за ним идут Российский национальный оркестр и Академический симфонический оркестр Санкт-Петербургской филармонии. В списке семь американских оркестров и четыре оркестра из Германии.

В рейтинге учитывались только оркестры, которые исполняют произведения эпохи романтизма и более позднего периода. Отбор вело жюри из 11 профессионалов, в том числе трех сотрудников Gramophone, двух американцев, двух представителей Азии, а также по одному критику из Le Monde (Франция), Die Welt (Германия), De Telegraaf (Нидерланды) и Die Presse (Австрия).

Итак, по версии Gramophone Топ-20 лучших оркестров мира выглядит следующим образом:

1. Royal Concertgebouw Orchestra;
2. Berlin Philharmonic Orchestra;
3. Vienna Philharmonic Orchestra;
4. London Symphony Orchestra;
5. Chicago Symphony Orchestra;
6. Bavarian Radio Symphony;
7. Cleveland Orchestra;
8. Los Angeles Philharmonic;
9. Budapest Festival Orchestra;
10. Dresden Staatskapelle;
11. Boston Symphony Orchestra;
12. New York Philharmonic;
13. San Francisco Symphony;
14. Оркестр Мариинского театра;
15. Российский национальный оркестр;
16. Академический симфонический оркестр Санкт-Петербургской филармонии;
17. Leipzig Gewandhaus Orchestra;
18. Metropolitan Opera Orchestra;
19. Saito Kinen Symphony Orchestra;
20. Czech Philharmonic.

Добавить комментарий

20 ЛУЧШИХ СИМФОНИЧЕСКИХ ОРКЕСТРОВ МИРА — РАЗВЛЕЧЕНИЯ

В 2008 году Gramophone, одно из самых уважаемых изданий классической музыки в мире, взяло на себя грандиозную задачу по ранжированию лучших оркестров мира.

С группой, состоящей из одиннадцати известных музыкальных критиков из Соединенных Штатов, Франции, Австрии, Великобритании, Германии, Нидерландов и Кореи, Gramophone оценивает только оркестры схожей природы: современные романтические симфонические оркестры (те, которые известны своими Малерами, Вагнерс, Вердис, Страус и Дворжак). Симфонические оркестры, которые специализируются только на определенном типе музыки, такой как музыка в стиле барокко или ренессанс, были опущены. Хотя не все согласятся с окончательным рейтингом, все оркестры в этом списке заслуживают их включения.

Королевский оркестр Концертгебау, Амстердам

Royal Concertgebouw исполняет классическую музыку с 1888 года. Оркестр обладает уникальным звучанием, во многом благодаря тому, что с момента его создания у него было всего семь дирижеров. С коллекцией из почти 1000 записей легко понять, почему этот оркестр занимает лидирующие позиции. Даниэле Гатти взял на себя роль главного дирижера сезона 2016-17.

Он сменил Марисс Янсонс, который был главным дирижером во время этого рейтинга.

Берлинская филармония

Основанная в 1882 году, Берлинская филармония имела 10 главных дирижеров, последний из которых — сэр Саймон Рэттл с 2002 года. Неудивительно, что Берлинская филармония занимает эту должность, тем более что под управлением Rattle оркестр получил несколько премий Грэмми, Gramophone Awards., и более.

Венская филармония

Венская филармония — очень популярный оркестр с длинными листами ожидания для своих абонементов на будни и выходные. С одним из лучших концертных залов в мире и изнурительным процессом прослушивания для его музыкантов, нетрудно понять, почему этот оркестр так любим и высоко ценится.

Лондонский симфонический оркестр

С момента своего основания в 1904 году Лондонский симфонический оркестр быстро стал одним из самых известных в мире, отчасти благодаря записи группы оригинальных партитур для таких фильмов, как «Звездные войны», «Рейдеры потерянного ковчега» и «Гарри». Поттер «.

Чикагский симфонический оркестр

Чикагский симфонический оркестр часто считается ведущим американским оркестром благодаря своей высоко оцененной духовой секции. На момент составления рейтинга группу возглавлял Даниэль Баренбойм. Сейчас он находится под управлением известного дирижера Риккардо Мути.

Симфонический оркестр Баварского радио

Основанный в 1949 году, этот относительно молодой оркестр имел только пять главных дирижеров: Ойген Йохум, Рафаэль Кубелик, сэр Колин Дэвис, Лорин Маазель и Марисс Янсонс. Поскольку группа является радио-оркестром, каждый нюанс можно уловить с помощью микрофонов; музыканты должны быть очень техническими и решительными для каждой заметки на странице.

Кливленд Оркестр

Франц Вельзер-Мост возглавляет Кливлендский оркестр с 2002 года. С его обширными гастролями по США и за рубежом, его долгосрочными отношениями с несколькими ведущими оркестрами и вдохновляющими интерпретациями Welser-Möst популярной классики, Кливлендского оркестра, другого из » Большой 5 «оркестр по праву заслужил свое место в этом списке.

Лос-Анджелесская филармония

Лос-Анджелесская филармония была основана в 1919 году. «Дальновидные» интерпретации группы и ее способность переделывать и переделывать свои выступления по прихоти дирижера дает этому оркестру уникальное преимущество. Группа проживает в абстрактном концертном зале Уолта Диснея, где ее возглавляет дирижер Густаво Дудамель с 2005 года.

Будапештский Фестивальный Оркестр

Этот «детский» оркестр был основан в 1983 году, но, несмотря на свой молодой возраст, стал ведущим мировым оркестром. Иван Фишер, основатель оркестра, намеревался создать оркестр, который оказал бы влияние на музыкальную жизнь и культуру Венгрии и придал им силы — и он это сделал.

Дрезден Staatskapelle

В отличие от Будапештского фестивального оркестра, Dresden Staatskapelle выступает более 450 лет. Оркестр имеет богатую и разнообразную историю, а также прекрасный концертный зал, который добавляет к своему уникальному звучанию. Группу возглавляет дирижер Кристиан Тилеманн.

Бостонский симфонический оркестр

Третий участник «большой пятерки» в списке — Бостонский симфонический оркестр. Основанный в 1881 году, оркестр провел большую часть своей жизни в Бостонском симфоническом зале, построенном по образцу венского Музикферайна. Бостонский симфонический оркестр был первым оркестром, выступившим вживую по радио (в 1926 году). Группу возглавляет музыкальный директор Андрис Нельсонс с 2014 года.

Нью-йоркская филармония

Четвертая «большая пятерка» в списке, Нью-Йоркская филармония, является старейшим оркестром США; он был основан в 1842 году. Группа получила более десятка премий Грэмми. Пожалуй, самым известным человеком, возглавляющим нью-йоркскую филармонию, является Леонард Бернштейн, который дирижировал с 1958 по 1969 год.

Симфония Сан-Франциско

Основанная в 1911 году, симфония Сан-Франциско известна своими замечательными записями Малера. Группу возглавляет Майкл Тилсон Томас с 1995 года. Томас — самый продолжительный музыкальный руководитель среди основных американских оркестров.

Оркестр Мариинского театра

Оркестр Мариинского театра — одна из старейших компаний России. В настоящее время его возглавляет художественный и генеральный директор Валерий Гергиев, где он служит с 1988 года.

Российский Национальный Оркестр

Относительно молодой оркестр, Российский национальный оркестр был основан в 1990 году. Имея более 75 записей и более десятка наград, он быстро завоевал популярность и мировое признание. Оркестром руководит его основатель и художественный руководитель Михаил Плетнев.

