Древнерусская роспись: Гжель, городецкая, хохломская, жостовская, мезенская роспись, лаковая миниатюра в Федоскино и Палехе.

Содержание

Гжель, городецкая, хохломская, жостовская, мезенская роспись, лаковая миниатюра в Федоскино и Палехе.

Всегда ли гжельская посуда была сине-белой, какая традиционная роспись родилась после Октябрьской революции и почему расписные шкатулки светятся? Разбираемся в секретах народных художественных промыслов.

Золотые чаши. Хохломская роспись

Золотые чаши. Хохломская роспись

Золотые чаши. Хохломская роспись

Золотые чаши. Хохломская роспись

Родиной хохломской росписи стала Нижегородская губерния. Считается, что первыми украшать деревянную посуду стали старообрядцы-иконописцы в середине XVII века. Изделия продавали в деревне Хохлома — отсюда и название народного промысла.

Мастер начинал работу с битья баклуш — готовил деревянные бруски (баклуши) из липы, осины или березы. Из них вытачивали деревянные ложки и ковши, чашки и солонки. Еще не украшенную росписью посуду называли бельем. Белье несколько раз грунтовали и просушивали, а потом расписывали в желтых, красных и черных тонах. Популярными мотивами были растительные орнаменты, цветы, ягоды, кружевные веточки. Лесные птицы на хохломской посуде напоминали крестьянам Жар-птицу из русских сказок, они говорили:

«Пролетала Жар-птица мимо дома и задела крылом чашу, и стала чаша золотой».

После нанесения рисунка изделия два-три раза покрывали олифой, втирали в поверхность оловянный или алюминиевый порошок и сушили в печи. После закалки жаром они приобретали медовый оттенок и действительно сияли, словно золотые.

В начале XVIII века посуду стали привозить на Макарьевскую ярмарку, куда съезжались продавцы и покупатели со всей России. Хохломские изделия оказались известны всей стране. С XIX века, когда на нижегородскую ярмарку начали съезжаться гости со всей Европы и Азии, расписная посуда появилась во многих уголках мира. Русские купцы продавали изделия в Индии и Турции.

Снежный фон и синие узоры. Гжель

Снежный фон и синие узоры. Гжель. Фотография: rusnardom.ru

Снежный фон и синие узоры. Гжель. Фотография: gzhel-spb.ru

Снежный фон и синие узоры. Гжель. Фотография: Сергей Лаврентьев / Фотобанк Лори

Гжельская глина известна со времен Ивана Калиты — с XIV века. Местные мастера создавали из нее «сосуды для аптекарских нужд», посуду и детские игрушки. В начале XIX века в Гжельской волости появились заводы, на которых изготавливали фарфор. Первое предприятие здесь основал в 1810 году купец Павел Куличков. Сначала роспись по фарфоровой посуде была цветной, но в середине XIX века в Россию пришла мода на бело-голубые голландские изразцы и китайский фарфор тех же оттенков. Вскоре синие узоры на снежном фоне стали отличительной чертой гжельской росписи.

Чтобы проверить качество фарфора, перед росписью изделие окунали в фуксин — красную анилиновую краску. Фарфор окрашивался в ровный розовый цвет, и на нем была заметна любая трещинка. Мастера рисовали кобальтовой краской — до обжига она выглядит черной. С помощью особых техник, работая только кистью и краской, художники создавали более 20 оттенков синего цвета.

Гжельские сюжеты — это пышные розы (их здесь называли «агашками»), зимние пейзажи, сцены из народных сказок. Дети катаются на санках, Емеля ловит щуку в пруду, деревенские жители празднуют Масленицу… После нанесения рисунка посуду покрывали глазурью и обжигали. Розовые изделия с черными узорами приобретали свой традиционный вид.

Светящиеся броши и шкатулки. Федоскинская лаковая миниатюра

Светящиеся броши и шкатулки. Федоскинская лаковая миниатюра

Светящиеся броши и шкатулки. Федоскинская лаковая миниатюра

Светящиеся броши и шкатулки. Федоскинская лаковая миниатюра

История Федоскинской лаковой миниатюры берет начало в XVIII веке. Купец Петр Коробов в 1795 году основал в подмосковной деревне Данилково (рядом с селом Федоскино) фабрику. Здесь из папье-маше изготавливали козырьки для военных фуражек. Когда в страну пришла европейская мода на табакерки, на фабрике стали выпускать табакерки и шкатулки.

Вскоре ассортимент расширился — появились пудреницы, броши и коробочки для чая. Сначала их украшали печатными рисунками-гравюрами, а позже стали расписывать масляными красками и покрывать лаком. Художники во время работы добавляли в краски металлический порошок — так цвета становились «светящимися». Традиционными мотивами федоскинской миниатюры стали русская тройка, пейзажи, сказочные сюжеты и сцены из народной жизни: гулянья, пляски и чаепития.

На изящные миниатюрные изделия давали гарантию в 100 лет: при высушивании папье-маше становилось тверже дерева, а сияющие краски не тускнели годами. Секрет заключался в том, что лак для миниатюр выдерживали на солнце. Этим «прокаленным» составом мастер покрывал каждое изделие до 30 раз.

Читайте также:

Три мира узоров. Мезенская роспись

Три мира узоров. Мезенская роспись. Фотография: patlah.ru

Три мира узоров. Мезенская роспись. Фотография: open-collection.com

Три мира узоров. Мезенская роспись. Фотография: patlah.ru

Мезенская роспись появилась в XIX веке в низовьях реки Мезень Архангельской губернии. Самое древнее изделие с мезенскими узорами — расписная прялка — относится к 1815 году. Местные жители украшали сундуки, туеса (круглые берестяные короба) и посуду — ковши, чаши, бочонки и тарелки. К началу ХХ века центром мезенской росписи по дереву стала деревня Палащелье.

Подготовленную посуду мезенские мастера расписывали охрой по чистому негрунтованному дереву с помощью особой деревянной палочки — тиски. Пером глухаря или тетерева делали черную обводку, а потом уже наносили красные и черные узоры кисточкой. Мастер делил рисунок на три части: небо, землю и подземный мир. Их границы он обозначал прямой линией, узоры располагал в строгом порядке. Главными элементами росписи были животные и птицы: конь, олень и утка. Обрамляли рисунки геометрические орнаменты из прямоугольников и ромбов, дисков и решеток.

Мезенской росписью по традиции занимались только мужчины, навыки мастера передавали по наследству. Сначала начинающему художнику рассказывали о символах и их сочетаниях в узоре, учили размечать изделие и наносить контуры. Прежде чем рисовать орнаменты, будущие умельцы долго тренировались — писали палочки и линии.

«Здесь живут подносами». Жостовская роспись

«Здесь живут подносами». Жостовская роспись. Фотография: art.mirtesen.ru

«Здесь живут подносами». Жостовская роспись

«Здесь живут подносами». Жостовская роспись. Фотография: art.mirtesen.ru

Роспись по металлу зародилась в подмосковной деревне Жостово. В 1825 году Филипп Вишняков открыл первую «лакерную мастерскую». В ней изготавливали и расписывали табакерки, шкатулки и подносы из папье-маше. Осип Вишняков продолжил отцовское дело, но папье-маше заменил металлическими изделиями. В 1830-е в деревне появились новые фабрики декоративной росписи, на которых художники украшали подносы букетами цветов. Нарядные изделия быстро обрели популярность.

Главным мотивом жостовской росписи стал цветочный букет на черном фоне. Традиционно мастера выполняли четыре вида рисунков: «Букет собранный», «Букет враскидку», «Венок» и «Ветка с угла». В центре изделия художники обычно располагали яркие крупные растения. Тень и мелкие цветы по краям рисунка создавали иллюзию объема. Чтобы рисунок светился изнутри, мастера добавляли в краски металлический порошок, сусальное золото или делали вставки из перламутра.

«Здесь живут подносами, ими мыслят и только о них рассуждают», — говорили о Жостово. Все в деревне напоминает о народном промысле: даже вместо адресных табличек используют расписные подносы с номерами домов. Так же мастера изготовили и указатели к деревне.

Конь-качалка, конь-каталка. Городецкая роспись

Конь-качалка, конь-каталка. Городецкая роспись. Фотография: Фотобанк Лори

Конь-качалка, конь-каталка. Городецкая роспись. Фотография: Фотобанк Лори

Конь-качалка, конь-каталка. Городецкая роспись. Фотография: Фотобанк Лори

Городецкая роспись известна со второй половины XIX века. В 1870 году на Поволжье, в деревню Курцево Городецкой волости, приехал иконописец Николай Огуречников. Он научил местных ремесленников изготавливать краски и оживлять рисунок штрихами белого цвета. Сначала художники расписывали донца — плоские дощечки, на которых сидели домашние хозяйки, когда пряли шерсть и лен. Украшенное резьбой и цветным рисунком донце служило и как украшение интерьера.

Городецкая роспись отличалась контрастными яркими цветами. Художники изображали вороных коней с длинными шеями и тонкими ногами, петухов с гордо поднятой головой и пышным хвостом, рисовали сценки из купеческой жизни — семейные чаепития, прогулки барышень с кавалерами. Обязательный элемент расписного городецкого изделия — объемные букеты и венки из розанов, ромашек, купавок.

Цветными рисунками украшали ложки и шкатулки, ларцы и хлебницы, мебель и ставни. Также умельцы изготавливали из деревянной щепы и расписывали детские игрушки: куколок, лошадки-качалки и даже миниатюрные наборы для маленьких хозяюшек — прялки, веретенца, утюжки. Особо популярен был конь-каталка. В расписные саночки впрягали деревянных лошадей, в повозку усаживали кучера. Игрушечных дел мастера не использовали в работе ни клей, ни гвозди: с ювелирной точностью они подгоняли детали, которых иногда было более тридцати. «Чтоб изготовить каталку, надо с бесами знаться»

, — говорили в Городце.

«Чудо, созданное революцией». Палехская лаковая миниатюра

«Чудо, созданное революцией». Палехская лаковая миниатюра. Фотография: palekh.su

«Чудо, созданное революцией». Палехская лаковая миниатюра. Фотография: lacquerbox.ru

«Чудо, созданное революцией». Палехская лаковая миниатюра. Фотография: kanon-tradition.ru

История палехской лаковой миниатюры начинается в XVIII столетии. В те годы художники-иконописцы из небольшого села Палех во Владимирской губернии были известны всей России. С 30-х годов XIX века до Октябрьской революции здесь работали иконописные мастерские.

Родоначальником палехского стиля считается Иван Голиков — в 1920 году он создал первую лаковую миниатюру «Адам в раю». В 1924 году в Палехе открылась Артель древней живописи, а спустя год художники получили Гран-при на Всемирной выставке декоративных искусств в Париже.

Палехские мастера создавали шкатулки, броши, портсигары, табакерки. Они использовали в работе иконописные приемы: писали на черном фоне темперными красками, изготовленными на основе яичного желтка и воды, и твореным золотом (так называли золотой порошок, разведенный в воде). Основными сюжетами были сцены из сельской жизни, былин и русской литературы. Вдохновляли мастеров герои народных и авторских сказок: Иван-царевич и Жар-птица, Серебряное Копытце и царь Салтан.

«Когда мы организовывали артель, у нас на семь человек было только одно собрание сочинений Пушкина… Этим в значительной степени объясняется тот факт, что большинство своих миниатюр мы писали на пушкинские сюжеты».

В 1932 году палехские художники встретились с Максимом Горьким, который назвал палехскую лаковую миниатюру «одним из чудес, созданных Октябрьской революцией». По его просьбе Иван Голиков нарисовал миниатюры для подарочного издания «Слова о полку Игореве».

Русские народные росписи и ремёсла

Мезенская роспись

Мезенская роспись по дереву или палащельская роспись — тип росписи домашней утвари — прялок, ковшей, коробов, братин, сложившийся к началу XIX века в низовьях реки Мезень. Самая древняя датированная прялка с мезенской росписью относится к 1815 году, хотя изобразительные мотивы подобной росписи встречаются в рукописных книгах XVIII века, выполненных в мезенском регионе. По стилю мезенскую роспись можно отнести к наиболее архаичным видам росписи, дожившим до XX века. Предметы густо испещрены дробным узором — звёздами, крестиками, чёрточками, выполненным в два цвета: чёрный — сажа и красный — «земляная краска», охра. Основные мотивы геометрического орнамента — солярные диски, ромбы, кресты — напоминают аналогичные элементы трёхгранно-выемчатой резьбы.

Похлов-Майданская роспись

Полхов-майданская роспись – один из самых молодых художественных промыслов России. Свое название он получил от большого села Полховский Майдан на юге Нижегородской области. Почти в каждой семье тут занимаются изготовлением и продажей деревянных расписных игрушек. Полхов-майданская игрушка или как ее называют сами мастера «тарарушка», появилась в конце 1920-х годов. С 1960-х годов подобную игрушку стали делать жители поселка Крутец, расположенного неподалеку от села Полховский Майдан Основные мотивы узоров этой росписи – цветы: роза, мак, ромашка, тюльпан, шиповник. Есть и сюжетная роспись. Чаще всего это сельский пейзаж с речкой, домиками, церковью и мельницей на берегу, а также обязательной красной зарей на небе.

Пижемская роспись

Пижемская роспись известна с XVII века. Одна из древнейших росписей Русского Севера. Северная река Печора и ее притоки Цильма, Пижма и другие — места, где в XIX-начале XX в. существовал небольшой центр графической росписи. На формирование стиля пижемской росписи сильнейшее влияние оказала рукописная традиция староверов со времен Аввакума. Здесь были целые династии переписчиков дониконовских книг, известных по всей Печоре; они и положили начало своеобразной пижемской росписи. Пижемская роспись выполнялась акварельными красками — красной, зеленой, желтой, черной. Основна пижемской росписи — это геометрический орнамент, выполненный черной краской (сажа с использованием смолы лиственницы) в виде ромбов, крестов, точек и т.д., с незначительным добавлением красной и зеленой краски.


Гуслицкая роспись

Гуслицкая роспись восходит к XVII столетию. Просуществовала эта роспись до XX века, когда рукописная книга была вытеснена печатной. Гуслица — так с давних пор называлась подмосковная местность в юго-восточной части по реке Гуслице, впадающей в Москва-реку (территория части современного Орехово- Зуевского и Егорьевского районов Московской области). В Гуслицах получили развитие иконопись, культовая меднолитая пластика, шитье. В 60-70-х гг. XIX в. в слободе Абрамовке функционировала подпольная старообрядческая типография крестьянина Е.П.Пискунова. В районе Гуслиц было широко распространено искусство переписки и украшения книг. Особенно известны были певческие рукописи гуслицкой работы. «Гуслицкая» манера оформления книг сложилась к последней четверти XVIII в. Специфика росписи — сияющие краски: синий, голубой, розовый, бирюзовый, в сочетании с обильным золочением.