Лейпцигский Гевандхаус Оркестр

Оркестр Лейпцига Gewandhaus официально выступает в концертном зале Gewandhaus с 1781 года. С впечатляющей историей прошлых дирижеров, в том числе Феликса Мендельсона, оркестр исполняет фантастическую классическую музыку более 250 лет. Группу возглавляет музыкальный директор Андрис Нельсонс, который также является музыкальным руководителем Бостонского симфонического оркестра.

Метрополитен Опера Оркестр

Метрополитен-оперный оркестр выступает почти каждый день недели во время оперного сезона. Мет, известный своими превосходными оперными звездами, должен иметь столь же впечатляющий список талантливых инструменталистов. Оркестром руководит главный дирижер Фабио Луизи, который занимает этот пост с 2011 года.

Сайто Кинен Оркестр

Основанный в 1984 году знаменитыми дирижерами Сейджи Одзава и Казуёси Акияма, оркестр Сайто Кинен является самым известным оркестром в Японии. Первоначально группа была организована для проведения серии специальных концертов, посвященных 10-й годовщине смерти Хидео Сайто. Сайто, учитель Одзавы и Акиямы, помог основать одну из ведущих музыкальных школ Японии — Школу Тохо Гакуена.

Чешская филармония

Чешская филармония, основанная в 1896 году, завоевала множество наград. Известные прошлые дирижеры включают Рафаэля Кубелика и Вацлава Неймана. В 1908 году Густав Малер провел премьеру своей 7-й симфонии с Чешской филармонией.

Ленинградская филармония

Самый старый русский оркестр, Ленинградская филармония, формально известный как Санкт-Петербургский филармонический оркестр, был основан в 1882 году. Под управлением Юрия Темирканова оркестр много гастролирует.

Большой джаз больших оркестров – то, чего нам не хватает

Внимание! У вас отключен JavaScript, ваш браузер не поддерживает HTML5, или установлена старая версия проигрывателя Adobe Flash Player.
Открыть/cкачать видео (196.47 МБ)Внимание! У вас отключен JavaScript, ваш браузер не поддерживает HTML5, или установлена старая версия проигрывателя Adobe Flash Player.
Скачать аудио (36.61 МБ)

В передаче вы увидите и услышите записи разных лет с концертов «Мингус Биг-бэнда» и «Гил Эванс Оркестра»:

1. Mingus BigBand ’99 – “Cumbia Jazz Fusion” (video)
2. Mingus BigBand ‘02 – “Invisible Lady” (video)
3. Gil Evans Orch. ‘83 – “Copenhagen Sights” (video)
4. Gil Evans Orch. ’87 – “Instrumental Break” (video)

Джаз-Пик № 196 и Евгений Долгих представляют вам… большой джаз! То есть джаз в исполнении современных биг-бэндов. Биг-бэнды совершенно незаслуженно пребывают у нас в полузабытом состоянии. Гастроли больших джазовых оркестров – событие в нашей стране чрезвычайно редкое, а собственные биг-бэнды – явление еще более редкое, если не считать государственные эстрадные коллективы, которые джаз играют пару раз в году.

Вообще-то биг-бэнды во всем мире за последние 80 лет переживали и периоды расцвета, и периоды кризиса, в 60-70-е годы почти совсем исчезли, но джазовые энтузиасты не дали им сойти на нет – сейчас очень многие известные музыканты считают чуть ли не долгом чести собрать собственный большой оркестр если не как постоянный проект, то именно для поддержания искусства джазового биг-бэнда.

Многие большие джазовые оркестры в мире являются попросту бесприбыльными и финансово существуют, так сказать, «в ноль», есть и вполне неплохо зарабатывающие себе на жизнь коллективы, есть и такие, что совмещают доходы от концертов с грантами и помощью тех же энтузиастов. Факт таков, что если в 30-40-е годы число известных, классных биг-бэндов исчислялось в мире тысячами, в 60-70-е – десятками, то в последние десятилетия счет идет на сотню-другую… что, в общем-то, неплохо для современной музыкальной жизни.

Из этой сотни ведущих биг-бэндов мы на этот раз выбрали для вас два – один, это знаменитый уникальный «Мингус Биг-бэнд», гастролирующий по всему миру более 20 лет, а второй – уже не существующий, но, пожалуй, самый лучший из всех оригинальных модернистских больших оркестров за всю историю джаза – «Гил Эванс Оркестр».

Вопросы и предложения пишите автору передачи на адрес [email protected].

Валерий Гергиев

Художественный руководитель – директор Мариинского театра

Валерий Гергиев – ярчайший представитель петербургской дирижерской школы, ученик легендарного профессора Ильи Мусина. Еще студентом Ленинградской консерватории Гергиев одержал победу на конкурсе им. Герберта фон Караяна в Берлине и на Всесоюзном конкурсе дирижеров в Москве, после чего был приглашен в Кировский (ныне Мариинский) театр на место ассистента главного дирижера. Его дирижерским дебютом в театре 12 января 1978 года стала опера Сергея Прокофьева «Война и мир». В 1988 году Валерий Гергиев был избран музыкальным руководителем Мариинского театра, а в 1996-м – его художественным руководителем – директором (он принял руководство оркестром, оперной и балетной труппой).

С приходом Валерия Гергиева в театр традицией стали крупные тематические фестивали, приуроченные к юбилеям композиторов. В рамках таких фестивалей звучали не только хорошо известные партитуры, но и редко исполнявшиеся или вообще прежде не видевшие сцены сочинения. Традиция юбилейных фестивалей продолжается и в XXI веке: празднованием 100-летия Дмитрия Шостаковича в 2006 году, 175-летия Петра Чайковского в 2015-м, 125-летия Сергея Прокофьева в 2016-м, 175-летия Римского-Корсакова в 2019-м.

Усилиями маэстро Гергиева на сцену Мариинского театра вернулись оперы Рихарда Вагнера. В 1997 году прозвучал «Парсифаль», не видевший российской сцены более 80 лет, в 1999-м возрожден «Лоэнгрин», а к 2003-му целиком поставлена грандиозная оперная тетралогия «Кольцо нибелунга». Это было первое после почти столетнего перерыва полное исполнение тетралогии на российской сцене и первое в России – на языке оригинала. Тетралогия с успехом шла на гастролях Мариинского театра в Москве, а также за границей – в США, Южной Корее, Японии, Великобритании и Испании. В репертуаре театра закрепились постановки «Тристана и Изольды» (2005) и «Летучего голландца» (1998, 2008).

Симфонический оркестр Мариинского театра под управлением Валерия Гергиева вышел на новый уровень, освоив не только новые оперные и балетные партитуры, но и обширный симфонический репертуар – все симфонии Бетховена, Брамса, Чайковского, Малера, Сибелиуса, Прокофьева, Шостаковича, сочинения Берлиоза, Брукнера, Римского-Корсакова, Р. Штрауса, Скрябина, Рахманинова, Стравинского, Мессиана, Дютийё, Уствольской, Щедрина, Канчели и многих других композиторов.