Ракульская роспись

Ракульская роспись появляется в первой половине XIX века в селе Ульяновская, стоящее на месте впадения речки Ракулки в Северную Двину (ныне Красноборский район Архангельской области). Орнамент ракульской росписи очень близок к графике миниатюр знаменитых Выговских рукописей — богослужебных и наставительных книг, изготовлявшихся старообрядцами.В росписях Ракулки доминируют, как правило черный и золотисто-охристый цвета, которым сопутствуют насыщенный зеленый и коричнево-красный. Цветовой колорит очень строг и гармоничен, пластика элементов лаконична. Элементы ракульского орнамента крупны, их форма ограничивается четким чёрным контуром. Мелкие декоративные элементы — виньетки и прожилки исполняются черным или белым цветами: белым преимущественно рисуются прожилки листьев, бегущие по насыщенному цветовому фону.

Шекснинская роспись золоченка

«Шекснинская золоченка» является одной из традиционных росписей Русского Севера. Она украшала крестьянские предметы быта и была распространена на небольшой территории – в южной части Шекснинского района Вологодской области. Местные жители называли роспись «золоченкой». Это название и вошло в научный оборот вновь открытого центра народных росписей. Роспись графическая, цветовой строй ее основан на сочетании красного, золотого и черного цвета традиционного для древнерусской иконописи.Причудливые растения с диковинными листьями, цветами и плодами, на ветвях которых сидят гордые птицы с орлиным взглядом и с хвостом, иногда переходящим в растительный узор, – вот основные мотивы этой росписи. Истоки шекснинской золочёнки имеют корни в древнерусской культуре, напоминают орнаменты икон и рукописных книг.

Хохломская роспись

Хохлома представляет собой декоративную роспись деревянной посуды и мебели, выполненную красным, зеленым и чёрным тонами по золотистому фону[1]. На дерево при выполнении росписи наносится не золотой, а серебристо- оловянный порошок. После этого изделие покрывается специальным составом и три-четыре раза обрабатывается в печи, чем достигается медово-золотистый цвет, придающий лёгкой деревянной посуде эффект массивности. Роспись выглядит ярко, несмотря на темный фон. Для создания рисунка используются такие краски, как красная, жёлтая, оранжевая, немного зелёной и голубой. Также в росписи всегда присутствует золотой цвет. Традиционные элементы Хохломы — красные сочные ягоды рябины и земляники, цветы и ветки. Нередко встречаются птицы, рыбы и звери.

Борецкая роспись

Бо́рецкая роспись — русский народный художественный промысел, роспись по дереву. Существует с XVIII века. Вначале существовал один центр росписи — село Борок (Шенкурский уезд) в среднем течении реки Северная Двина (возникло на берегу Двины при заселении Двинского края новгородцами в XI—XII веках). Наиболее часто используемые цвета в росписи: красный, зеленый, коричневый, оранжевый, желтый. Орнамент состоит из ромбиков, кружочков, капелек, треугольников. Все элементы обводятся черным контуром. Символ борецкой росписи — Древо жизни. Огромный цветок с прямым стеблем, вокруг которого изображаются цветы, птицы, ягоды, изящные листья. Мотивами композиции могли служить жанровые сценки: чаепития, гуляния.

 

Петербургская роспись

Петербургская роспись возникла на основе изучения подносов, созданных в 19 веке в Петербурге. Характеризуется особой изысканностью. Белые цветы с золотыми листьями на черном фоне. Листья и цветы пишутся особыми, полупрозрачными мазками. Создается особая атмосфера Петербурга — города белых ночей. Основными мотивами рисунка являются цветы: нарциссы, пионы, ромашки; композиция характеризуется изяществом и динамизмом. Особым приёмом можно считать активное использование фона, как дополнительного изобразительного элемента. Белый и золотой полупрозрачные мазки кладутся так, чтобы проявляющийся фон создавал неповторимую атмосферу загадочности. Сейчас это малоизвестный вид бытового искусства. А в конце XIX — начале XX века на черном фоне подносов начали распускаться белые, полупрозрачные цветы с золотыми листьями.

Городецкая роспись

Городецкая роспись — русский народный художественный промысел. Существует с середины XIX века в районе города Городец. Яркая, лаконичная городецкая роспись (жанровые сцены, фигурки коней, петухов, цветочные узоры), выполненная свободным мазком с белой и черной графической обводкой, украшала прялки, мебель, ставни, двери. В нижегородских росписях можно различить два типа — павловские и городецкие росписи. Городецкая роспись держит свое начало от резных городецких прялок, : фигуры вырезались из дерева другой породы и вставлялись в соответствующее по форме углубление. Вставки, сделанные из темного мореного дуба, рельефно выделяются на светлой поверхности донца. Располагая всего двумя оттенками дерева и несложным инструментом, народные умельцы превращали поверхность доски донца в настоящую картину.

Жостовская роспись

Жо́стовская ро́спись — народный промысел художественной росписи металлических подносов, существующий в деревне Жостово Мытищинского района Московской области. Считается, что жостовская роспись переняла традицию рода Демидовых расписывать жестяные подносы, которая была распространена на Урале, а именно на Тагильском и Выйском заводских посёлках. Заводчики Демидовы внедряли там этот промысел. Возникновение жостовского расписного подноса связывается с фамилией братьев Вишняковых. История Жостово и жостовского промысла восходит к началу XIX века, когда в ряде подмосковных сел и деревень бывшей Троицкой волости (ныне Мытищинский район Московской области) — Жостово, Осташкове, Хлебникове, Троицком и других — возникли мастерские по изготовлению расписных лакированных изделий из папье-маше. Основной мотив жостовской росписи, как и тагильской, — это цветочный букет.

Гжельская роспись

Гжель — один из традиционных российских центров производства керамики. Более широкое значение названия «Гжель», являющееся правильным с исторической и культурной точки зрения, — это обширный район, состоящий из 27 деревень, объединённых в «Гжельский куст». «Гжельский куст» расположен примерно в шестидесяти километрах от Москвы по железнодорожной линии Москва — Муром — Казань. Сейчас «Гжельский куст» входит в Раменский район Московской области. До революции этот район относился к Богородскому и Бронницкому уездам. Само название «Гжель» имеет балтийские корни и относится скорее к природным особенностям региона, чем к процессу обжига изделий в гончарном производстве. Наиболее близко слово «гжель» к древне-прусскому звучанию слова «кустарник», с некоторыми отличиями прижившемуся во всех балтийских языках.

Русская народная роспись разновидности. Русские народные промыслы

Каждый без труда сможет назвать хохлому и гжель. Но вот о том, что видов русской народной росписи намного больше, знают немногие. В этой статье будут описаны наиболее известные стили декорирования.

Общая информация

Художественная роспись — это искусство декорирования поверхности при помощи красок. Роспись за недолгий промежуток времени стала частью повседневной жизни человека.

Русские народные стили росписи использовались для декорирования различных изделий. Расписывали как дерево и керамику, так и металл. По этому критерию можно разделить на три группы.

1. Основа — дерево. К этому виду искусства относятся:

  • Хохлома.
  • Федоскинская.
  • Роспись Северной Двины.
  • Прикамская роспись.
  • Мезенская.
  • Палех.

2. Основа — керамика. К этому виду искусства относится:

3. Основа — металл, который использовался для изготовления подносов. К нему относится:

Как можно видеть, наиболее популярна русская народная роспись по дереву. И это вполне понятно.

Самые известные виды русской народной росписи будут описаны ниже. Среди них хохлома, гжель, жостовская и городецкая роспись.

Хохлома

Самая, пожалуй, известная русская народная роспись — хохлома. Уникальна роспись тем, что благодаря специальной обработке в печах изделия не портятся даже от горячей пищи. Таким образом, дерево приобретает свойства керамики.

История

Этот русский народный стиль уходит корнями еще в 17 век в одноименную деревню, которая располагалась в области Нижнего Новгорода. Согласно одной из версий, сама идея хохломского промысла была принесена старообрядцами, которые спасались от гонений за «старую веру». Среди таких людей была немало иконописцев. К началу 18 века это место становится настоящим художественным сокровищем.

В настоящее время хохлома «переехала» в село Семино и город Семенов. Здесь до сих занимаются росписью, но уже в фабричных масштабах.

Элементы русской народной росписи

Красный, черный и золотой — три основные цвета, а желтый и зеленый цвета использовались в качестве дополнительных и в небольшом количестве. Кисти делаются из беличьих хвостов. Именно этот материал дает возможность провести тонкую линию.

Расписывать изделия могут двумя способами. Первый способ — сначала полностью черной краской закрашивается фон, а сверху наносится рисунок. Второй способ — сначала наносится контур орнамента, только после этого закрашивается фон.

Если внимательно посмотреть различные работы, выполненные в стиле хохлома, то можно выделить несколько основных узоров:

  • Осочки. Для этого узора нужно легко провести кончиком кисти сверху вниз.
  • Травинки. Элемент выглядит как небольшой мазок кистью с плавным утолщением.
  • Капельки.
  • Усики.
  • Завитки.
  • Кустик. Рисовался путем комбинаций осочек, травинок, капелек, усиков и завитков. Причем элементы всегда располагались симметрично друг другу.
  • Ягодки. В основном рисовали бруснику, смородину, рябину, клубнику или крыжовник.

Технология изготовления

В самом начале создавали деревянную основу. По большей части это были предметы быта: ложки, чаши и так далее. Такая основа называлась «белье». После просушки основу покрывают специально очищенной глиной и оставляют сушить на 7-8 часов. В процессе сушки изделие несколько раз покрывают маслом льняного семени.

Следующий шаг называется «лужение». В изделие втирают алюминиевый порошок специальным тампоном, сделанным из овечьей кожи. После этой процедуры предмет приобретает блеск и готов к росписи.

Гжель

Не менее известная русская народная роспись — гжель, в которой для рисования узоров используются только всевозможные оттенки синего цвета на белом фоне.

История

Название русской народной росписи гжель происходит из района Гжельский куст. Это объединение более 20 деревень в Московской области. Первое упоминание об этом виде русской народной росписи было в 14 веке во время правления Ивана Калиты. Изначально Гжель была цветной, но в 19 веке пришла мода на голландские изразцы и китайский фарфор. Выполнены изделия были в бело-голубых тонах. Вскоре это стало неотъемлемой чертой русского узора.

Основные сюжеты

Центральными героями почти всех изделий, выполненных в стиле гжель, становятся птицы, петухи или цветы. Сюжеты мастера русского узора берут из окружающей их среды. При этом сама роспись и форма изделия не противоречат друг другу, а составляют единое целое, дополняя друг друга.

Технология изготовления

Перед росписью обязательно проверялось качество фарфора. Изделие окуналось в фуксин. Таким образом фарфор окрашивался в розовый цвет, и на нем можно было рассмотреть малейшие трещины.

Как правило, мастера использовали краску на основе кобальта. До обжига изделия она была черная. В работе мастеру нужны были только кисть и краска. Но, используя различные техники, создавалось более 20 оттенков синего.

который использовался для декорирования металлических подносов. Существуют они и по сей день в деревне Жостово, которая находится в Московской области.

История

История жостовской росписи начинается в начале 19 века в ряде деревень Троицкой волости. Здесь появлялись первые мастера по росписи лакированных изделий, сделанных в технике папье-маше.

Возникновение привычного напрямую связано с братьями Вишняковыми. Благодаря их лавке производство подносов увеличилось. Начали появляться первые вещи, сделанные из металла. Они постепенно вытеснили другие поделки из папье-маше.

Основные сюжеты

В жостовской росписи главными персонажами работ являются цветы и растительные орнаменты. Иногда изображают сцены бытовой жизни, пейзажи, сценки гуляний, свадеб и так далее. Но самым распространенным считается изображение букета, который располагается в середине подноса, по краям которого идет мелкий золотой узор. Обычно в букете было несколько довольно больших цветов, окруженных россыпью более мелких.

Технология

Применялись подносы для двух целей: для бытового использования (в качестве подставки под самовар или для подачи пищи) и в качестве элемента интерьера. Материалом для изготовления подноса служит обыкновенное листовое железо. Форма же готового изделия может быть любой: круглой, прямоугольной овальной и т. д. Перед нанесением узора изделие проходит несколько важных этапов:

  • Грунтование.
  • Шпаклевание.
  • Шлифовку.
  • Лакировку.

Благодаря этому поверхность подноса становится идеально ровной. Для росписи используются масляные краски. По окончании работы изделие покрывается несколькими слоями бесцветного лака.

Непосредственно сама роспись выполнялась в несколько этапов:

  • Этап 1. Фон. На этом этапе выбирается основной цвет. Он будет использоваться в качестве фона. Отдавалось предпочтение черному цвету, но могли использовать белый, красный, синий и т. д.
  • Этап 2. Замаленок. На этом этапе делается основа будущего узора. Разбавленной краской мастер наносит очертания будущей композиции в соответствии со своей идеей. После этого подносы отправляют сушить в печь на несколько часов.
  • Этап 3. Тенежка. На этом этапе мастер, используя полупрозрачные краски, наносит тени на цветы. Тем самым делая их объемными.
  • Этап 4. Прокладка. Это самый ответственный этап. Сейчас мастер начинает уточнять многие детали, высветлять и реализовывать контрастный или же более гармоничный строй своей композиции.
  • Этап 5. Бликовка. На этом этапе при помощи бликов появляется свет и больший объем на лепестках цветов. Бликовка нужна для создания настроения и колорита.
  • Этап 6. Чертежка. Это последний этап работы над созданием букета. Используя очень тонкую кисть, мастер рисует едва заметные прожилки на листьях растения, делает кружевной край на листочках и семена в центре цветка.
  • Этап 7. Привязка. Этот этап является предпоследним в жостовской росписи. Художник рисует тончайшие стебельки, травинки и усики, исходящие от самого букета. Таким образом мастер устанавливает связь между букетом и фоном.
  • Этап 8. Уборка. На этом этапе украшается борт подноса. Обычно для этой цели используется геометрический или растительный узор. Стиль уборки зависит от желания мастера. Она может быть достаточно скромной и состоять из одного повторяющегося элемента, а может быть оформлена богато и разнообразно. Если пропустить этот этап, то изделие будет выглядеть незаконченным.

Так можно найти бесконечные варианты схожих мотивов. Но вы никогда не сможете найти точных копий или повторений.

Русская народная городецкая роспись существует с середины 19 века. Яркая и необычная, она служила украшением прялок, мебели, ставней и дверей.

История

Намеки на городецкую роспись можно заметить в резных прялках. В Городце они были уникальны тем, что донце (место, куда садилась пряха) украшалось при помощи особой техники. В углубления вставляли вырезанные из другой породы деревянные фигурки. Всего два вида дерева позволяли городецким мастерам создавать потрясающие произведения искусства. Позже к этому добавилась подкраска.

Во второй половине 19 века потребность на такие изделия возросла, что побудило мастеров отказаться от инкрустации дерева как сложной техники, перейти к простым живописным элементам.

Основные сюжеты

Нижегородская роспись делится на два типа: павловская и городецкая. Ими украшали сундуки, дуги, сани и так далее.

Городецкая русская народная роспись отличается содержательностью. Здесь можно увидеть самые различные сюжеты. По большей части это были ситуации бытового характера. При этом большую часть сюжета отводили под цветочные мотивы. Также можно встретить птиц и животных в роли главных героев росписи. Они могут быть как стилизованные, так и реалистичные. Как правило, изображения были симметричными, при этом животные или птицы смотрели друг на друга.

Для этой росписи характерно использование кругов-подмалевок, спиралей, капель, дуг, скоб, штрихов и точек. При этом последние типы узоров наносятся художником на завершающем этапе, чтобы «оживить» свою работу.

В росписи используется не так много цветов: красный, зеленый, синий и черный. Изображения наносятся на дерево без предварительного рисунка. Узоры наносятся сразу кистью, при этом мастер может использовать как широкие и свободные мазки, так и тончайшие штрихи.

Технология

Для создания росписи используют темперу — краску, которую изготавливают на основе сухих пигментов в виде порошка. При этом она может создаваться как из натуральных материалов, так и из их искусственных аналогов. Иногда используют смешения гуаши с клеем ПВА. Но нужно учитывать, что при высыхании цвет становится белесым. Поэтому перед тем как наносить следующий слой, дают высохнуть предыдущему.

Роспись совершается сразу на деревянной основе. При желании ее грунтуют красной, желтой или черной краской. Будущую композицию можно наметить тонкой линией при помощи простого карандаша. Но художники с большим опытом, как правило, пропускают этот этап и сразу же наносят узор кистью.

После полного высыхания рисунка изделие покрывается прозрачным лаком в несколько слоев, каждый из которых тщательно просушивается. Используют либо масляный лак, который наносится специальным тампоном, либо нитролак, для которого нужна помощь краскопульта. Это обеспечивает ровность и гладкость готового изделия. Такое покрытие нужно, чтобы защитить изделие от химических или механических повреждений.

Русская народная роспись сегодня

Даже в 21 веке роспись не теряет свою актуальность. Расписные изделия — это не просто часть интерьера. Многие из них имеют широкую функциональную нагрузку и активно используются в повседневной жизни. Например, нарезка продуктов на украшенной разделочной доске или же хранение хлеба в хлебнице, которая расписана мастером своего дела, все так же актуальны.

Расписные изделия внесут свой колорит даже в скромное помещение, сделав его уникальным. Но не стоит перегружать квартиру такими вещами, так как многие из них выглядят очень ярко. Будет достаточно двух-трех.

Также разные виды русской народной росписи активно используются для украшения стен, колонн, бордюров и других элементов интерьера. Подобное решение отлично смотрится в детской комнате или на кухне, так так сделает обстановку более яркой и положительной.

Хохлома — это лишь малая часть богатого культурного наследия русского народа

Значение художественного творчества в культуре любого народа сложно переоценить. Это именно то, что на протяжении веков вбирает в себя традиции, особенности этники, делает нацию неповторимой, узнаваемой и богатой духовно. На Руси из поколения в поколение передавались тайны и секреты технического и технологического мастерства. С течением времени искусство совершенствовалось, так рождались народные промыслы, которые в современном мире, без преувеличения, возведены в ранг искусства. Одним из наиболее совершенных художественно народных промыслов считается хохлома, причудливые переплетения которой известны и любимы далеко за пределами России.

Истоки промысла

Знаменитая роспись хохлома не только выглядит сказочно, но и рождение такого искусства окружено легендами и оплетено волшебством.

Хохлома — это красочная и весьма детальная роспись

Известно, что хохлома — русский народный промысел, истоки которого берут свое начало в округе славного и величавого Великого Новгорода. В связи с появлением знаменитой росписи есть легенда. Давно, на берегу живописной реки, в нижегородской округе, жил умелец с «золотыми руками». Он искусно вырезал из дерева ложки-плошки, а потом раскрашивал их волшебным образом, да так, что всем казалось, будто они сделаны из чистого золота! Слава о народном умельце быстро разнеслась по округе, а потом докатилась и до самого царя. Правитель был рассержен, почему такой талантливый мастер, и вдруг не у него в услужении при дворе. Послал тогда царь служивых в глухие леса, чтоб доставить искусника ко двору. Искали прислужники мастера, а он словно сквозь землю провалился. А случилось следующее: умелец волшебным образом узнал, что идут за ним слуги царя, и скрылся из виду, да так, что никогда его больше и не видели. Но перед уходом обучил он своему мастерству добрых людей, чтобы в каждой избе плошки да ложки сверкали золотом.


Русский народ украшал хохломой посуду, столовые приборы и многое другое

На самом деле же есть научный факт, что роспись по дереву и особую технологию принесли на Заволжье раскольники, которые бежали, спасаясь от жестокого царского гнета. Среди беглых раскольников было немало искусных умельцев, иконописцев, художников. Они и научили местное население такой необыкновенной росписи. Красиво раскрашенную посуду продавали в большом торговом селе, которое называлось Хохлома. Когда у купца спрашивали, откуда он привез такое диво, он охотно отвечал: «Из Хохломы!». С тех пор так и повелось именовать необычайно красивую, в русском народном стиле, роспись хохломой.


Резьба по дереву и роспись под хохлому по сей день являются достаточно популярным русским ремеслом в некоторых районах

Особенности промысла

Любой народный промысел является неотъемлемой частью декоративно-прикладного искусства. Главная особенность хохломской росписи — это неповторимый золотой отлив. Интересный факт, что на самом деле в росписи нет ни капли настоящего золота.


Золото хохломы выглядит очень богато

Россыпь красок, чудные орнаменты, глубокий смысл каждого рисунка и символизм — все это выделяет искусство росписи в народном стиле. Каждый промысел имеет свои особенности, которые и делают искусство рисунка узнаваемым во всем мире, хохлома не исключение.


Роспись хохломой довольно разнообразна

Характерные черты следующие:

Такого уникального эффекта добиваются при помощи особых технологий, основы которых неизменны на протяжении нескольких веков.

Ручная роспись под хохлому

Технология создания

Так исторически сложилось, что Русь во все времена славилась народными умельцами, слава о которых шла далеко за ее пределы. Все дело в том, что наши предки умели не только создавать, но еще и сохранять все традиции, передавая их своим потомкам. Именно поэтому каждый промысел — это не только невероятная эстетика, но еще и строгая технологичность процесса создания народного шедевра. Все дело в особых секретах и правилах, которым мастера следуют и сегодня:


Хохлома состоит их множества традиционных художественных приемов и техник, зная секреты и особенности которых можно выполнить ее самостоятельно. Деревянная посуда, которую украшает роспись в хохломском стиле, — это не только красиво, но еще практично и экологично.


Роспись под хохлому позволяет создавать такие вот шедевры

Такая роспись — это классика народного промысла. Те, кто знает толк в искусстве, именуют промысел «золотой осенью». И действительно, палитра, блеск, невероятно душевный и понятный каждому рисунок, — все это пронизано теплом и свежестью ясного осеннего дня.

В чем секрет такого уникального искусства? Все дело в том, что при нанесении рисунка используется определенная цветовая гамма. Это обусловлено тем, что истоком хохломской росписи стала иконопись, поэтому многие цвета в таких разных промыслах все же перекликаются между собой. Традиционные цвета представлены золотом, оттенками красного, черным. Иногда узор дополняется желтым, зеленью, коричневым оттенком или белым. Чтобы рисунок был фактурным, четким и ярким, по традиции для росписи используются краски с масляной основой. Нанесение рисунка — процесс творческий, требует не только соответствующего состояния души, но и определенных знаний.

Виды росписи

Точки расцвета народный русский промысел достиг в XVIII веке. Этот период был действительно благодатным для творческого развития народа. Хохлома в это время уже оформилась, появилась классификация видов хохломского промысла.


Старинные изделия с хохломой можно найти в многочисленных музеях

Основными типами хохломского письма являются верховой и фоновый. Каждый имеет свою технологию и особенности. Верховой тип письма выполнялся на пролуженной поверхности, мазки при нанесении красок мягкие, пластичные, в итоге творческой работы создается ажурная хохлома. Верховой тип росписи делиться на несколько видов орнамента:



Красивая хохлома под ягодку

    Орнамент «пряник». Традиционный стиль художественного письма характеризуется вплетением орнамента в геометрическую фигуру. Это может быть круг, квадрат или ромб, посередине которого выполняется стилизованный рисунок в виде солнца. Такой вид верховой росписи более простой в техническом исполнении, нежели травяной или ягодный. Его главная уникальность в том, что он напоминает оригинальное солнце с лучами, которое всегда находится в движении.

Кроме верхового письма, хохломская роспись может быть фоновой. Из названия становится понятно, что перед нанесением рисунка обязательно наноситься фон. Как правило, это красный или черный цвет, а вот рисунок на нем остается золотым. Такой вид письма делится на два вила: роспись Кудрина или «под фон».


Фоновая хохлома прекрасно смотрится на посуде

Техника «под фон» сложна в исполнении и требует определенного уровня мастерства, но такие изделия имеют наивысшую ценность. Особенностью фоновой росписи Кудрина является стилизованное изображение цветов, завитков или плодов. Главную роль в орнаменте играет контурная линия.


Роскошная роспись фоновой хохломой

Все виды хохломского письма необычайно художественны, орнамент напоминает невероятной красоты ковер или полотно. На самом деле, выполнить такую роспись своими руками можно самостоятельно, не обладая художественными сверхвозможностями. Специалисты утверждают, что главная задача — это «набить руку», то есть, тренировать выполнение всевозможных мазков, уловить нажим кисти и нюансы техники.

Мастер класс «Роспись под хохлому»

Не посудой единой

Сегодня хохлома используется не только в производстве сувенирной продукции или посуды. Хохломские узоры — это новый тренд в современном мире высокой моды. Именно они являются частью популярного во всем мире стиля a la russe, который уже успел покорить многих. Первым, кто использовал хохломские орнаменты в одежде, стал Денис Симачев. Блузки, юбки, топы, брюки, — все это щедро украшалось хохломой, что стало настоящей революцией в мире моды. Кроме невероятно самобытных вечерних нарядов, была представлена уникальная коллекция спортивной одежды, которая также была украшена народными хохломскими мотивами.

С тех пор такой орнамент украсил не одну коллекцию, с каждым сезоном только набирая обороты популярности. Аутентичные принты в современной моде помогают в создании неповторимого и оригинального образа. Но есть важный совет от стилистов: если вы надеваете яркий топ, украшенный пестрым золотым орнаментом, дополнить образ следует однотонными брюками или юбкой, чтобы достичь гармонии и баланса.

Сегодня хохломской орнамент воспринимается нами, как нечто родное, легкое и невероятно живописное. Роскошная роспись не только способна украсить наше жилище или модный образ. Глядя на филигранные узоры, на ум приходят приятные воспоминания, глаз радует буйство красок, сочность и витиеватость орнамента. Безупречная хохлома, как ни один другой промысел, способна нам передать тепло рук мастера и частичку его души.

Мезенская роспись

Мезенская роспись по дереву или палащельская роспись — тип росписи домашней утвари — прялок, ковшей, коробов, братин, сложившийся к началу XIX века в низовьях реки Мезень. Самая древняя датированная прялка с мезенской росписью относится к 1815 году, хотя изобразительные мотивы подобной росписи встречаются в рукописных книгах XVIII века, выполненных в мезенском регионе. По стилю мезенскую роспись можно отнести к наиболее архаичным видам росписи, дожившим до XX века. Предметы густо испещрены дробным узором — звёздами, крестиками, чёрточками, выполненным в два цвета: чёрный — сажа и красный — «земляная краска», охра. Основные мотивы геометрического орнамента — солярные диски, ромбы, кресты — напоминают аналогичные элементы трёхгранно-выемчатой резьбы.

Полхов-Майданская роспись

Полхов-майданская роспись – один из самых молодых художественных промыслов России. Свое название он получил от большого села Полховский Майдан на юге Нижегородской области. Почти в каждой семье тут занимаются изготовлением и продажей деревянных расписных игрушек. Полхов-майданская игрушка или как ее называют сами мастера «тарарушка», появилась в конце 1920-х годов. С 1960-х годов подобную игрушку стали делать жители поселка Крутец, расположенного неподалеку от села Полховский Майдан Основные мотивы узоров этой росписи – цветы: роза, мак, ромашка, тюльпан, шиповник. Есть и сюжетная роспись. Чаще всего это сельский пейзаж с речкой, домиками, церковью и мельницей на берегу, а также обязательной красной зарей на небе.

Пижемская роспись

Пижемская роспись известна с XVII века. Одна из древнейших росписей Русского Севера. Северная река Печора и ее притоки Цильма, Пижма и другие — места, где в XIX-начале XX в. существовал небольшой центр графической росписи. На формирование стиля пижемской росписи сильнейшее влияние оказала рукописная традиция староверов со времен Аввакума. Здесь были целые династии переписчиков дониконовских книг, известных по всей Печоре; они и положили начало своеобразной пижемской росписи. Пижемская роспись выполнялась акварельными красками — красной, зеленой, желтой, черной. Основна пижемской росписи — это геометрический орнамент, выполненный черной краской (сажа с использованием смолы лиственницы) в виде ромбов, крестов, точек и т.д., с незначительным добавлением красной и зеленой краски.

Гуслицкая роспись

Гуслицкая роспись восходит к XVII столетию. Просуществовала эта роспись до XX века, когда рукописная книга была вытеснена печатной. Гуслица — так с давних пор называлась подмосковная местность в юго-восточной части по реке Гуслице, впадающей в Москва-реку (территория части современного Орехово- Зуевского и Егорьевского районов Московской области). В Гуслицах получили развитие иконопись, культовая меднолитая пластика, шитье. В 60-70-х гг. XIX в. в слободе Абрамовке функционировала подпольная старообрядческая типография крестьянина Е.П.Пискунова. В районе Гуслиц было широко распространено искусство переписки и украшения книг. Особенно известны были певческие рукописи гуслицкой работы. «Гуслицкая» манера оформления книг сложилась к последней четверти XVIII в. Специфика росписи — сияющие краски: синий, голубой, розовый, бирюзовый, в сочетании с обильным золочением.