Под руководством Валерия Гергиева Мариинский театр превратился в масштабный театрально-концертный комплекс, не имеющий аналогов в мире. В 2006 году был открыт Концертный зал, в 2013-м – вторая сцена театра (Мариинский-2), с 1 января 2016 года у Мариинского театра появился филиал во Владивостоке (Приморская сцена), а с 2017-го – во Владикавказе. Среди других проектов Валерия Гергиева, реализованных в Мариинском театре, – организация медиавещания, проведение онлайн-трансляций концертов, создание звукозаписывающей студии. В 2009-м начал свою работу лейбл Mariinsky, на котором к настоящему моменту вышло уже более 30 дисков, получивших признание критики и публики во всем мире: симфонии и фортепианные концерты Чайковского и Шостаковича, оперы Вагнера, Массне, Доницетти и целый ряд других произведений. На DVD выпущены записи сочинений Верди («Аттила»), Чайковского (симфонии), Римского-Корсакова («Сказка о царе Салтане», «Золотой петушок»), Р. Штрауса («Женщина без тени»), Прокофьева («Ромео и Джульетта», «Золушка», «Игрок», «Семен Котко»), Щедрина («Левша»).

Международная деятельность Валерия Гергиева не менее насыщенна и активна. Дебютировав в 1991 году в Баварской государственной опере («Борис Годунов» Мусоргского), в 1993-м – в Ковент-Гардене («Евгений Онегин» Чайковского), в 1994-м – в Метрополитен-опере («Отелло» Верди с Пласидо Доминго в заглавной роли), маэстро успешно продолжает сотрудничать с ведущими оперными театрами планеты. Он работает с Международным оркестром мира (которым руководит с 1997 года, после кончины основателя коллектива – Георга Шолти), с филармоническими оркестрами Берлина, Парижа, Вены, Нью-Йорка, Лос-Анджелеса, симфоническими оркестрами Чикаго, Кливленда, Бостона, Сан-Франциско, Королевским оркестром Консертгебау (Амстердам), а также многими другими коллективами. С 1995 по 2008 год Валерий Гергиев занимал пост главного дирижера Роттердамского филармонического оркестра (сегодня он почетный дирижер этого коллектива), с 2007 по 2015 год – Лондонского симфонического оркестра. С осени 2015-го года маэстро возглавляет Мюнхенский филармонический оркестр, с лета 2018-го – оркестр Музыкального фестиваля в Вербье.

Валерий Гергиев – основатель и руководитель престижных международных фестивалей, в числе которых – «Звезды белых ночей» (c 1993), Московский Пасхальный фестиваль (c 2002), Гергиев-фестиваль в Роттердаме, Музыкальный фестиваль в Миккели (Финляндия), «360 градусов» в Мюнхене. С 2011-го он возглавляет оргкомитет Международного конкурса им. П. И. Чайковского. Валерий Гергиев уделяет огромное внимание работе с молодыми музыкантами. По его инициативе было возрождено Всероссийское хоровое общество, на базе которого создан Детский хор России, выступавший в Мариинском-2, Большом театре России и на закрытии XXII зимних Олимпийских игр в Сочи. С 2013 года маэстро руководит Национальным молодежным оркестром США, регулярно выступает с молодежными оркестрами фестиваля в Шлезвиг-Гольштейне, фестиваля в Вербье и Тихоокеанского музыкального фестиваля в Саппоро. С 2015 года в Мариинском театре проходит ежегодный фестиваль «Мариинский NEXT», в котором участвуют детские и молодежные оркестры Санкт-Петербурга.

Музыкальная и общественная деятельность Валерия Гергиева отмечена тремя Государственными премиями Российской Федерации (1993, 1998, 2015), званиями народного артиста Российской Федерации (1996) и Героя Труда (2013), орденом «За заслуги перед Отечеством» III и IV степени (2003, 2008), орденом Александра Невского (2016), премией Министерства обороны Российской Федерации в области культуры и искусства (2017), высокими государственными наградами Армении, Болгарии, Германии, Италии, Нидерландов, Польши, Франции, Японии.

Эра свинга, или эпоха Больших Оркестров

Журнал «365» продолжает цикл публикаций, посвящённых путешествию в музыкальные эпохи и направления. На подходе — 1930-е и свинг.

1930-е — перерождение джаза в новые формы.

Итак, 1930-е. Была в те года одна популярная радиопередача с Бингом Кросби (одним из самых успешных исполнителей в США, но о нём в следующем материале), и как-то к нему пришёл Луис Армстронг. Кросби попросил джазмена рассказать, что же такое свинговая музыка, на что Луис ответил: «Ах, свинг, ну хорошо. Раньше мы называли это рэгтаймом, потом блюзом, затем джазом. Теперь это свинг. Белые люди — вот кто вносит путаницу!» Собственно, вывод, который можно сделать из вышесказанного, (помимо того, что белые люди — прародители неразберихи) говоря о свинге, мы говорим всё о том же старом добром джазе!

Б. Кросби и Л. Армстронг

В начале 30-х гг., во времена Великой Депрессии в США, линия восхождения джаза резко прервалась. Джазовые оркестры, даже весьма успешные, стали распадаться из-за экономического кризиса, множество одаренных музыкантов лишились работы, отчего им приходилось перебиваться случайными заработками. Ярким примером сильной безработицы у джазменов того периода является Сидней Беше — некогда «лучший исполнитель на духовых инструментах» ныне подрабатывал чистильщиком обуви. Однако, по мнению некоторых специалистов, экономический кризис не был единственной причиной распада джазовых оркестров. Предполагается, что примерно в это же время упал спрос на новоорлеанский джаз, вследствие чего многие студии звукозаписи, радиостанции, танцплощадки, кабаре, стали отказываться от музыки новоорлеанских мастеров.

На помощь бедным безработным профессионалам пришёл свинг. Всё та же музыка, но под другим названием, некая попытка избавится от слова «джаз», слывшего в то время жаргонизмом. Народ потянулся, не понимая толком, что слушает даже не видоизмененную, а развитую временем версию того, что считали уже немодным.

Танец свинг

Свинг — такая джазовая концепция, когда некоторые ноты, имеющие одинаковую длительность на бумаге, во время исполнения звучат попеременно то длинно, то коротко. При этом ритм получается благодаря проигрыванию повторяющихся пар нот в этой манере. Основное отличие свинга от джаза, если вообще можно разделять эти два понятия, — свинг требует хорошей техники исполнения, гармонии, знания принципов музыкальной организации и исключает практически любую импровизацию, являющуюся типичной практикой в джазе от самого его зарождения и вплоть до 30-х годов.

Помимо формы джазовой музыки, «свингом» называют пульсирующее ритмичное чувство, возникающее между всеми участниками оркестра во время игры, а также термин используется для общего названия всех видов свинговых танцев.

Танец свинг

Еще с к конца 20-х начали появляться Биг-Бэнды — оркестры, включавшие в себя от 12 до 25 музыкантов. Отличием от маленьких джазовых оркестров было не только количество участников, но и состав музыкальных инструментов: уменьшались многочисленные струнные инструменты, взамен добавлялись духовые — трубы, тромбоны, саксофоны, кларнеты. В ритм-секции делался упор на контрабас и ударные. Так уж сложилось, что появление Биг-Бендов совпало с появлением свинга, так что иногда период, выше обозначенный как «Эра Свинга», называют «Эрой Биг-Бендов».

Эра Биг-Бендов

Основоположником стиля больших оркестров, его концепции, стал Флетчер Хендерсон. Бытует мнение, что для создания свинга на раннем этапе он сделал больше, чем кто-либо другой. Хендерсон первый среди джазовых музыкантов отошёл от полной импровизации и стал заранее записывать аранжировки, в которых, однако, оставлялось место для импровизационного солирования.