Ракульская роспись

Ракульская роспись появляется в первой половине XIX века в селе Ульяновская, стоящее на месте впадения речки Ракулки в Северную Двину (ныне Красноборский район Архангельской области). Орнамент ракульской росписи очень близок к графике миниатюр знаменитых Выговских рукописей — богослужебных и наставительных книг, изготовлявшихся старообрядцами.В росписях Ракулки доминируют, как правило черный и золотисто-охристый цвета, которым сопутствуют насыщенный зеленый и коричнево-красный. Цветовой колорит очень строг и гармоничен, пластика элементов лаконична. Элементы ракульского орнамента крупны, их форма ограничивается четким чёрным контуром. Мелкие декоративные элементы — виньетки и прожилки исполняются черным или белым цветами: белым преимущественно рисуются прожилки листьев, бегущие по насыщенному цветовому фону.

Шекснинская роспись золоченка

«Шекснинская золоченка» является одной из традиционных росписей Русского Севера. Она украшала крестьянские предметы быта и была распространена на небольшой территории – в южной части Шекснинского района Вологодской области. Местные жители называли роспись «золоченкой». Это название и вошло в научный оборот вновь открытого центра народных росписей. Роспись графическая, цветовой строй ее основан на сочетании красного, золотого и черного цвета традиционного для древнерусской иконописи.Причудливые растения с диковинными листьями, цветами и плодами, на ветвях которых сидят гордые птицы с орлиным взглядом и с хвостом, иногда переходящим в растительный узор, – вот основные мотивы этой росписи. Истоки шекснинской золочёнки имеют корни в древнерусской культуре, напоминают орнаменты икон и рукописных книг.

Хохломская роспись

Хохлома представляет собой декоративную роспись деревянной посуды и мебели, выполненную красным, зеленым и чёрным тонами по золотистому фону. На дерево при выполнении росписи наносится не золотой, а серебристо- оловянный порошок. После этого изделие покрывается специальным составом и три-четыре раза обрабатывается в печи, чем достигается медово-золотистый цвет, придающий лёгкой деревянной посуде эффект массивности. Роспись выглядит ярко, несмотря на темный фон. Для создания рисунка используются такие краски, как красная, жёлтая, оранжевая, немного зелёной и голубой. Также в росписи всегда присутствует золотой цвет. Традиционные элементы Хохломы — красные сочные ягоды рябины и земляники, цветы и ветки. Нередко встречаются птицы, рыбы и звери.

Борецкая роспись

Бо́рецкая роспись — русский народный художественный промысел, роспись по дереву. Существует с XVIII века. Вначале существовал один центр росписи — село Борок (Шенкурский уезд) в среднем течении реки Северная Двина (возникло на берегу Двины при заселении Двинского края новгородцами в XI-XII веках). Наиболее часто используемые цвета в росписи: красный, зеленый, коричневый, оранжевый, желтый. Орнамент состоит из ромбиков, кружочков, капелек, треугольников. Все элементы обводятся черным контуром. Символ борецкой росписи — Древо жизни. Огромный цветок с прямым стеблем, вокруг которого изображаются цветы, птицы, ягоды, изящные листья. Мотивами композиции могли служить жанровые сценки: чаепития, гуляния.

Петербургская роспись

Петербургская роспись возникла на основе изучения подносов, созданных в 19 веке в Петербурге. Характеризуется особой изысканностью. Белые цветы с золотыми листьями на черном фоне. Листья и цветы пишутся особыми, полупрозрачными мазками. Создается особая атмосфера Петербурга — города белых ночей. Основными мотивами рисунка являются цветы: нарциссы, пионы, ромашки; композиция характеризуется изяществом и динамизмом. Особым приёмом можно считать активное использование фона, как дополнительного изобразительного элемента. Белый и золотой полупрозрачные мазки кладутся так, чтобы проявляющийся фон создавал неповторимую атмосферу загадочности. Сейчас это малоизвестный вид бытового искусства. А в конце XIX — начале XX века на черном фоне подносов начали распускаться белые, полупрозрачные цветы с золотыми листьями.

Городецкая роспись

Городецкая роспись — русский народный художественный промысел. Существует с середины XIX века в районе города Городец. Яркая, лаконичная городецкая роспись (жанровые сцены, фигурки коней, петухов, цветочные узоры), выполненная свободным мазком с белой и черной графической обводкой, украшала прялки, мебель, ставни, двери. В нижегородских росписях можно различить два типа — павловские и городецкие росписи. Городецкая роспись держит свое начало от резных городецких прялок, : фигуры вырезались из дерева другой породы и вставлялись в соответствующее по форме углубление. Вставки, сделанные из темного мореного дуба, рельефно выделяются на светлой поверхности донца. Располагая всего двумя оттенками дерева и несложным инструментом, народные умельцы превращали поверхность доски донца в настоящую картину.

Жостовская роспись

Жо́стовская ро́спись — народный промысел художественной росписи металлических подносов, существующий в деревне Жостово Мытищинского района Московской области. Считается, что жостовская роспись переняла традицию рода Демидовых расписывать жестяные подносы, которая была распространена на Урале, а именно на Тагильском и Выйском заводских посёлках. Заводчики Демидовы внедряли там этот промысел. Возникновение жостовского расписного подноса связывается с фамилией братьев Вишняковых. История Жостово и жостовского промысла восходит к началу XIX века, когда в ряде подмосковных сел и деревень бывшей Троицкой волости (ныне Мытищинский район Московской области) — Жостово, Осташкове, Хлебникове, Троицком и других — возникли мастерские по изготовлению расписных лакированных изделий из папье-маше. Основной мотив жостовской росписи, как и тагильской, — это цветочный букет.

Гжельская роспись

Гжель — один из традиционных российских центров производства керамики. Более широкое значение названия «Гжель», являющееся правильным с исторической и культурной точки зрения, — это обширный район, состоящий из 27 деревень, объединённых в «Гжельский куст». «Гжельский куст» расположен примерно в шестидесяти километрах от Москвы по железнодорожной линии Москва — Муром — Казань. Сейчас «Гжельский куст» входит в Раменский район Московской области. До революции этот район относился к Богородскому и Бронницкому уездам. Само название «Гжель» имеет балтийские корни и относится скорее к природным особенностям региона, чем к процессу обжига изделий в гончарном производстве. Наиболее близко слово «гжель» к древне-прусскому звучанию слова «кустарник», с некоторыми отличиями прижившемуся во всех балтийских языках.

Русская художественная роспись является частью декоративно-прикладного искусства и носителем традиций народного творчества, связывающим поколения мастеров и умельцев во всех уголках нашей Родины. Зарождалась она поначалу в пределах отдельных натуральных хозяйств, а позже переросла в целые народные промыслы, которые создавали товары для рынка как внутреннего, так и зарубежного.

Такими промыслами занимались уже не отдельные мастера-умельцы и их семьи, а целые отдельные местности и деревни, благодаря которым они и получили свое название, известность и признание не только у себя на Родине, но и далеко за её пределами.

Основные росписи русского народного промысла:

Городецкая роспись по дереву

Городецкая роспись получила свое развитие в середине 19 века в городе Городец Нижегородской области и представляла собой изображение яркими красками на золотистом фоне жанровых сценок из русского купечества, также изображались различные цветочные композиции и узоры, животные (кони, петухи). Отличительная черта этой росписи — яркие, насыщенные цвета, изображения, выполненные свободными мазками, черная графическая обводка. Такой росписью украшали прялки, сундуки, ставни, мебель, створки дверей.

Палехская роспись на шкатулках

Палехская миниатюра характеризуется изображением на темной деревянной или металлической основе различных жанровых сценок из жизни наших предков, тем русских народных сказок, прославленных исторических событий. Стиль назван в честь села Палех Ивановской области, где эта художественная роспись получила свое развитие. Наносилась она в основном на шкатулки, подносы, солонки, тарелки, различные панно и деревянные украшения.

Жостовская роспись на подносах

Жостовская роспись берет свое начало в подмосковной деревне Жостово Троицкой губернии, где в начале 19 века братья Вишняковы стали заниматься росписью металлических подносов, поддонов, сахарниц, шкатулок, портсигаров, альбомов, покрытых лаком. На черном фоне изображались цветочные композиции из крупных и мелких элементов, выполненные широкими мазками с использованием ярких, насыщенных цветов.

Вятская роспись по дереву

История вятской росписи уходит корнями в далекое прошлое, когда на территории древней Руси существовала славянская ведическая культура, позже забытая и потерявшае свое значение для русского народа, принявшего христианство. Некоторые её следы сохранились в традиционных народных промыслах, в элементах украшения одежды, жилья и предметов быта. Древние ведические узоры сохранились в орнаментах вышивок, в художественной росписи на прялках и сундуках, они выступали своеобразным оберегом и энергетическим направляющим началом в жизни человека по уже расписанному для него Богом сценарию. Для вятской росписи характерно отображение всех образов в упрощенной, символической форме. Основные мотивы – образы главных божеств Отца-Солнца и Матери-Земли, главное место в орнаментах было посвящено солярной (солнечной) символике и изображению космического устройства мира. Так круг в центре символизировал солнце, его энергия передавалась широкими, закругленными мазками. Основные цвета — ярко-красный (символизировал Верховное Божество Рода), черный, желтый и оранжевый, для контраста добавлялись синий и зеленый, символизирующие водные стихии, также обязательным было наличие белого цвета — символа Изначального Белого Света.

Роспись под хохлому зародилась в 17 век в Заволжье близ деревни Хохлома, что в Нижегородских землях, это старинная художественная роспись по дереву в сочных красно-золотых тонах по темной, однотонной, лаковой основе. Причудливо переплетенные травяные узоры, состоящие из спелых, красных ягод земляники и рябины, ярких цветов и причудливых завитушек, золотистых листьев на черном лаковом фоне — главная особенность этой росписи, которая наносилась на деревянную посуду, мебель, статуэтки и матрешки.

Роспись под гжель — вид росписи по глиняным керамическим изделиям, которому присущи исполнение растительных орнаментов разного оттенка синего цвета, выполненных на белом фоне. Называется этот стиль росписи по названию одноименного Гжелевского куста, куда входит 27 деревень Раменского район в Подмосковье. Наносился в основном такой узор на посуду, вазы, чайники, разделочные доски.

Русская художественная роспись имеет глубокие народные корни и традиции, связана с жизнью, нравами и обычаями наших предков. Изделия с её использованием несут в себе заряд человеческого тепла, творческого таланта и частичку души человека, вложившего в неё мастерство и уникальное виденье прекрасного, которое передавались из поколения в поколение нашими далекими предками.

Предлагаю вашему вниманию небольшой ликбез по видам русской росписи.

Хохлома . Один из самых знаменитых и известных видов декорирования поверхностей. Это вид декоративной росписи, для которой характерен черный фон, поверх которого наносятся рисунки золотого, красного и зеленого цвета. Чаще всего изображают растения, цветы, фрукты и ягоды. Реже изображают зверей, птиц, рыб. Украшают хохломой восновном деревянную посуду и мебель.

Городецкая роспись. Для данного вида росписи характерен желтый или золотой фон, поверх которого наносятся яркие рисунки. В основном отображаются сцены из жизни купечства. Кроме того, могут изображаться животные, а также цветы. Городецкой росписью чаще всего украшали мебель, например, сундуки, а также прялки.


Гжель. Также очень знаменита! Данный вид росписи используется для декорирования керамической посуды. Гжель — это всегда белый фон с синими цветочными узорами, растительным орнаментом.


Федоскинская роспись. Такой росписью декорируют в основном ларцы, шкатулки, крышки сундуков. Представляет она собой черный фон, на котором изображаются портреты людей. При этом рисунки выполняются светоотражающими красками или в такой технике, что достигается эффект внутреннего свечения и глубины рисунка.


Роспись Северной Двины. Такая роспись наносится в основном на посуду и некоторые предметы мебели (сундуки, ларцы и т. п.). Представляет собой роспись Северной Двины желтый фон, на котором оранжевым и красным цветом (реже зеленым) изображаются растения и сказочные персонажи.


Прикамская роспись. Такой росписью в старину украшали стены домов, двери, а также мебель. Представляет собой прикамская роспись оранжевый фон с изображенными на нем в красном цвете растений и зверей.


Жостовская роспись. В такой технике расписывают жестяные подносы. Фон всегда черный, а поверх него изображаются разнообразные цветы различного размера.


Мезенская (палащельская) роспись. Такая роспись выполняется только по дереву на ковшах, коробах, прялках. Мезенская роспись представляет собой набор красно-черных геометрических узоров, нанесенных поверх не покрытого краской дерева.


Палех. Такой вид росписи всегда изображает сцены русских народных сказок. Фон темный. Палехом расписывают шкатулки, тарелки, матрешки, броши.


И в завершении. Не могу не восхиться многогранностью русского народного творчества!

Русские народные промыслы

С незапамятных времен на Руси в жизни русского народа важное место занимала особая форма творчества — «промысел» или «промыслы». Она сочетала производство повседневных предметов быта с высокохудожественными способами их изготовления и украшения. В русских промыслах отображается все многообразие исторических, духовных и культурных традиций нашего народа, некоторые из которых зародились столетия назад. Изделия русских промыслов выражают отличительные черты и неповторимость русской традиционной культуры. Исследователи относят к русским народным промыслам росписи посуды и других предметов быта, глиняную и деревянную игрушку, кружевоплетение, гончарное, кузнечное дело и другое.

 

Содержание:

 

Гжельская роспись

С давних времен на Руси была широко известна посуда и иные предметы быта, изготовленные из керамики. Одним из самых известных населенных пунктов Руси, жители которого занимались изготовлением керамической фарфоровой посуды, является Гжель (ныне город находится на территории Раменского района Московской области). Уже с XVII века, а то и ранее Гжель является известнейшим центром изготовления фарфора и керамики. Продукция местных мастеров расходится по всей России. Надо отметить, что в старину этот город был одним из центров старообрядцев-поповцев. Расцвет Гжели пришелся на время деятельности «Товарищества производства фарфорово-фаянсовых изделий М.С. Кузнецова» в конце XIX — начале XX века.

Керамическая посуда из Гжели

Формирование привычной нам палитры цветов Гжели приходится на начало XIX века. Исследователи указывают, что с 1820-х годов все большее число гжельских изделий окрашивали в белый цвет и расписывали исключительно синей краской. В наши дни роспись, сделанная синим цветом, является характерным признаком изделий Гжели. Популярность подобной посуды оказалась столь велика, что подобные изделия стали создаваться и в других местностях, но имели схожий сине-белый орнамент. Появилось и много подделок.

Чайный сервиз из Гжели

Специалисты утверждают, что аутентичными изделиями Гжели можно назвать лишь авторские работы, сформировавшие привычную нам стилистику Гжели в 80-е годы XX века. Это работы таких  художников, как Азарова, Денисов, Неплюев, Федоровская, Олейников, Царегородцев, Подгорная, Гаранин, Симонов и другие. Каждый из этих  мастеров ставит на изделии личную подпись или штамп предприятия, на котором работает. Если мастер является сотрудником предприятия, то его изделия передаются в производственный цех в целях тиражирования.

 

Жостовская роспись

В середине XVIII века на Урале, где находились металлургические заводы Демидовых, зародился новый вид промысла. Местные мастера стали расписывать металлические подносы. Интересно, что такие мастерские появились в городах, где немалую часть населения составляли старообрядцы, которые до сей поры имеют там моленные и храмы. Это Нижнй Тагил, Невьянск и Выйск, основанные в 1722 году. Так появились так называемые тагильские подносы. Промышленники Демидовы, курировавшие этот промысел, весьма заботились о качестве и художественной ценности изделий. С целью обучения и подготовки профессиональных кадров они основали в 1806 году школу. Исторический стиль тагильских подносов был создан благодаря этой школе и самому авторитетному ее преподавателю — выпускнику Императорской Академии художеств В.И. Албычеву.

Поднос с жостовской росписью

Расписные тагильские подносы продавались по всей стране. Подобные изделия стали пытаться производить и в других местах. Самой удачной такой попыткой стала организация производства расписных подносов в деревне Жостово Московской губернии. Подносы, изготавливаемые там, получили известность в первой половине XIX века. С тех пор этот вид промысла получил наименование «жостовская роспись». До наших дней промысел росписи подноса сохранился только в Нижнем Тагиле и Жостово. Роспись делается главным образом по черному фону (изредка по красному, синему, зеленому).

Поднос с жостовской росписью

Основными мотивами росписи являются: цветочные букеты, как пышные садовые, так и мелкие полевые цветы; уральские пейзажи или старинные города. На некоторых старинных подносах можно увидеть людей, сказочных птиц. Расписные подносы используются либо по назначению (под самовар, для сервировки обеда), либо для украшения. По форме подносы делятся на круглые, восьмиугольные, прямоугольные, овальные.

 

Палехская миниатюра

В нашей стране и далеко за рубежом широко известна палехская миниатюра. Это тот редкий случай, когда народный промысел сформировался не в старину, а уже в советское время, вскоре после революции. Это необычное ремесло стало известно благодаря мастерам поселка Палех Ивановской области. В прошлом это село находилось на территории Вязниковского уезда Владимирской губернии, известного иконописными мастерскими и старообрядческими скитами. (Примечательно, что в этих краях проживал известный старообрядческий отшельник Вавила. Родом из Франции, он пришел на владимирскую землю, чтобы принять Старую Веру и вести уединенный образ жизни. Подробнее о Вязниковском уезде читайте в статье «Приключения француза в старообрядческой России»).

Палехская лаковая миниатюра

После октябрьской революции и начала гонений на религию палехским иконописцам пришлось искать новый способ заработка. Таким образом, многие переквалифицировались в мастеров лаковой миниатюры. Этот вид миниатюры выполняется темперой на папье-маше. Как правило, расписываются шкатулки, ларцы, кубышки, брошки, панно, пепельницы, игольницы и другое. Роспись делается золотом на черном фоне. Оригинальная технология прошлого столетия, которую применяли первые палехские умельцы в 1920-30-е годы XX века, сохранилась частично.

Палехская лаковая миниатюра

Характерные сюжеты палехской миниатюры заимствованы из повседневной жизни, литературных произведений классиков, сказок, былин и песен. Немало сюжетов посвящено событиям истории, включая революцию и гражданскую войну. Есть цикл миниатюр, посвященный освоению космоса. С начала XXI века среди некоторых мастеров, работающих в палехской манере, наблюдается тенденция возврата к иконописным сюжетам.

 

Федоскинская миниатюра

Федоскинская миниатюра — это еще один вид традиционной русской лаковой миниатюрной живописи. Выполняется масляными красками на папье-маше. В отличие от миниатюр Палеха, приемы которых пришли из иконописи, федоскинская миниатюра изначально формировалась как вид прикладного искусства, отсюда и манера письма более «приземленная».

Федоскинская миниатюра

Федоскинская миниатюра зародилась в конце XVIII века в селе Федоскино Московской губернии. Основные мотивы миниатюры: «тройки», «чаепития», сцены из жизни крестьян. Наиболее высоко ценились ларцы и шкатулки, которые были украшены сложными многофигурными композициями — копиями картин русских и западноевропейских художников.

Федоскинская миниатюра

В XIX веке федоскинская миниатюра служила в большей степени декоративным целям. В середине XX века стало развиваться авторское направление. Сюжеты миниатюр стали усложняться.

 

Хохлома

На всю Россию известна нижегородская декоративная хохломская роспись. Промысел зародился в XVII веке в селе Хохлома. Оно расположено на территории бывшего Семеновского уезда Нижегородской губернии, известного в старину крупными старообрядческими монастырями, такими как Шарпанский и Оленевский скиты. Не случайно в знаменитом романе Андрея Мельникова (Печерского) старообрядцы Семеновского уезда занимаются изготовлением деревянной посуды. Занимались этим и в Хохломе. Хохломские мастера тем не менее стали известны на всю Россию необычными яркими росписями. Расписывали они деревянную посуду и мебель. В основном использовались черный, красный, золотистый, иногда зеленый цвета.  

Хохломская роспись

Чтобы добиться характерного именно для хохломы золотистого цвета, местные мастера при выполнении росписи наносят на поверхность изделия  серебряный оловянный порошок. После этого покрывают лаком и три-четыре раза обрабатывают в печи, чем достигается уникальный медово-золотой цвет, который придает легкой деревянной посуде эффект массивности.

Хохломская роспись на разделочной доске

Благодаря этой создающей необычный цвет технологии хохлома стала популярна во всем мире. Тарелки и ложки, сделанные в этом стиле, стали восприниматься в XX веке как символ русской национальной посуды.

 

Городецкая роспись

Городецкая роспись появилась в середине XIX века в районе старинного города Городца Нижегородской губернии. Усилиями старообрядцев Городец стал центром деревянного кораблестроения и торговли хлебом со всероссийской известностью. Купцы-старообрядцы жертвовали значительные суммы на строительство церквей, на содержание больниц, приютов для сирот, народное просвещение и благоустройство города.

Городецкая роспись

Городецкая роспись является яркой и лаконичной. Основными темами росписи являются сцены из сказок, фигурки коней, птиц, цветы, крестьянский и купеческий быт. Роспись выполняется свободным мазком с белой и черной графической обводкой. Городецкой росписью украшали прялки, мебель, ставни, двери, сундуки, дуги, сани, детские игрушки.

Городецкая роспись

Вот что говорит В.С. Воронов о городецкой росписи:

Нижегородская манера представляет нам наиболее чистый вариант подлинного живописного искусства, преодолевшего рамки графического пленения и основанного исключительно на элементах живописи.

 

Мезенская роспись

Мезенская роспись по дереву (палащельская роспись) — это особый вид росписи домашней утвари, в частности прялок, ковшей, коробов, братин, который сложился к концу XIX века в низовьях реки Мезень. Издревле эти места, как и все поморье, было заселено староверами. А с декабря 1664 г. по февраль 1666 г. в самой Мезени находился в ссылке протопоп Аввакум. Самая старая сохранившаяся прялка с мезенской росписью датируется 1815 годом.

Мезенская роспись на подносе

Художественные мотивы мезенской росписи можно встретить в рукописных книгах XVIII века, которые были изготовлены в поморье. Основные цвета мезенской росписи — черный и красный. Основные мотивы геометрического орнамента — диски, ромбы, кресты. Расписанный предмет покрывали олифой, что предохраняло краску от стирания и придавало изделию золотистый цвет.

Мезенская роспись на разделочной доске

В конце XIX века мезенская роспись сосредоточилась в деревне Палащелье, где работали целые семьи умельцев: Аксеновы, Новиковы, Федотовы, Кузьмины, Шишовы. В середине 1960-х гг. мезенскую роспись возродили потомки старых палащельских мастеров: Ф.М. Федотов в деревне Палащелье и С.Ф. и И.С Фатьяновы в селе Селище. Выставка мезенских прялок в 2018 году стала первым событием в только что открывшемся музее им. Гиляровского, что в Столешниковом переулке в г. Москве.

 

Вологодское кружево

Вологодское кружево — русский промысел, зародившийся в Вологодской области в XVI веке. Кружево плетут на коклюшках (деревянных палочках). Как отдельное ремесло со  своими характерными чертами вологодское кружево было известно уже в XVII-XVIII веках. Однако до XIX века кружевоплетение было домашним ремеслом, им занимались, прежде всего, частные мастерицы. С увеличением популярности вологодского кружева производство изделий поставили на поток. В XIX веке в окрестностях Вологды появились кружевные фабрики.

Вологодское кружево

Все основные изображения в сцепном вологодском кружеве выполняются плотной, непрерывной, одинаковой по ширине тесьмой. Для изготовления вологодского кружева используются подушка-валик, можжевеловые или березовые коклюшки, булавки, сколок. Типичный материал для вологодских кружев — лен.

Вологодское кружево

Сюжеты вологодского кружева самые разные — от растительных орнаментов до фигурных композиций. В вологодском кружеве можно встретить христианскую и древнюю народную символику.

 

Елецкое кружево

Не менее известно елецкое кружево. Его плетут на коклюшках. Этот вид кружева возник в начале XIX века в городе Елец.

Елецкое кружево

Кружево отличается мягким контрастом мелкого узора (растительного и геометрического) и тонкого ажурного фона.

Елецкое кружево

Считается, что елецкие кружева более легкие и изящные, нежели вологодские.

 

Мценское кружево

Мценское кружево — вид русского кружева, которое плетется на коклюшках.

Мценское кружево

Мценское кружево появилось в городе Мценске Орловской области в XVIII веке. Это стало возможным благодаря местной помещице Протасовой, которая собрала мастериц из разных уголков России и  основала  мануфактуру — самое крупное на тот момент производство кружева в России.

Мценское кружево

Отличительной особенностью является использование геометрических мотивов. По сравнению с вологодским кружевом, узор в нем менее плотный и насыщенный, как пишут специалисты — более «воздушный».

 

Вятское кружево

В начале XVIII века в Вятской губернии появляются мастерицы, занимающиеся изготовлением кружева. Однако промышленный масштаб производство кружева приобретает лишь во второй половине XIX века. Этим промыслом занимаются мастерицы из крестьян. В 1893 году в слободе Кукарке Яранского уезда Вятской губернии была организована земская школа кружевниц. Формы изделий разнообразны и порой необычны: это жилеты, оплеты платков, воротники, салфетки с узорами в виде бабочек, пышных цветов, прихотливых петель.

Вятское кружево

Наиболее интересные изделия из вятского кружева были созданы в советское время. Эти достижения связаны с именем знаменитой художницы-кружевницы, лауреатом Государственной премии России имени Репина Анфисой Фёдоровной Блиновой. Её работы находятся в Третьяковской галерее, Русском музее, Российском художественном фонде, Московском НИИ художественной промышленности.

Вятское кружево

В условиях экономического кризиса 90-х годов XX века кружевная фабрика, расположенная в городе Советске (бывшая слобода Кукарка), была закрыта. Только совсем недавно, в 2012 году, в городе был создан производственный кооператив-артель «Кукарское кружево», мало-помалу возрождающий традиции старинного ремесла.

 

Оренбургский пуховый платок

Оренбургский пуховый платок — вязаный платок из уникального пуха оренбургских коз, нанесенного на специальную основу (х/б, шелк или другой материал).

Оренбургский пуховый платок

Этот промысел возник в Оренбургской губернии в XVIII веке. Изделия являются очень тонкими, как паутинки, но при этом имеют, как правило, сложный узор и используются как украшение. Тонкость изделия нередко определяют по 2 параметрам: проходит ли изделие через кольцо и помещается ли в гусином яйце.

Крупнейший оренбургский пуховый платок в России

В середине XIX века пуховые платки были представлены на выставках в странах Европы, где получили международное признание. Принимались неоднократные попытки, в том числе и за рубежом, открыть производства подобного пуха для нужды легкой промышленности. Однако они не увенчались успехом. Выяснилось, что для получения такого тонкого и теплого пуха у коз необходимы довольно суровые климатические  условия и определенное питание, совокупность которых возможны лишь на территории Оренбургского края. 

 

Павловопосадские платки

В середине XIX века в городе Павловский Посад стали производить шерстяные платки с так называемым набивным рисунком, который наносился на ткань при помощи форм с рельефным узором. Павлопосадские платки — это изделия традиционно черного или красного цвета с объемным цветочным узором.

Павловопосадские платки

В 70-х гг. XIX века формируется привычная нам палитра платков, расширяется ассортимент платков с натуралистическими цветочными мотивами. Мастерицы отдают предпочтение изображениям садовых цветов, прежде всего розам и георгинам.

Павловопосадские платки

До 1970-х годов рисунок наносили на ткань деревянными резными формами: контур рисунка — досками-«манерами», сам рисунок — «цветами». Создание платка требовало до 400 наложений. С 1970-х годов краску наносят на ткань с помощью шелковых и капроновых сетчатых шаблонов. Это позволяет увеличить количество цветов, изящность рисунка и повышает качество производства.

 

Крестецкая строчка

Крестецкая строчка (или крестецкая вышивка) — народный промысел, развивавшийся с 1860-х годов в Крестецком уезде Новгородской губернии, издревле заселенном староверами федосеевского согласия.

Крестецкая строчка

Крестецкая строчка — это наиболее трудоемкая и сложная в технике исполнения строчевая вышивка.

Крестецкая строчка

Вышивка выполнялась на ткани изо льна, причем нити, основы и утка подрезались и выдёргивались из ткани, образуя просветы, наподобие сетки. Эта ткань и использовалась для создания разнообразных узоров и вышивок. Крестецкой вышивкой украшались предметы одежды, занавески, полотенца.

 

Каслинское литье

Каслинское литье — художественные изделия (скульптура, решетки, архитектурные элементы и т. д.) из чугуна и бронзы, производящиеся на чугунолитейном заводе в городе Касли.

Каслинское литье

Этот завод основал в 1749 году купец-старообрядец Яков Коробков, прибывший сюда c семьей из Тулы. Он руководствовался указом Петра I, гласившим:

Соизволяется всем и каждому, дается воля, какого бы чина и достоинства не был, во всех местах, как на собственных, так и на чужих землях искать, плавить, варить, чистить всякие металлы и минералы.