Флетчер выступал со своим Биг-Бэндом в нью-йоркском танцклубе «Роузленд Болрум». Состав оркестра не был постоянным, за весь период его существования в Биг-Бэнде Хендерсона успели побывать многие звёзды джаза тех годов, такие как: Бен Уэбстер, Коулмен Хокинс, Луис Армстронг и другие. Пик популярности оркестра Флетчера пришёлся на1930-31 гг., к концу 39-го его совершенно затмили новые ансамбли, что привело к распаду коллектива.

Но создание подобных оркестров не было единственным достижением Хендерсона, он также был весьма успешен как аранжировщик и композитор для различных оркестров, особенно удачными считаются его работы для Бенни Гудмена.

Бенни Гудмен, также известный под прозвищем «Король свинга», к началу тридцатых годов был уже известным джазовым музыкантом, но его оркестр, как и оркестры многих других в это время, преследовали серьёзные финансовые неурядицы.

21 августа 1935 года, в одном танцзалов Лос-Анджелеса музыканты отыграли, как они сперва подумали, последнее выступление перед распадом коллектива. Из-за своей боязни потерять и этот заказ на концерт, оркестр начал играть обычную танцевальную музыку. Публика в зале реагировала на них весьма холодно, глядя на то, как складывается ситуация, барабанщик воскликнул: «Ребята, какого чёрта мы делаем? Если это наш последний концерт, давайте сыграем его так, как бы нам не стыдно было себя проводить», и музыканты в полную мощь заиграли свой свинг. Неожиданно публика взвизгнула от восторга и, как бы это «по сказочному» не звучало, пустилась в пляс.

Именно этот вечер считается датой начала «Эры свинга». С этого момента у Бенни Гудмена открылось второе дыхание, через некоторое время он переехал в Чикаго, где, совместно с певицей Хелен Уорд, создал ряд сочинений, ставших настоящими прорывами в мире музыки того времени.

Томми Дорси создал первый свинговый оркестр вместе со своим братом Джимми в начале тридцатых годов, однако из-за вспыльчивого характера Томми и музыкальных разногласий между братьями, оба из которых считались руководителями ансамбля, в 1934 году Томми решил покинуть проект и создать свой собственный Биг-Бэнд.

Через год Томми, уже со своим новым оркестром, подписал контракт с звукозаписывающим лейблом RCA Victor и слава не заставила долго себя ждать, Биг-Бэнд Томми Дорси стал знаменитым уже с первых записей. Их свинг крутили по национальному радио, также весь коллектив принимал участие в радио-шоу комика Джека Перла, считавшегося чем-то вроде «Вечернего Урганта» тех лет. Многие ставшие впоследствии знаменитыми музыканты, начинали свою карьеру в составе оркестра Дорси.

Тем временем, в Советской России, в 1932 году, был основан «Союз Композиторов СССР», ставший главной цензурой советской музыки. На территорию перестала допускаться «слишком экспериментальная, не доступная массам музыка». Музыкальное образование при этом не останавливалось в развитии, оно стало общедоступным, открывались различные музыкальные школы и филармонии, давшие толчок многим талантливым исполнителям и композиторам советской эпохи.

О свинге же в СССР тридцатых годов никто даже толком не знал, здесь только начинал своё глобальное распространение джаз, во многом благодаря ленинградскому ансамблю под руководством актёра и певца Леонида Утёсова («Дорогие мои москвичи», «Как много девушек хороших») и трубача Якова Скоморовского. Ими был сформирован чисто советский стиль «теа-джаз», основанный на смеси театральной и оперной музыки, вокальных номерах и, видимо из-за актерской стороны Утесова, большую часть в стиле играл элемент представления.

Сергей Рахманинов. Смотреть концерт онлайн

Всеволод Гривнов

Всеволод Гривнов родился в Москве. Учился в Российской академии хорового искусства имени А. В. Свешникова и Российской академии музыки имени Гнесиных. В 90-е годы был солистом Московского театра «Новая Опера», Оперы Ниццы (Франция) и Датской Королевской оперы.

С 2001 года певец выступает в Большом театре.

Исполняет партии в операх П. Чайковского — «Иоланта» (Водемон), «Евгений Онегин» (Ленский), «Мазепа» (Андрей), «Чародейка» (Княжич Юрий), М. Мусоргского — «Борис Годунов» (Самозванец), С. Прокофьева — «Война и мир» (Анатоль Курагин), Дж. Верди — «Бал-маскарад» (Ричард), «Набукко» (Измаил), «Фальстаф» (Фентон), Ж. Бизе — «Кармен» (Хозе), Ф. Чилеа — «Адриенна Лекуврер» (Морис).

Также в репертуаре певца партии: Юродивый («Борис Годунов»), Василий Голицын («Хованщина»), Альфред («Травиата»), Герцог («Риголетто»), Князь («Русалка»), ведущие теноровые партии в операх «Дон Жуан» В. А. Моцарта, «Аида», «Макбет», «Двое Фоскари», «Сила судьбы», «Луиза Миллер» Дж. Верди, «Лючия ди Ламмермур», «Мария Стюарт», «Фаворитка» Г. Доницетти, «Русалка» А. Дворжака, «Диалоги кармелиток» Ф. Пуленка, «Князь Игорь» А. Бородина, «Майская ночь», «Царская невеста», «Золотой петушок» Н. Римского-Корсакова, «Демон» А. Рубинштейна, «Черевички», «Опричник», «Пиковая дама» П. Чайковского, «Алеко», «Скупой рыцарь», «Франческа да Римини» С. Рахманинова, «Соловей», «Царь Эдип» И. Стравинского, «Обручение в монастыре» С. Прокофьева, «Леди Макбет Мценского уезда» Д. Шостаковича.

Певец много гастролирует, выступая на сценах знаменитых театров мира: Парижской национальной оперы, Берлинской государственной оперы, Немецкой оперы Берлина, театра Ла Скала, Королевского театра «Ковент-Гарден» (Лондон), театра Ла Монне (Брюссель), Королевского театра Мадрида, театров Ла Фениче в Венеции, Массимо в Палермо, в Болонье, Кальяри, Катании (Италия), Национальной Рейнской оперы в Страсбурге, Мариинского театра, театров Кёльна, Варшавы, Валенсии, Тенерифе, Лиссабона, Женевы, Сан-Франциско, Лос-Анджелеса, Хьюстона, Тель-Авива и других.

Всеволод Гривнов ведет широкую концертную деятельность в России и за рубежом, принимает участие в исполнениях опер, кантат, симфоний и вокальных циклов, в том числе: в Девятой симфонии и Торжественной мессе Л. ван Бетховена, Мессе си минор И. С. Баха, Stabat mater и Маленькой торжественной мессе Дж. Россини, кантате «Первая Вальпургиева ночь» Ф. Мендельсона, Реквиеме Дж. Верди, кантатах «Колокола» С. Рахманинова и «История доктора Иоганна Фауста» А. Шнитке, «Свадебке» и «Пульчинелле» И. Стравинского; Шести романсов на стихи японских поэтов, вокального цикла «Из еврейской народной поэзии» Д. Шостаковича и других сочинениях. Певец выступал на фестивалях BBCProms в Лондоне, в Глайндборне, Эдинбурге (Великобритания), Уэксфорде (Ирландия), Флоренции (Италия), Савонлинне (Финляндия), Шлезвиг-Гольштейне (Германия), Юрмале (Латвия). Постоянный участник проектов Московской филармонии.

Выступления В. Гривнова проходили в Большом зале Московской консерватории, Концертном зале имени П. И. Чайковского, Московском международном Доме музыки, венском Музикферайне, Консертгебау в Амстердаме, Альберт-холле в Лондоне, Кёльнской филармонии, Alice Tully Hall в Линкольн-центре в Нью-Йорке.