Скульптура «Россия» Н.А. Лаверецкого, каслинское литье, 1896 г.

Большую часть работников завода также составили старообрядцы, прибывшие из разных мест на Уральскую землю, где были не так ощутимы гонения на старую веру.

Каслинское литье

Традиции Каслинского литья — графическая четкость силуэта, сочетание тщательно отделанных деталей и обобщённых плоскостей с энергичной игрой бликов — сложились в XIX веке. В этот период владельцы завода привлекли к работе новых талантливых скульпторов, художников, чеканщиков и формовщиков. Изделия каслинского литья получили награду «Гран при» на престижной Парижской всемирной выставке прикладного искусства в 1900 году.

 

Шемогодская прорезная береста  

Особую популярность получила шемогодская прорезная береста, которая берет свое начало в Вологодской области. Береста, несмотря на свою кажущуюся хрупкость, — довольно прочный и долговечный материал. Вологодские мастера изготавливают разнообразные корзинки, посуду, туеса, украшения и даже обувь и одежду.

Шемогодская прорезная береста

Особенность этих изделий заключается в том, что с традиционным узором переплетается естественный растительный орнамент, листья и ягоды, цветы и стебли, животные и люди. Традиционные узоры Шемогодской прорезной бересты гравируются на листах бересты тупым шилом и прорезаются острым ножом с удалением фона. Под ажур иногда подкладывается цветная бумага или еще один слой бересты; резьба дополняется тиснением. В XIX веке эти изделия прозвали «берестяным кружевом».

Шемогодская прорезная береста

В советское время изделия из шемогодской прорезной бересты считались символом русского леса и пользовались спросом среди иностранцев. Тогда же был организован цех резьбы по бересте при Шемогодском мебельном комбинате (Вологодская область). И в наши дни ни одна русская ярмарка не обходится без берестяной посуды.

 

Варнавинская резьба по кости

Этот русский промысел возник в среде профессиональных нижегородских столяров, занимающихся резьбой по дереву. В качестве основного сырья мастера используют трубчатую кость крупного рогатого скота — «цевку» и рог. Также для изготовления дорогих видов изделий используются более редкие и ценные виды кости мамонта и моржа.

Варнавинская резьба по кости

Варнавинская резьба по кости применяется, главным образом, при изготовлении женских украшений (заколки, гребни, шпильки, расчески, броши, кулоны, бусы, колье, подвески, браслеты, серьги, кольца, перстни), шкатулок, ларцов, авторучек, декоративной посуды и других сувениров.

Варнавинская резьба по кости

Особенность таких изделий заключается в абсолютной неповторимости и индивидуальности. Каждый предмет выполняется вручную, без каких-либо шаблонов и штампов.

 

Абрамцево-кудринская резьба

Абрамцево-кудринская резьба — это художественный промысел резьбы по дереву, сформировавшийся в конце XIX века в окрестностях подмосковной усадьбы Абрамцево.

Абрамцево-кудринская резьба

С помощью данной техники делали ковши, блюда, вазы и шкатулки, а также любые предметы домашнего декора и обихода. Особенность этих изделий состоит в преобладании различных завитков, розеток, веточек, тонировки и полировки дерева.

Абрамцево-кудринская резьба

Расцвет этого промысла приходится на советский период времени — 20-40-е годы. Заказы работникам кудринской артели «Возрождение» поступали даже от Третьяковской галереи. Исторические и современные изделия, сделанные в стиле абрамцево-кудринской резьбы, были представлены на международной выставке в Париже в 1937 году. После распада СССР фабрика кудринской резьбы была закрыта. Сегодня промысел сохраняется благодаря работе частных мастеров.

 

Гусевский хрусталь

История гусевского хрусталя началась в 1756 году, когда орловский купец Аким Мальцов основал на берегу реки Гусь в дремучих мещерских лесах первый стекольный завод.

Гусевский хрусталь

Первые упоминания о Гусской волости относятся к XVII веку. Когда на строительство в Подмосковье стекольных мануфактур был наложен запрет из-за чрезмерной вырубки лесов, в поселке Гусь на одноименной реке был построен первый хрустальный завод, мастеров для которого специально привезли из Можайска. Так началась история не просто производства, но целого народного промысла, процветающего и по сей день.

Гусевский хрусталь

Сейчас завод в первую очередь славится своим художественным стеклом. Гусевские художники, учитывая особенности материала, придают ему высокохудожественную выразительность, умело используя и цвет, и форму, и декор.

 

Филигрань

Филигрань (или скань) — ювелирный промысел, использующий ажурный или напаянный на металлический фон узор из тонкой золотой, серебряной и т.д. проволоки. Элементы филигранного узора бывают самыми разнообразными: веревочка, шнурок, плетение, елочка, дорожка, гладь. В единое целое отдельные элементы филиграни соединяют при помощи пайки. Часто филигрань сочетают с зернью — металлическими мелкими шариками, которые напаиваются в заранее подготовленные ячейки (углубления). Зернь создает эффектную фактуру, игру светотени, благодаря чему изделия приобретают особо нарядный, изысканный вид. Материалами для филигранных изделий служат сплавы золота, серебра и платины, а также медь, латунь, мельхиор, нейзильбер. Украшения, выполненные в технике филиграни, оксидируют и серебрят. Часто филигрань сочетают с эмалью (в том числе финифтью), гравировкой, чеканкой.

Шкатулка. Скань

Филигранные изделия производились в царских или монастырских мастерских. В XVIII веке изготовлялись большие сканные изделия, наряду с камнями широко применялись хрусталь, перламутр. Одновременно получили большое распространение небольшие серебряные вещи: вазочки, солонки, шкатулки. С XIX века изделия из филиграни уже выпускались фабриками в больших количествах. Это и дорогая посуда, и церковная утварь и многое другое.

Казаковская филигрань. Шкатулка

Центрами сканного дела сегодня являются:

  • Село Казаково Вачского района Нижегородской области, где располагается предприятие художественных изделий, которое производит уникальную ювелирную продукцию в древнейшей технике художественной обработки металла — скань.
  • Поселок Красное-на-Волге Костромской области, тут находится Красносельское училище художественной обработки металлов, главной задачей которого является сохранение традиционного красносельского ювелирного промысла — скань, эмаль, чеканка и другое.
  • Город Павлово Нижегородской области, где расположен техникум народных художественных промыслов России.

 

 Финифть

Финифть — изготовление художественных произведений с помощью стекловидного порошка, эмали на металлической подложке. Стеклянное покрытие является долговечным и не выцветает со временем, изделия из финифти отличаются особой яркостью и чистотой красок. Эмаль приобретает нужный цвет после обжига с помощью добавок, для которых используются соли металлов. Например, добавки золота придают стеклу рубиновый цвет, кобальта — синий цвет, а меди — зеленый.

Вологодская (усольская) финифть

Вологодская (усольская) финифть — традиционная роспись по белой эмали. Промысел возник в XVII веке в Сольвычегодске. Позже подобной финифтью стали заниматься в Вологде. Изначально главным мотивом были растительные композиции, нанесенные красками на медную основу: цветочные орнаменты, птицы, звери, в том числе и мифологические. Однако в начале XVIII века стала популярна однотонная финифть (белая, синяя и зеленая). Только в 1970-е годы XX века началось возрождение «усольской» многоцветной финифти вологодскими художниками. Производство продолжается и сейчас.

Ростовская финифть

Также существует ростовская финифть — русский народный художественный промысел, который существует с XVIII века в городе Ростове Великом Ярославской области. Миниатюрные изображения выполняют на эмали прозрачными огнеупорными красками, которые были изобретены в 1632 году французским ювелиром Жаном Тутеном.

 

Малахитовые изделия

Малахит — зеленый минерал с богатыми оттенками, хорошо поддающийся обработке. Камень может быть от светло-зеленого до черно-зеленого цветов, а первая поделка насчитывает более 10 тысяч лет. Плотные разновидности малахита хорошего цвета и с красивым рисунком высоко ценятся, их с конца XVIII века употребляли для облицовки плоских поверхностей.  С начала XIX века малахит используется для создания объемных произведений — ваз, чаш, посуды.

Малахитовая шкатулка

Широкую известность за пределами России малахит получил благодаря заказам Всемирной выставки в Лондоне в 1851 году, подготовленной А.Н. Демидовым. Благодаря Демидовым с 1830-х годов малахит начинают использовать как материал для архитектурной отделки: первый малахитовый зал был создан по заказу П.Н. Демидова архитектором О. Монферраном в особняке в Санкт-Петербурге на ул. Б. Морская, 43. Роскошные интерьерные работы с малахитом были выполнены в Исаакиевском соборе. Также малахит используют для изготовления ювелирных украшений. Техника облицовки малахитом называется «русская мозаика». В ее основе лежит принцип, который использовался европейскими мастерами для снижения стоимости изделий из лазурита еще в XVII веке: тонко напиленными пластинками камня покрывают поверхность предмета из металла или дешевого камня. Так создается иллюзия резьбы из монолита.

Малахитовые колонны иконостаса

Малахитовому промыслу посвящены сказки русского писателя Павла Петровича Бажова, который начинал свою карьеру учителем в школе  глухой уральской деревни Шайдуриха, заселенной старообрядцами. От них писатель перенял немало интересных историй и легенд, связанных с жизнью на Урале и фольклорными обычаями местного населения.

Колядовать по старинным обычаям научат новосибирцев в Доме на Каинской

Погадать на мандалах, воде и камнях. Узнать о славянских традициях и обрядах других народов. На святочной неделе в Новосибирске посиделки устраивают в музеях, культурных центрах и клубах творчества. В клубе-музее сказок и легенд «Баюшки» посетителей встречает гадалка. В Доме народного творчества на Каинской взрослым и детям расскажут, как правильно колядовать. Здесь же открыли новую выставку. В экспозиции — традиционная вышивка и кистевая роспись.

Татьяна Кияева

11:10, 16 Января 2021

Кувшины, тарелки, ларцы и сундуки. Все изделия украшены ярким орнаментом. С изображением птиц, русских городов и растений. В «Доме на Каинской» открыли выставку Татьяны Остапенко — мастера росписи по дереву из Академгородка. В экспозиции «Древнерусские мотивы» около 100 работ. Сначала Татьяна изучила традиционные Северодвинскую, Мезенскую и Городецкую росписи. Вдохновилась ими, со временем выработала свой собственный стиль.

«Я историк по образованию. И мне всегда были интересны вот эти плетёнки древнерусские. В какой-то момент обнаружила, что могу сама сочинять, делать свои композиции. И к этому времени увлечение росписью было уже достаточно серьёзным. И я теперь на это всё перешла. Теперь это — моё кредо. И теперь по этим орнаментам меня узнают», — рассказывает мастер росписи по дереву в древнерусском стиле Татьяна Остапенко.

В субботу, 16 января, в 13:00, в Доме народного творчества организуют уроки кистевой росписи, традиционной вышивки и этностиля. Мастер-классы пройдут в формате вечёрок. Гостям расскажут про обычаи предков и святочные традиции. Например, как в старину колядовали, какие песни пели и как наряжались. Детей развлекут в народными играми, о которых они раньше не слышали. Для всех желающих приобщиться к русской культуре вход бесплатный.

Подробности — в сюжете «Новосибирских новостей»:

#Культурный город #Отдых #Городское телевидение #Праздники

Подписывайтесь на наши соц.сети

Древнерусская роспись по дереву

Древнерусская роспись по дереву

Пижемская роспись (Ремесло поморов)

Роспись по дереву

ХОХЛОМСКАЯ РОСПИСЬ

Русская/Великоросская национальная Мезенская роспись

Когалымских детей учат азам хохломской росписи

Иконопись. Секреты написания иконы. (Icon painting)

«Уму непостижимо»: Шкатулки

ИЗГОТОВЛЕНИЕ РУССКОЙ РУБАХИ

Лекция «Роль художественных объединений в формировании неорусского стиля»

Как нарисовать церковь

Также смотрите:

  • Ивановский трикотаж Русь
  • Главное занятие древних славян
  • Древнерусские фразеологизмы примеры
  • Законы древней Руси
  • Народный хор славяне г лахденпохья
  • Четыре сестры славянской мифологии
  • Задорнов славяне видео
  • Десятина древняя Русь
  • Языческие праздники и ритуалы славянских народов
  • Моление древнерусская литература
  • Славянский миф о сотворении человека
  • Жанры древнерусских церковных песнопений
  • Разумовский феликс жили были славяне
  • Социальное и политическое устройство Киевской Руси
  • Особенности развития северо восточной Руси

Аннотация «Древнерусская фреска» к уроку истории в 7 классе

Е. В. Яркова

Древнерусская фреска

Аннотация: Рассматривается проблема истории возникновения и особенностей развития древнерусской фрески. Результаты исследований позволяют проследить пути развития фресковой живописи на Руси. В статье рассматриваются технологические особенности древнерусской монументальной живописи в период Х-ХIII вв.; Живописное искусство Древней Руси изначально было подчинено религии. В связи с этим, культурным центром, где взяла начало русская живопись был центр христианской Руси – Киев.

Хотя христианские храмы существовали в Киеве и раньше, именно после 988 года началось строительство первой каменной церкви в Киеве, названной Десятинная. Строительство и внутренняя роспись церкви были выполнены приглашенными византийскими мастерами. Десятинная церковь не сохранилась, но археологические находки позволяют утверждать, что важнейшие части её росписи были выполнены в технике мозаики, а весь остальной храм был украшен фреской.

Наиболее развитыми видами живописи в Древней Руси были монументальная и станковая живопись.

Монументальная живопись — живопись на архитектурных сооружениях и других стационарных основаниях. На Руси техники монументальной живописи заимствована из Византии – это фреска и мозаика.

Фреска – это живопись по сырой штукатурке, одна из техник стенных росписей. При высыхании содержащаяся в штукатурке известь образует тонкую прозрачную кальциевую плёнку, делающую фреску долговечной.

Наиболее известным ансамблем домонгольского периода в Киеве являются мозаики и фрески Софийского собора, построенного в XI веке Ярославом Мудрым. Программа росписи храма отвечала византийской традиции, но содержала ряд особенностей. Например, в барабане центрального купола были изображены 12 апостолов, выражая собой идею проповеди христианства во все концы мира. Очень подробен для XI века был цикл евангельских событий, а на западной стене помещался лишь частично сохранившийся портрет семьи князя Ярослава. Главный купол и алтарь был украшен мозаиками, остальные части интерьера были расписаны фреской.

Стиль как мозаик, так и фресок в русских храмах точно соответствует особенностям византийского искусства 1-й половины XI века, то есть аскетическому стилю.