Среди симфонических коллективов, с которыми сотрудничал Всеволод Гривнов, — Российский национальный оркестр, Государственный академический симфонический оркестр России имени Е. Ф. Светланова, Большой симфонический оркестр имени П. И. Чайковского, Государственная академическая симфоническая капелла России п/у В. Полянского, Симфонический оркестр Москвы «Русская филармония», Академический оркестр русских народных инструментов имени Н. Н. Некрасова ВГТРК, Симфонический оркестр Государственной академической капеллы Санкт-Петербурга, Лондонский филармонический оркестр, Лондонский симфонический оркестр, Лондонская симфониетта, Симфонический оркестр Кёльнского радио, Симфонический оркестр имени Дж. Верди, оркестры Норрчёпинга (Швеция), Осло, Бергена (Норвегия), Балтимора, Сан-Франциско (США), Сан-Паулу (Бразилия) и другие.

На оперной и концертной сцене Всеволод Гривнов сотрудничал со многими известными дирижерами, среди которых — Р. Баршай, М. Ростропович, Н. Некрасов, Г. Рождественский, В. Федосеев, Ю. Темирканов, В. Синайский, М. Плетнёв, М. Юровский, В. Юровский, Д. Юровский, В. Полянский, А. Поляничко, А. Чернушенко, А. Ведерников, Дж. Конлон, К. Оно, М. Элдер, М. Тилсон-Томас, В. Хумбург, Э. Гарднер, а также с режиссерами — К.-М. Грубером, Ф. Замбелло, Ю. Александровым, Г. Виком, Л. Додиным, М. Ляйзером, П. Корье, Ю. Певзнер, Д. Слейтером, А. Щербаном, О. Пи, Л. Пуджелли.

Участвовал в записях на CD и DVD.

Среди последних работ Всеволода Гривнова — партии Голицына в «Хованщине» во Фламандской опере в Антверпене и Генте (Бельгия), Вакулы в «Черевичках» в Кальяри и Альбера в «Скупом рыцаре» в Лондоне.

Владимир Юровский

Родился в 1972 г. в Москве. Представитель российской музыкальной династии: сын дирижера Михаила Юровского, внук композитора Владимира Юровского, правнук дирижера Давида Блока (создателя Государственного симфонического оркестра кинематографии). Музыкальное образование получил в Академическом музыкальном училище при Московской консерватории, Дрезденской Высшей школе музыки им. К.-М. фон Вебера и Берлинской Высшей школе музыки им. Г. Эйслера.

Дирижированию обучался у своего отца, затем у Александра фон Брюка, Рольфа Ройтера и сэра Колина Дэвиса, был ассистентом Геннадия Рождественского. В 1995 г. с триумфом дебютировал на международной сцене — в рамках оперного фестиваля в Уэксфорде (опера «Майская ночь» Н. Римского-Корсакова). В дальнейшем сотрудничал с крупнейшими театрами, в том числе: Covent Garden (Лондон), Opéra Bastille (Париж), Metropolitan Opera (Нью-Йорк), Komische Oper (Берлин), Teatro La Fenice (Венеция), Teatro alla Scala (Милан) и Большим театром России. Выступал с ведущими симфоническими коллективами: филармоническими оркестрами Берлина, Вены и Нью-Йорка, Филадельфийским, Кливлендским, Чикагским и Бостонским симфоническими оркестрами, Государственной капеллой Дрездена, оркестрами Гевандхауза, Консертгебау и Баварского радио и многими другими. В 2001–2013 гг. — музыкальный руководитель оперного фестиваля в Глайндборне. В 2005–2009 гг. — главный приглашенный дирижер Российского национального оркестра. С 2007 г. — главный дирижер Лондонского филармонического оркестра и один из трех постоянных дирижеров Оркестра Эпохи Просвещения (наряду с сэром Саймоном Рэттлом и Иваном Фишером). С 2009 г. сотрудничает с Камерным оркестром Европы.

С 2011 г. — художественный руководитель Государственного академического симфонического оркестра России им. Е. Ф. Светланова. Выступал с коллективом на фестивалях «Площадь искусств» (Санкт-Петербург) и «Другое пространство» (Москва), в концертах, посвященных памяти Е. Светланова, 200-летию со дня рождения Р. Вагнера и 100-летию начала Первой мировой войны, в симфонических собраниях для студентов Московского университета и Российской академии музыки им. Гнесиных, в городах России и Германии; осуществил российские премьеры Симфонии № 3 В. Сильвестрова, «Гейлигенштадтского завещания Бетховена» Р. Щедрина, Симфонии № 9 Л. ван Бетховена в редакции Г. Малера, «Прометея» К. Орфа, мюзикла «Обыкновенное чудо» Г. Гладкова в редакции для солистов, хора и симфонического оркестра и полной версии «Предварительного действа» А.Скрябина — А.Немтина; провел концертные исполнения музыки балета «Спящая красавица» П. Чайковского и оперы «Саломея» Р. Штрауса. По инициативе дирижера в 2012 г. была возрождена традиция посвящения в студенты первокурсников Академического музыкального колледжа при Московской консерватории (в Доме-музее П. Чайковского в Клину). В 2015 г. в Концертном зале им. П. И. Чайковского в третий раз прошел ежегодный цикл просветительских концертов «Владимир Юровский дирижирует и рассказывает».

В. Юровский осуществил музыкальное руководство постановками опер «Дон Жуан» и «Волшебная флейта» В.-А. Моцарта, «Тристан и Изольда», «Нюрнбергские майстерзингеры» и «Парсифаль» Р. Вагнера, «Отелло», «Фальстаф» и «Макбет» Дж. Верди, «Борис Годунов» М.Мусоргского, «Евгений Онегин» и «Пиковая дама» П. Чайковского, «Ариадна на Наксосе» и «Женщина без тени» Р. Штрауса, «Приключения лисички-плутовки» Л. Яначека, «Похождения повесы» И. Стравинского, «Моисей и Аарон» А. Шёнберга, «Воццек» А. Берга, «Vita Nuova» В. Мартынова и других.

Дискография Юровского включает, в частности, записи симфоний № 4 и 7 Л. ван Бетховена, всех симфоний И. Брамса, Сюиты № 3, симфоний № 1, 4, 5 и 6, а также симфонии «Манфред» П. Чайковского, «Симфонических танцев» С. Рахманинова, Симфонии № 2 Г. Малера, симфоний № 1, 6 и 14, фортепианных концертов Д. Шостаковича, Симфонии № 3 А. Шнитке, кантаты «Exil» Г. Канчели, симфонических произведений Й. Гайдна, Р. Вагнера, Р. Штрауса, М. Равеля, Г. Холста, А. Онеггера, Б. Бриттена, опер «Гензель и Гретель» Э. Хумпердинка, «Золушка» Дж. Россини, «Северная звезда» Дж. Мейербера, «Вертер» Ж. Массне, «Джанни Скикки» Дж. Пуччини, «Скупой рыцарь» С. Рахманинова и «Обручение в монастыре» С. Прокофьева, оперетты «Летучая мышь» И. Штрауса, фрагментов цикла «Двадцать семь опер» А. Семёнова.