Древнерусские искусство древнерусских государственных образований X-XIII вв., вобрав в себя традиции восточно-славянской культуры и передовой опыт искусства Византии и балканских стран, создало выдающиеся памятники церковной и светской живописи, замечательные мозаики, фрески, иконы, миниатюры, рельефы, декоративные изделия, многочисленные церковные песнопения различных жанров.

В широком смысле древнерусское искусство — средневековое русское искусство. В период формирования феодализма на Руси (X — XIII вв.) искусство складывалось на основе достижений художественной культуры восточнославянских племен и обитавших до них на этих землях скифов и сарматов. Естественно, культура каждого племени и региона имело свои самобытные черты и испытывало влияние соседних земель и государств. Вместе с христианством Русь восприняла традиции античной, прежде всего греческой, культуры.

Важно отметить, что русское искусство периода средневековья формировалось в борьбе двух укладов — патриархального и феодального, и двух религий — язычества и христианства. И как следы патриархального образа жизни еще долго прослеживается в искусстве феодальной Руси, так и язычества напоминало о себе почти во всех его видах. Процесс изживания язычества был стихийным, но все-таки делались попытки скорее укрепить новую религию, сделать ее близкой, доступной людям. Не случайно церкви строились на местах языческих капищ; в нее проникли элементы народного обожествления природы, а некоторым святым стали приписывать роль старых богов.

Конечно, как всякое искусство средневековья, искусство Древней Руси X-XIII веков следует определенным канонам, прослеживающимся и в архитектурных формах, и в живописи. Созданы были даже образцы –«прореси», «подлинники», лицевые и толковые (в первых показывалась, как надо писать, во вторых это «толковалось»), но и следуя канонам, и вопреки им, умела проявить себя богатая творческая личность художника.

Опираясь на вековые традиции восточно–европейского искусства, русские мастера сумели создать собственное национальное искусство, обогатить европейскую культуру новыми, присущими лишь Руси формами храмов, своеобразными стенными росписями и иконописью, которую не спутаешь с византийской, несмотря на общность иконографии и кажущуюся близость изобразительного языка.

Целью моей статьи является история формирования русского искусства в период X-XIII вв, важный период истории Руси. Наиболее уникален он тем, что, несмотря на войны, междоусобицы, феодальную раздробленность, экономические и социальные перипетии, искусство отнюдь не стояло на месте, а развитием своим в этот период заложило основу на все последующие века.

Эпоха X-XIII века – это колоссальная эпоха перехода от начала новой веры до начала татаро-монгольского завоевания, которая обладала поразительным потенциалом, заложившим основы и стимулировавшим всестороннее развитие самобытного, ни с чем не сравнимого искусства на Руси. Это время появления и расцвета живописи, иконописи былин, именно этому периоду принадлежит переход на каменное строительство в архитектуре. Корни данного феномена лежат в искусстве Византии, принесшем в конце десятого столетия в чистую, готовую к трансформациям Русь целый сонм традиций и практического опыта.

В византийском искусстве, считавшемся в первом тысячелетии нашей эры самым совершенным в мире, и живопись, и музыка, и искусство ваяния создавались в основном по церковным канонам, где отсекалось все, что противоречило высшим христианским принципам. Аскетизм и строгость в живописи (иконопись, мозаика, фреска), возвышенность, «божественность» греческих церковных молитв и песнопений, сам храм, становящийся местом молитвенного общения людей, — все это было свойственно византийскому искусству. Если та или иная религиозная, богословская тема была в христианстве раз и навсегда строго установлена, то и ее выражение в искусстве, по мнению византийцев, должно было выражать эту идею лишь раз и на всегда установленным образом; художник становился лишь послушным исполнителем канонов, которые диктовала церковь.

 И вот перенесенное на русскую почву каноническое по содержанию, блестящее по своему исполнению искусство Византии столкнулось с языческим мировосприятием восточных славян, с их радостным культом природы — солнца, весны, света, с их вполне земными представлениями о добре и зле, о грехах и добродетелях. С первых же лет византийское церковное искусство на Руси испытало на себе всю мощь русской народной культуры и народных эстетических представлений (однокупольный византийский храм на Руси XI в. преобразовался в многокупольную пирамиду, основу которой составляло русское деревянное зодчество). То же произошло и с живописью. Получила развитие фресковая живопись, мозаика. Позднее складывалась новгородская школа живописи. Ее характерными  чертами стали ясность идеи, реальность изображения, доступность, а также обилие шедевров, написанных в Новгородской земле. Достаточно вспомнить, например, знаменитые фрески церкви Спаса на Нередице близ Новгорода (конец XII в.).

Широкое распространение фресковой живописи было характерно и для Чернигова, Ростова, Суздаля, позднее Владимира-на-Клязьме, где замечательные фрески, изображающие «Страшный суд», украшали Дмитриевский собор.
В переводе с итальянского слово «фреска» означает «свежий», «сырой». Это живопись по сырой оштукатуренной стене красками, которые разводятся водой. Высыхая, известь плотно соединяется с красочным слоем. Можно писать и по высохшей известковой штукатурке. Тогда ее вторично увлажняют, а краски заранее смешивают с известью.

Художники расписывали стены соборов, храмов, церквей. К расписыванию храма приступали лишь через год после его постройки. Это делалось для того, чтобы стены хорошо просохли. Роспись обычно начинали весной и старались завершить в течение одного сезона.

Росписи древнерусских соборов и церквей отличаются неповторимым своеобразием. В знаменитом Софийском соборе в Киеве образы святых и сцены из их жизни монументальные и величественны. Фрески Софийского собора показывают манеру письма здешних греческих и русских мастеров, их приверженность человеческому теплу, цельности и простоте. На стенах собора можно увидеть и изображения святых, и семью Ярослава Мудрого, и изображение русских скоморохов, животных.

Не менее своеобразный стиль, проявившийся в суровой красоте и сдержанности новгородских фресок вырабатывается и в Новгороде.

Фрески Софийского собора в Киеве показывают манеру письма здешних греческих и русских мастеров, их приверженность человеческому теплу, цельности н простоте. На стенах собора мы видим и изображения святых, и семью Ярослава Мудрого, и изображение русских скоморохов, н животных. Прекрасная иконописная, фресковая, мозаичная живопись наполняла и другие храмы Киева. Известны своей большой художественной силой мозаики Михайловского Златоверхого монастыря с их изображением апостолов, святых, которые потеряли свою византийскую суровость: лики их стали более мягкими, округлыми.

Мозаики собора Михайловского Златоверхого монастыря в Киеве относятся к 1112 году (в настоящее время хранятся в верхних помещениях Софийского собора). Общая система убранства интерьера собора была, очевидно, близка к софийской, но характер изображений несколько иной. Так, в сцене «Евхаристии» в фигурах нет тяжеловесности, свойственной софийским мозаикам. Апостолы выше, стройнее, их движения свободнее, позы непринужденные, лица более удлиненные, глаза не такие большие, взгляд спокойнее, он лишен того почти магического напряжения, которое излучают огромные, словно распахнутые глаза софийских мозаик.

Святой Дмитрий Солунскии на мозаике Михайловского Златоверхого монастыря представлен в рост в виде молодого воина с мечом (изображение находилось на внутренней стороне алтарной арки). Великолепие одежд в сочетании с властной позой придает Дмитрию сходство с гордым и энергичным киевским князем-воином. Он был умерщвлен при императоре Диоклетиане за приверженность к христианству и почитаемый как покровитель воинства и покровитель славян. Дмитрий восседает на троне с мечом, наполовину вынутым из ножен. На этом троне – знак Всеволода Большое Гнездо. Всем своим обликом Дмитрий Солунский как бы олицетворяет князя-витязя, призванного творить правый суд и оберегать свой народ. Й очень изысканная цветовая гамма, состоящая из сочетаний нежно-розового и зеленого цветов одежд с обильным золотом доспехов.

Позднее складывалась новгородская школа живописи. Ее характерными чертами стали ясность идеи, реальность изображения, доступность. От XII в. до нас дошли замечательные творения новгородских живописцев: икона «Ангел Златые власы», где при всей византийской условности облика Ангела чувствуется трепетная и красивая человеческая душа. Или икона «Спас Нерукотворный» (также XII в.), на которой Христос со своим выразительным изломом бровей предстает грозным, все понимающим судьей человеческого рода. В иконе «Успение Богородицы» в лицах апостолов запечатлена вся скорбь утраты. И таких шедевров Новгородская земля дала немало. Достаточно вспомнить, например, знаменитые фрески церкви Спаса на Нередице близ Новгорода (конец XII в.).

Развитие русского искусства средневековья отразило свойственные этой эпохе особенности и противоречия. Они были обусловлены, в конечном счете, социально-политическими и экономическими процессами, проходившими на Руси. Феодальный способ производства с присущими ему консерватизмом в развитии производственных сил, господством замкнутого натурального хозяйства, слабо развитым обменом, традициями к сохранению политической системы феодальной раздробленности, замедлял темпы развития искусства и культуры, формирование местных традиций и особенностей.  

Несомненно, что на развитие русского искусства громадное влияние оказало господство религиозного мировоззрения. Церковь, особенно в раннем средневековье, сыграла определенную роль и в распространении грамотности, и в развитии зодчества и живописи. Но в то же время церковь ревниво оберегало свои догматы и враждебно относилась к новым явлениям в культуре, являлась тормозом в развитии наук, техничес-ких знаний, литературы, искусства. Всю громадную силу своей материальной мощи и духовного влияния церковь направляла на полное и безоговорочное следование всей культуры узким рамкам религиозно-схоластического мышления, сковывало стремление человеческого ума к свободному творчеству. Отсюда становится понятным, почему духовная жизнь в то время протекала в основном в рамках религиозно-богословской обо-лочки, почему борьба различных по содержанию классовых тенденций облекалась, как правило, в форму религиозных разногласий и споров. И тем не менее русскаое искусство развивалась не изолированно от мировой культуры, обогащаясь ее достижениями и внося свой вклад в ее развитие.

Несмотря на раздробленность, искусство всех русских земель демонстрирует преемственность традиций Киевской Руси, бывшей их общим источником. При этом в условиях, когда ослабли связи между русскими землями и, в известной мере, с Византией, сложились более благоприятные возможности для становления и развития самобытных форм иконописи и фресковой живописи Новгородской, Владимиро-Суздальской и других земель. Каждый из этих регионов впоследствии внесет лучшее из своего культурного фонда, характерное только для этой земли, в формировании родственных видов искусств белорусского, русского и украинского народов. К сожалению, на самом высоком уровне развитие древнерусского искусства было прервано монгольско-татарским нашествием.

Литература:

Банк А.В. Прикладное искусство Византии IX-XI вв. М., 1978. С. 96. Рис. 85;

Винер А. Фресковая и темперная живопись: Материалы и техника древнерусской стенной живописи XI-XVII веков. Вып. 2. М.-Л.: Искусство, 1948. С. 32.

Лукьянова Т.А., Кукс Ю.М. К вопросу о применении природных органических связующих в материалах монументальной фресковой живописи. В сборнике: Технологии изобразительных искусств. Вып. 2. Памятники исторической мысли. 2012. C. 50-75.

Плиний Старший. Естествознание: Об искусстве / Пер. Г.А. Тероняна. (Серия «Античная классика»). М.: Ладомир, 1994. C.142-143.

Сказание о св. Софии Цареградской / Памятники древней письменности и искусства. Т. LXXVIII. СПб., 1889. C. 8-9. Кукс Ю.М., Лукьянова Т.А. Вопросы технологии древнерусской фрески // Ярославский педагогический вестник. 2012. №4. C.265-269.

Григоров Д. А. Техника фресковой живописи по русскому иконописному подлиннику. — Записки имп. Русского археологического общества, новая серия, т. III, вып. 3 и 4. СПб., 1888, с. 414–423.

Галерея Русской Живописи — купить картины русских художников в Русской картинной галерее живопись, графика, батик, арт объект, скульптура, икона, мозаика, художественная вышитая живопись, художественные куклы, картины по фотографии, художественное стекло, художественная эмаль, ручная. -копии картин, настенная живопись, прикладное искусство, аэрография, гравюры, жикле, плакаты, заказной портрет, художественная фотография, антиквариат и частные коллекции

Эта картинная галерея является старым проектом Галереи русской живописи , существующей на Нетто с 2004 года.Торговля картинами современных русских художников — основная цель сайта. Художники со всего мира могут бесплатно построить свою собственную выставку живописи, чтобы выставлять и продавать произведения искусства. Мы предлагаем искусствоведам и любителям живописи возможность прикоснуться как к шедеврам признанных профессиональных художников, так и к произведениям художников-любителей. Каждый может купить картину напрямую у художника, причем зачастую дешевле, чем в обычных галереях. Художники сами заявляют о ценности своих картин.Клиенты могут приобрести картины напрямую у художников, их торговых представителей или владельцев картин. Галерея предоставляет дополнительные услуги условного депонирования при транзакциях, а также услуги по оформлению экспортных документов и доставке произведений искусства покупателям.

Почти каждый может ощутить прекрасное, насладиться бесконечным разнообразием красок окружающего мира, ощутить гармонию и баланс форм и линий, ощутить ритм жизни. Настоящая картина — это остановленный момент вечной реальности жизни, умело переданный художником.Иногда, глядя на картину, начинаешь ощущать симфонию красок, особый звук, передающий настроение и чувства, вложенные в произведение его создателем. Вы развиваете чувство симпатии к героям живописи и желание понять их чувства и мысли в данный момент. Возможно, картина — это способ успокоить и погрузиться в себя после долгого рабочего дня или возможность собраться с мыслями, вспомнить прекрасные моменты жизни, насладиться красивым изображением или почувствовать тепло солнца и настоящих искренних отношений.Так или иначе, живописная картина — это весь мир, и если, глядя на картину, вы чувствуете, что этот мир начинает вибрировать с вашим внутренним миром, заставляет вас остановиться и наполняет ваше сердце ощущением настоящей жизни, вы нашли свое картина.

В нашей галерее представлены картины разных жанров и стилей. Это делает ваше путешествие по нашему сайту интересным и познавательным. Если вы хотите выбрать картину для офиса, дома или квартиры, выбрать подходящий подарок для друзей, обогатить свою коллекцию новым шедевром, возможно, вам понадобится чувство прекрасного, которое скрыто глубоко внутри вас.Если вам хочется иметь много общего с государством, которое художник вложил в картину, эта картина — то, что вам нужно, и, возможно, ее стоит купить. Купив и повесив картину на стену, вы меняете интерьер, делая его более уютным и доставляя радость смотрящим на него людям.