В 2000 г. Владимир Юровский стал обладателем »Abbiati Prize» как «лучший дирижер года», в 2015 г. — »BBCMusicMagazineAward» за запись оперы «Нюрнбергские майстерзингеры» Р.Вагнера; в 2007 г. отмечен Королевским филармоническим обществом Великобритании как «дирижер года», в 2012 и 2014 гг. назван российской газетой «Музыкальное обозрение» «персоной года», в 2013 г. номинирован на премию »Grammy». Критика отмечает масштабность творческих замыслов и отточенность интерпретаций музыканта, просветительскую направленность его деятельности.

Материал предоставлен пресс-службой ГАСО

Сергей Васильевич Рахманинов

Сергей Васильевич Рахманинов (1 апреля (20 марта) 1873 — 28 марта 1943) — русский композитор, пианист и дирижер.

Синтезировал в своем творчестве принципы петербургской и московской композиторских школ (а также традиции западноевропейской музыки) и создал свой оригинальный стиль, оказавший впоследствии влияние как на русскую, так и на мировую музыку XX века.

Сергей Васильевич Рахманинов родился 1 апреля 1873 года в дворянской семье. Долгое время местом рождения считалось имение его родителей Онег, недалеко от Новгорода; исследования последних лет называют усадьбу Семеново Старорусского уезда Новгородской губернии (Россия).

Отец композитора, Василий Аркадьевич (1841―1916), происходил из дворян Тамбовской губернии. История рода Рахманинова уходит корнями к внуку молдавского царя Стефана Великого Василию, прозванного Рахманиным. Мать, Любовь Петровна (урожденная Бутакова) ― дочь директора Кадетского корпуса генерала П. И. Бутакова. Дед композитора по отцовской линии, Аркадий Александрович, был музыкантом, учился игре на фортепиано у Дж. Филда и выступал с концертами в Тамбове, Москве и Петербурге. Сохранились романсы и фортепианные пьесы его сочинения, в том числе «Прощальный галоп 1869-му году» для фортепиано в четыре руки. Василий Рахманинов тоже был музыкально одаренным, но музицировал исключительно любительски.

Интерес С. В. Рахманинова к музыке обнаружился в раннем детстве. Первые уроки игры на фортепиано дала ему мать, затем была приглашена учительница музыки А. Д. Орнатская. При ее поддержке осенью 1882 года Рахманинов поступил на младшее отделение Санкт-Петербургской консерватории в класс В. В. Демьянского [4]. Обучение в Петербургской консерватории шло плохо, так как Рахманинов часто прогуливал занятия, поэтому на семейном совете мальчика было решено перевести в Москву и осенью 1885 года он был принят на третий курс младшего отделения Московской консерватории к профессору Н. С. Звереву.

Несколько лет провел Рахманинов в известном московском частном пансионе музыкального педагога Николая Зверева, воспитанником которого был также Александр Николаевич Скрябин и многие другие выдающиеся русские музыканты (Александр Ильич Зилоти, Константин Николаевич Игумнов, Арсений Николаевич Корещенко, Матвей Леонтьевич Пресман и др). Здесь в возрасте 13 лет Рахманинов был представлен Петру Ильичу Чайковскому, который позже принял большое участие в судьбе молодого музыканта.

В 1888 году Рахманинов продолжил обучение на старшем отделении Московской консерватории в классе двоюродного брата А. И. Зилоти, а спустя год под руководством С. И. Танеева и А. С. Аренского начал заниматься композицией.

В возрасте 19 лет Рахманинов окончил консерваторию как пианист (у А. И. Зилоти) и как композитор с большой золотой медалью. К тому времени появилась его первая опера — «Алеко» (дипломная работа) по произведению А. С. Пушкина «Цыганы», первый фортепианный концерт, ряд романсов, пьесы для фортепиано, в том числе, прелюдия до-диез минор, которая позднее стала одним из наиболее известных произведений Рахманинова.

В возрасте 20 лет, из-за нехватки денег, он стал преподавателем в московском Мариинском женском училище, в 24 года — дирижером Московской русской частной оперы Саввы Мамонтова, где работал в течение одного сезона, однако успел сделать значительный вклад в развитие русской оперы.

Рахманинов рано приобрел известность как композитор, пианист и дирижер. Однако его успешная карьера была прервана 15 марта 1897 года неудачной премьерой Первой симфонии (дирижер — А. К. Глазунов), которая окончилась полным провалом как из-за некачественного исполнения, так и — главным образом — из-за новаторской сущности музыки. По мнению А. В. Оссовского, определенную роль сыграла неопытность Глазунова как руководителя оркестра во время репетиций[5]. Это событие послужило причиной серьезной нервной болезни. В течение 1897–1901 годов Рахманинов не мог сочинять, и лишь помощь опытного психиатра, доктора Николая Даля, помогла ему выйти из кризиса.

В 1901 году закончил свой Второй фортепианный концерт, создание которого ознаменовало выход Рахманинова из кризиса и одновременно — вступление в следующий, зрелый период творчества. Вскоре он принял приглашение занять место дирижера в московском Большом театре. После двух сезонов отправился в путешествие по Италии (1906 г.), затем на три года поселился в Дрездене, чтобы полностью посвятить себя композиции. В 1909 году Рахманинов совершил большое концертное турне по Америке и Канаде, выступая как пианист и дирижер. В 1911 году С. В. Рахманинов, находясь в Киеве, по просьбе своего друга и коллеги А. В. Оссовского прослушал молодую певицу Ксению Держинскую, вполне оценив ее талант; он сыграл большую роль в становлении оперной карьеры знаменитой певицы.

Вскоре после революции 1917 года воспользовался неожиданно пришедшим из Швеции предложением выступить в концерте в Стокгольме и в конце 1917 года вместе с женой Натальей Александровной и дочерьми покинул Россию. В середине января 1918 года Рахманинов отправился через Мальме в Копенгаген. 15 февраля он впервые выступил в Копенгагене, где сыграл свой Второй концерт с дирижером Хеэбергом[6]. До конца сезона он выступил в одиннадцати симфонических и камерных концертах, что дало ему возможность расплатиться с долгами.

1 ноября 1918 года, вместе с семьей, отплыл из Норвегии в Нью-Йорк. Вплоть до 1926 года не писал значительных произведений; творческий кризис, таким образом, продолжался около 10 лет. Лишь в 1926–1927 гг. появляются новые произведения: Четвертый концерт и Три русские песни. В течение жизни за рубежом (1918–1943 гг.) Рахманинов создал всего 6 произведений, которые принадлежат к вершинам русской и мировой музыки.

Местом постоянного жительства избрал США, много гастролировал в Америке и в Европе и вскоре был признан одним из величайших пианистов своей эпохи и крупнейшим дирижером. В 1941 году закончил свое последнее произведение, многими признанное как величайшее его создание, — Симфонические танцы. В годы Великой Отечественной войны Рахманинов дал в США несколько концертов, весь денежный сбор от которых направил в фонд Красной армии. Денежный сбор от одного из своих концертов передал в Фонд обороны СССР со словами: «От одного из русских посильная помощь русскому народу в его борьбе с врагом. Хочу верить, верю в полную победу».

Последние годы Рахманинова были омрачены смертельной болезнью (рак легких). Однако несмотря на это, он продолжал концертную деятельность, прекращенную лишь незадолго до смерти.

Рахманинов умер 28 марта 1943 года в Беверли-Хиллз, штат Калифорния США.

Творчество Рахманинова

Творческий облик Рахманинова-композитора часто определяют словами «самый русский композитор». В этой краткой и неполной характеристике выражены как объективные качества стиля Рахманинова, так и место его наследия в исторической перспективе мировой музыки. Именно творчество Рахманинова выступило тем синтезирующим знаменателем, который объединил и сплавил творческие принципы московской (П.Чайковский) и Петербургской школ в единый и цельный русский стиль. Тема «Россия и ее судьба», генеральная для русского искусства всех видов и жанров, нашла в творчестве Рахманинова исключительно характерное и законченное воплощение. Рахманинов в этом отношении явился как продолжателем традиции опер Мусоргского, Римского-Корсакова, симфоний Чайковского, так и связующим звеном в непрерывной цепи национальной традиции (эта тема была продолжена в творчестве С. Прокофьева, Д. Шостаковича, Г. Свиридова, А. Шнитке и др.). Особая роль Рахманинова в развитии национальной традиции объясняется историческим положением творчества Рахманинова — современника русской революции: именно революция, отраженная в русском искусстве как «катастрофа», «конец света», всегда была смысловой доминантой темы «Россия и ее судьба» (см. Н. Бердяев, «Истоки и смысл русского коммунизма»).

Творчество Рахманинова хронологически относится к тому периоду русского искусства, который принято называть «серебряным веком». Основным творческим методом искусства этого периода был символизм, черты которого ярко проявились и в творчестве Рахманинова. Произведения Рахманинова насыщены сложной символикой, выражаемой с помощью мотивов-символов, главным из которых является мотив средневекового хорала Dies Irae. Этот мотив символизирует у Рахманинова предчувствие катастрофы, «конца света», «возмездия».

В творчестве Рахманинова очень важны христианские мотивы: будучи глубоко верующим человеком, Рахманинов не только сделал выдающийся вклад в развитие русской духовной музыки (Литургия св. Иоанна Златоуста, 1910, Всенощное бдение, 1916), но и в прочих своих произведениях воплотил христианские идеи и символику.

Творчество Рахманинова принято условно делить на три или четыре периода: ранний (1889—1897), зрелый (его иногда делят на два периода: 1900—1909 и 1910—1917) и поздний (1918—1941).

Стиль Рахманинова, выросший из позднего романтизма, впоследствии претерпел значительную эволюцию. Подобно своим современникам А. Скрябину и И. Стравинскому Рахманинов по крайней мере дважды (ок. 1900 и ок. 1926) кардинально обновлял стиль своей музыки. Зрелый и особенно поздний стиль Рахманинова выходит далеко за пределы постромантической традиции («преодоление» которой началось еще в ранний период) и в то же время не принадлежит ни одному из стилистических течений музыкального авангарда XX в. Творчество Рахманинова, таким образом, стоит особняком в эволюции мировой музыки XX века: впитав многие достижения импрессионизма и авангарда, стиль Рахманинова остался неповторимо индивидуальным и своеобразным, не имеющим аналогов в мировом искусстве (исключая подражателей и эпигонов). В современном музыковедении часто используется параллель с Л. ван Бетховеном: так же, как и Рахманинов, Бетховен вышел в своем творчестве далеко за пределы воспитавшего его стиля (в данном случае — венского классицизма), не примкнув при этом к романтикам и оставшись чуждым романтическому миросозерцанию.

Первый — ранний период — начинался под знаком позднего романтизма, усвоенного главным образом через стиль Чайковского (Первый Концерт, ранние пьесы). Однако уже в Трио ре-минор (1893), написанном в год смерти Чайковского и посвященном его памяти, Рахманинов дает пример смелого творческого синтеза традиций романтизма (Чайковский), «кучкистов», древнерусской церковной традиции и современной бытовой и цыганской музыки. Это произведение — один из первых в мировой музыке примеров полистилистики — словно символически возвещает преемственность традиции от Чайковского — Рахманинову и вступление русской музыки в новый этап развития. В Первой Симфонии принципы стилистического синтеза были развиты еще более смело, что и послужило одной из причин ее провала на премьере.

Период зрелости отмечен формированием индивидуального, зрелого стиля, основанного на интонационном багаже знаменного распева, русской песенности и стиля позднего европейского романтизма. Эти черты ярко выражены в знаменитых Втором Концерте и Второй Симфонии, в фортепианных прелюдиях ор. 23. Однако начиная с симфонической поэмы «Остров мертвых» стиль Рахманинова усложняется, что вызвано, с одной стороны, обращением к тематике символизма и модерна, а с другой — претворением достижений современной музыки: импрессионизма, неоклассицизма, новых оркестровых, фактурных, гармонических приемов. Центральное произведение этого периода — грандиозная поэма «Колокола» для хора, солистов и оркестра, на слова Эдгара По в переводе К. Бальмонта (1913). Ярко новаторское, насыщенное небывало новыми хоровыми и оркестровыми приемами, это произведение оказало огромное влияние на хоровую и симфоническую музыку XX века. Тематика этого произведения характерна для искусства символизма, для данного этапа русского искусства и творчества Рахманинова: в нем символически воплощены различные периоды человеческой жизни, подводящей к неизбежной смерти; апокалипсическая символика Колоколов, несущая идею Конца Света, предположительно оказала влияние на «музыкальные» страницы романа Т. Манна «Доктор Фаустус».

Поздний — зарубежный период творчества — отмечен исключительным своеобразием. Стиль Рахманинова складывается из цельного сплава самых различных, порой противоположных стилистических элементов: традиций русской музыки — и джаза, древнерусского знаменного распева — и «ресторанной» эстрады 1930-х гг., виртуозного стиля XIX века — и жесткой токкатности авангарда. В самой разнородности стилистических предпосылок заключен философский смысл — абсурдность, жестокость бытия в современном мире, утрата духовных ценностей. Произведения этого периода отличаются загадочной символикой, смысловой полифонией, глубоким философским подтекстом.

Последнее произведение Рахманинова — Симфонические танцы (1941), ярко воплощающее все эти особенности, многие сравнивают с романом М. Булгакова «Мастер и Маргарита», законченным в это же время.

Значение композиторского творчества Рахманинова огромно: Рахманинов синтезировал различные тенденции русского искусства, различные тематические и стилистические направления, и объединил их под одним знаменателем — Русским национальным стилем. Рахманинов обогатил русскую музыку достижениями искусства XX века и был одним из тех, кто вывел национальную традицию на новый этап. Рахманинов обогатил интонационный фонд русской и мировой музыки интонационным багажом древнерусского знаменного распева. Рахманинов впервые (наряду со Скрябиным) вывел русскую фортепианную музыку на мировой уровень, стал одним из первых русских композиторов, чьи фортепианные произведения входят в репертуар всех пианистов мира. Рахманинов одним из первых осуществил синтез классической традиции и джаза.

Значение исполнительского творчества Рахманинова не менее велико: Рахманинов-пианист стал эталоном для многих поколений пианистов разных стран и школ, он утвердил мировой приоритет русской фортепианной школы, отличительными чертами которой являются: 1) глубокая содержательность исполнения; 2) внимание к интонационному богатству музыки; 3) «пение на фортепиано» — имитация средствами фортепиано вокального звучания и вокальной интонации. Рахманинов-пианист оставил эталонные записи многих произведений мировой музыки, на которых учатся многие поколения музыкантов.

Государственный академический симфонический оркестр России имени Е. Ф. Светланова

Государственный академический симфонический оркестр России имени Е. Ф. Светланова — один из старейших симфонических коллективов страны, гордость отечественной музыкальной культуры. Первое выступление Госоркестра состоялось почти восемь десятилетий назад, 5 октября 1936 г., в Большом зале Московской консерватории под управлением А. Гаука и Э. Клайбера.

Во главе коллектива стояли выдающиеся музыканты: Александр Гаук (1936–1941), Натан Рахлин (1941–1945), Константин Иванов (1946–1965) и Евгений Светланов (1965–2000). Под руководством Светланова оркестр стал одним из лучших коллективов мира с огромным репертуаром, включавшим всю русскую музыку, многие сочинения западных композиторов-классиков и современных авторов. 27 октября 2005 г. Госоркестру России было присвоено имя Е. Ф. Светланова. В 2000–2002 гг. оркестр возглавлял Василий Синайский, в 2002–2011 гг. — Марк Горенштейн.

24 октября 2011 г. художественным руководителем коллектива назначен Владимир Юровский, всемирно известный дирижер, сотрудничающий с крупнейшими оперными театрами и симфоническими оркестрами, в 2001–2013 гг. — музыкальный руководитель Глайндборнского оперного фестиваля, с 2007 г. — главный дирижер Лондонского филармонического оркестра.

Концерты Госоркестра проходили на самых известных концертных площадках мира, в том числе в Большом зале Московской консерватории, Концертном зале имени П. И. Чайковского и Государственном Кремлевском дворце в Москве, Carnegie Hall в Нью-Йорке, Kennedy Center в Вашингтоне, Musikverein в Вене, Albert Hall в Лондоне, Pleyel в Париже, Национальном оперном театре Colon в Буэнос-Айресе, Suntory Hall в Токио. В 2013 г. оркестр впервые выступил на Красной площади в Москве.

За дирижерским пультом коллектива стояли Г. Абендрот, Э. Ансерме, Л. Блех, Н. Голованов, К. Зандерлинг, О. Клемперер, К. Кондрашин, Л. Маазель, Н. Малько, И. Маркевич, Е. Мравинский, Ш. Мюнш, М. Ростропович, И. Стравинский, А. Янсонс, А. Борейко, А. Ведерников, В. Гергиев, Ш. Дютуа, А. Лазарев, К. Мазур, И. Марин, В. Петренко, Г. Ринкявичюс, Г. Рождественский, А. Сладковский, Л. Слаткин, С. Сондецкис, Ю. Темирканов, М. Юровский и другие замечательные дирижеры.

С оркестром выступали выдающиеся музыканты, в числе которых певцы И. Архипова, Г. Вишневская, С. Лемешев, Е. Образцова, М. Гулегина, П. Доминго, М. Кабалье, Й. Кауфман, Д. Хворостовский, пианисты Э. Гилельс, К. Игумнов, В. Клиберн, М. Лонг, Г. Нейгауз, Л. Оборин, Н. Петров, С. Рихтер, С. Фейнберг, Я. Флиер, М. Юдина, В. Афанасьев, Б. Березовский, Е. Бронфман, Э. Вирсаладзе, Е. Кисин, Н. Луганский, Д. Мацуев, Г. Соколов, скрипачи О. Каган, Л. Коган, И. Менухин, Д. Ойстрах, М. Венгеров, В. Пикайзен, В. Спиваков, В. Третьяков, альтист Ю. Башмет, виолончелисты М. Ростропович, Д. Герингас, Н. Гутман, А. Князев, А. Рудин. В последние годы список солистов, сотрудничающих с коллективом, пополнился именами певцов В. Майер, А. Нетребко, Х. Герзмавы, А. Пендачанской, И. Абдразакова, Д. Корчака, В. Ладюка, пианистов М. Учиды, Р. Бухбиндера, скрипачей Л. Кавакоса, Ю. Фишер, Д. Хоупа. Значительное внимание уделяется также совместной работе с молодыми музыкантами, среди которых дирижеры С. Кочановский, М. Стравинский и Ф. Чижевский, пианисты Б. Абдураимов, Ф. Копачевский, Я. Лисецкий, А. Романовский, скрипачи А. Баева, А. Притчин, В. Соколов, П. Милюков, виолончелист А. Бузлов.

Впервые побывав за рубежом в 1956 г., оркестр с тех пор представлял русское искусство в Австралии, Австрии, Бельгии, Гонконге, Дании, Италии, Канаде, Китае, Ливане, Мексике, Новой Зеландии, Польше, США, Таиланде, Франции, Чехии, Швейцарии, Южной Корее, Японии и многих других странах. Особое место в репертуарной политике Госоркестра занимает реализация благотворительных и образовательных проектов.

Дискография коллектива насчитывает сотни грампластинок и компакт-дисков, выпущенных ведущими фирмами России и зарубежья («Мелодия», «Бомба-Питер», Deutsche Grammophon, EMI Classics, BMG, Naxos, Chandos, Musikproduktion Dabringhaus und Grimm, Toccata Classics, Fancymusiси другие). Особое место в этом собрании занимает «Антология русской симфонической музыки», которая включает аудиозаписи сочинений русских композиторов от М. Глинки до И. Стравинского и работу над которой Е. Светланов вел на протяжении многих лет. Записи концертов оркестра осуществлены телеканалами Mezzo, Medici, «Россия 1» и «Культура», радио «Орфей».

В течение трех минувших сезонов Госоркестр выступил на фестивалях «Площадь искусств» в Санкт-Петербурге, Crescendo в Пскове и Сочи, VIфестивале Мстислава Ростроповича и фестивале «Другое пространство» в Москве, III симфоническом форуме России в Екатеринбурге; в концертах, посвященных 70-летию снятия блокады Ленинграда и 100-летию Первой мировой войны, памяти Е. Светланова, В. Клиберна и Н. Петрова; осуществил российские премьеры произведений Л. ван Бетховена — Г. Малера, В. Сильвестрова, Р. Щедрина, Дж. Тавенера, А. Скрябина — А. Немтина, К. Орфа, Г. Гладкова, А. Батагова; принял участие в XV Международном конкурсе имени П. И. Чайковского; трижды представил в Концертном зале имени Чайковского ежегодный цикл просветительских концертов «Владимир Юровский дирижирует и рассказывает»; посетил города России, Аргентины, Бразилии, Чили, Германии, Испании, Турции. В 2014 г. Госоркестр назван газетой «Музыкальное обозрение» «оркестром года».

Выдающиеся творческие достижения оркестра по праву получили широкое международное признание и навсегда вписаны в историю мировой культуры.

Материал предоставлен пресс-службой ГАСО

лучших оркестров мира: топ-10 лучших

Гораздо легче сказать, чем сделать, чтобы выбрать всего десять лучших оркестров мира. С точки зрения качества звука, технических возможностей и чистой музыкальности следующие оркестры не имеют себе равных по своему великолепию. Тем не менее, что отличает эти оркестры друг от друга, так это их дух и подход к репертуару, их музыкальное направление и их основные исполнительские ценности. Рискуя использовать все превосходные степени словаря, вот наш путеводитель по десяти величайшим оркестрам мира.

Слушайте 100 легендарных треков LA Phil в Apple Music и Spotify и прокрутите вниз, чтобы изучить нашу подборку лучших оркестров мира.

Лучшие оркестры мира: Топ 10 лучших оркестров

Венская филармония

Престижный Венский филармонический оркестр — это имя, синоним помпезности, пышности и величия оркестровых традиций. Неизменно верный богатой истории западной классической музыки, Венский Фил на протяжении своей 177-летней истории приветствовал таких музыкантов, как Рихард Вагнер , Антон Брукнер, Иоганнес Брамс и Густав Малер.Они, пожалуй, наиболее известны своим новогодним концертом, который транслируется по всему миру 1 января каждого года, с прекрасными нотами и зажигательными исполнениями классических произведений Иоганна Штрауса.