Картины вдохновляют нас открывать новый мир вокруг нас. Являясь неповторимым отголоском реальности, каждое произведение искусства имеет неповторимый характер, что делает наш интерьер интересным и свежим. Каждая картина, несущая частичку его живописного таланта, наполняет нашу жизнь светом, вдохновляет на стремление к лучшему, побуждает жить, наслаждаясь прекрасным, напоминает нам о наших мечтах, пробуждает наше воображение, пробуждает наши воспоминания о прекрасном. мест и запоминающихся пейзажей и учит видеть гармонию и ощущать вибрацию жизни.

Настоящая картина — это произведение искусства. Он может оживить любой интерьер, передать особое настроение. Часто бывает, что, находясь в комнате, чувствуешь себя пустыми и давящими холодными стенами. Грамотно купленные и правильно повешенные картинки помогут исправить ситуацию. Они придадут уютную атмосферу всему пространству, не дадут заскучать и внесут в вашу жизнь гармонию красоты и совершенства.

Авторская картина вобрала в себя вибрацию жизни, души художника.Для интерьера, в котором вы проводите большую часть времени, лучше купить оригинальную картину, созданную рукой художника маслом на холсте. Картины чаще всего вызывают у человека положительные эмоции. Дома они создают условия для полноценного отдыха, восстановления сил и релаксации. Картины также подходят для большинства общественных мест, таких как офисы, школы, отели, кафе и рестораны.

Создание картины — уникальный творческий процесс. Покупка или заказ картины у художника — не менее интересный и познавательный процесс.К тому же это хорошее и долгосрочное вложение капитала. Картина художника несет в себе заряд его мыслей, переживаний, творческих мучений, эмоций, стремлений, обладает неповторимым колоритом и энергией. Многие люди испытывают удовольствие в окружении картин, даже если искусство не входит в круг их постоянных интересов.

Главный ориентир при покупке русских картин — это чувственное восприятие, а не вкус дизайнера, друга или искусствоведа.Картина непременно должна нравиться в первую очередь вам. Довольно часто вы будете наблюдать это в своем интерьере, и если картина не идеальна, это будет вас раздражать, и вы будете чувствовать себя неуютно в комнате. В этом случае все теряет смысл: стоимость картины, ее автор, техника росписи и год ее создания. Но если картина вызывает положительный отклик и к тому же удачно вписывается в интерьер, то вы испытаете массу положительных эмоций и чувство удовольствия от правильно сделанного приобретения…

Что такое картина — роскошь или необходимый элемент декора? Какова его роль в интерьере? И нужно ли это вообще здесь, или это что-то лишнее? В конце концов, с практической точки зрения без картин вполне можно жить. Без мебели, без штор, без часов сложно угадать интерьер, потому что все эти вещи несут определенные функции. А в чем миссия картины? Как объяснить, что этот непрактичный элемент интерьера не исчез в процессе эволюции жилья?

На самом деле наш дом приобретает милые черты души из-за мелочей.Картина в интерьере оживляет комнату, придает ей душевность и целостность. Картина — «последний штрих» в создании интерьера, своеобразного лица дома и живущих в нем людей. По этой причине нужно внимательно и последовательно относиться к его выбору.

Интерьер и картины должны быть единым целым, гармонично дополняя друг друга. Перед тем как купить картину у художника, вы можете посоветоваться с ним, обсудить стиль вашего интерьера. Художник имеет профессиональный опыт и может порекомендовать вам наиболее правильное решение: приобрести уже созданную картину или заказать новую с учетом ваших пожеланий.Вы можете заказать картину прямо у художников в нашей картинной галерее.

Чтобы угодить любому человеку, необходимо преподнести ему подарок, который затронет его душу, подарит пищу для размышлений и созерцаний, подарит положительные эмоции. Картина в подарок — одна из немногих вещей, способных покорить сердце. Если вы когда-нибудь покупали картину на подарок, то уже знаете, что это трудное и увлекательное занятие. Приобретая картину в подарок, нужно учитывать не только предпочтения и вкусы того, кто получит подарок, но и особенности интерьера комнаты, в которой будет висеть картина.Выбирая картинку для подарка, всегда стоит учитывать ее жанр.

Как порадовать любимую женщину, например, в День святого Валентина или в Международный женский день? Если ваш выбор пал на картину, то картина с красивыми цветами, несомненно, станет великолепным подарком. Цветы на картине несут заряд свежести и непременно напомнят ведущего. Красивая и правильно подобранная картина — это подарок, который всегда заметят. Вас всегда будут помнить с любовью, если вы купите картину в подарок на Новый год, свадьбу, день рождения, юбилей, новоселье.На праздник можно заказать и подарить портрет юбиляра, купить оригинальную картину современного русского живописца или приобрести рукотворную копию шедевра старого мастера. Картина в подарок руководителю или деловому партнеру — признак хорошего вкуса.

Продажа картин русских художников традиционно осуществляется в художественных салонах, галереях, на выставках, вернисажах и аукционах картин по всему миру. В наше время все большую популярность приобретают интернет-магазины картин, что, конечно же, не случайно.Просто введите на поисковых сайтах такие фразы, как «купить картину», «картина в подарок», «заказать русскую картину», «галерея русской живописи», «картина маслом» или «заказать портрет», чтобы увидеть огромное разнообразие предложений. Продажа картин — это деятельность, требующая специальных профессиональных знаний в области искусства, а также тонкого психологического подхода и определенных качеств характера для успешного общения как с покупателями картин, так и с художниками. Сочетание всех этих и многих других личных качеств позволяет угадывать желания и понимать потребности как художников, стремящихся продать свои картины, так и ценителей искусства, стремящихся сделать лучший выбор при покупке картин.Для владельцев нашего интернет-магазина картин главное — это любовь к делу и желание совершенствоваться в этой сфере.

Продажа картин через Интернет-галерею картин имеет ряд преимуществ как для покупателей, так и для продавцов. Художники и владельцы картин имеют удобную службу, позволяющую бесплатно демонстрировать свои работы и продвигать свои имена в мире искусства. Для покупателей и любителей искусства это возможность быстрого поиска в каталоге картин, включающем тысячи произведений искусства, экономя свое время и силы.Этот сайт — место, где вы можете помимо покупки и продажи картин и других произведений искусства общаться и узнавать что-то новое в концентрированной форме, обмениваться мнениями на художественном форуме, оставлять комментарии к статьям и произведениям искусства, участвовать в соревнованиях.

Чтобы купить картину, не стоит долго сомневаться. Картина, которая с самого начала больше всего привлекала ваше внимание и вызывала неподдельный интерес, скорее всего, именно та, которая вам нужна.Но главное — приобрести картину, которая вдохновляла бы своего хозяина, нравилась бы ему и гармонировала с его внутренним мироощущением.

Чтобы найти и купить картину в нашем интернет-магазине, воспользуйтесь поиском по сайту. Чтобы найти желаемую картину, вы можете использовать слова из названия картины, а также ключевые слова, описывающие ее содержание. Чем чаще картина будет востребована в поиске, тем больше у художника шансов ее продать. Поэтому владельцы картин, добавляя картины на сайт, пытаются найти правильные ключевые слова и фразы, описывающие содержание картины.Принцип поиска на этом сайте аналогичен поиску на любом другом сайте: в поисковом запросе вы можете использовать как одно, так и несколько слов и словосочетаний, разделенных пробелами. Нет необходимости вводить все слово в поле поиска. Вы можете ввести несколько первых букв слова, начало слова. Например, для поиска картин, содержащих слово «море» или «морской пейзаж» в названии или ключевых словах, достаточно ввести слово «море» в поле поиска. В результате вы увеличите количество найденных картин и, как следствие, расширите свой выбор.

Если вы нашли понравившуюся картину, обратите внимание, продается она или нет. Если есть возможность купить оригинальную картину, то под ней вы увидите ссылку «Купить картину». Если картина не продается как оригинал, но есть возможность заказать ее копию, сделанную художником вручную, то вы можете найти ссылку «Заказать копию художника» под ней. Перейдя по ссылке, заполните необходимые поля формы заказа на покраску (ваши контактные данные и пожелания по оформлению заказа) и нажмите кнопку «Отправить».Мы передадим ваш заказ художнику, и вы получите уведомление о статусе вашего заказа. Вы сможете напрямую связаться с художником и обсудить детали заказа картины.

Цена картины, представленной на сайте, не включает стоимость доставки до покупателя и другие дополнительные расходы, такие как страховка, разрешение на экспорт, упаковка и курьерские услуги. Способ доставки, время и стоимость доставки оговариваются дополнительно с продавцом картины.Вы также сможете лично обсудить с художником варианты оплаты.

Если картина уже оформлена, то под картиной стоит статус «В рамке». Это означает, что цена рамы уже включена в стоимость произведения искусства. Если под картиной, которую вы собираетесь купить, указано «Без обрамления», вы можете обсудить стоимость обрамления с художником или воспользоваться услугами ближайшей студии кадрирования после того, как картина будет доставлена ​​вам.

Обращаем ваше внимание на то, что большая часть выставленных на продажу картин находится у художников или их представителей. Город и страна проживания художника указаны на странице с его биографией. Конечно, стоит учесть это перед покупкой картины, так как от этого напрямую зависят время и стоимость доставки. Если вам срочно нужна картина к определенной дате, например, в подарок, разумнее будет заказать или купить ее у живущего поблизости художника. В этой ситуации процесс покупки и доставки будет намного проще и дешевле, а время будет минимальным.Заказывая картину, ручную копию картины художника, картину по фотографии, ручную копию известной картины или портрета, следует помнить, что создание картины займет определенное время. В любом случае, продолжительность создания художественного произведения во всех случаях следует согласовывать с художником или его представителем.

Во многих городах мира произведения искусства продаются в местных художественных галереях, художественных салонах, на выставках, вернисажах или просто на улицах, где художники сами продают свои картины.В наши дни также нередко продавать картины через интернет-магазины. Те, кто когда-либо совершал покупки через онлайн-галерею, знают, что оригинальная картина может немного отличаться от своей фотографии по ряду технических и других причин. Фотография не может передать всю полноту восприятия настоящей картины. Однако покупка картин через интернет-магазин картин имеет ряд преимуществ. Во-первых, ни одна традиционная галерея не может выставить на просмотр и продажу тысячи картин художников.В нашем каталоге представлены тысячи картин как начинающих, так и профессиональных художников со всего мира.

Несомненным плюсом является также экономия времени при поиске желаемой картины. И это очень удобно, ведь вы можете напрямую договориться с художником о цене и доставке картины вам лично. Интернет-галерея работает круглосуточно и делает процесс заказа возможным из любого места и в любое время. Но, пожалуй, главное преимущество — это ценовой фактор.Покупая произведение искусства через онлайн-каталог картин, вы совершаете покупку по цене владельца картины.

Наш интернет-магазин картин предлагает Вашему вниманию каталог картин с широким ассортиментом: пейзажи, городские пейзажи, морские пейзажи, жанровые сцены, обнаженные натуры, натюрморты, портреты, копии картин и оригинальные картины маслом различной тематики.

Если вам нужен подарок в виде картины к юбилею или торжеству, вы сможете найти его на нашем сайте.В нашей галерее представлены работы различных жанров и стилей, направлений и течений в искусстве, охватывающие любые сюжеты и сюжеты, выполненные в различной технике художниками со всего мира.

Несомненным преимуществом нашей онлайн-галереи является возможность заказать картину по фотографии. Это дает свободу вашему личному творчеству. Непременным условием создания такой картины будет внимание к вашим пожеланиям к сюжету, срокам доставки и стоимости.

Современные картины украсят ваш интерьер и создадут ощущение уюта.Наш сайт картин поможет тем, кто стремится украсить квартиру, дом и офис, сделать интересную детскую комнату, найти замечательный подарок в виде картины для своих близких.

В нашей галерее картин вы можете заказать сделанные вручную копии известных картин великих художников прошлого. Мы передадим ваш заказ одному из наших профессиональных художников-переписчиков. Также вы можете заказать картину, написанную художником по вашему фото. Это может быть городской пейзаж с улицами любимого вами города, портрет, красивый пейзаж тихих уголков природы и любой другой сюжет…

Общеизвестно, что стоимость картины зависит от мастерства и популярности ее художника. В этом есть свои плюсы и минусы. Безусловно, живопись известного мастера будет источником вдохновения, привлечет внимание окружающих, подчеркнет статус владельца картины, не говоря уже о том, что это выгодное вложение капитала, ведь картины известных художников со временем только дорожает. Если у вас ограниченные финансы и вы хотите вложить свои деньги в покупку картины перспективного начинающего художника, свяжитесь с нами для получения бесплатной консультации.Не секрет, что оригинальные картины всегда в цене. Правильно подобранные в нашем интернет-магазине картины со временем будут дорожать.

Для того, чтобы оценить любого русского художника в нашей галерее русской живописи, воспользуйтесь значением личного рейтинга этого художника. Чем выше рейтинг художника, чем выше его мастерство, оценка его картин публикой, частота пополнения онлайн-экспозиции, тем выше востребованность и личная ответственность.Высокий рейтинг — показатель положительной оценки работ художника его коллегами, критиками и ценителями искусства, признак того, что продажи картин происходят регулярно. Все это, несомненно, говорит о том, что картины художника со временем будут дорожать. Высокий рейтинг также является признаком социальной ответственности и личной организованности художника. Покупая картину у автора с высоким рейтингом, вы получаете дополнительную гарантию того, что этот художник имеет хорошую репутацию в нашей галерее и что продажа картин будет организована им ответственно и быстро, а создание копий ручной работы будет выполнено в короткие сроки. вовремя и с должным качеством.Каждая покупка картин художника повышает его рейтинг на сайте.

Окончательная стоимость картины в каждой галерее определяется по-разному. Часто цена картины зависит от популярности художника, сложности и эксклюзивности произведения искусства, а иногда и от его размеров и года создания. Покупая картину в обычной картинной галерее, вы можете быть уверены, что в ее окончательную стоимость включены дополнительные расходы на аренду зала, заработную плату искусствоведов, организацию экспозиции и рекламных кампаний, а также на изготовление материалов для печати.В этой интернет-галерее это художники, которые устанавливают цены на свои работы, поэтому велика вероятность, что покупка обойдется вам дешевле.

Наша картинная галерея стремится поддерживать всех художников, которые размещают свои картины на нашем веб-сайте, предоставляя им все технические возможности для выставок и продажи своих картин через наш интернет-магазин. Наша галерея предлагает своим клиентам следующие услуги и возможности для удобного и быстрого поиска, просмотра и покупки картин:

— каталог, в котором картины разделены на разные категории по жанру, стилю и содержанию;

— современный дизайн и удобная навигация по сайту делают его использование и просмотр экспозиций художников предельно простым и понятным;

— система расширенного поиска позволяет находить картины и другие произведения искусства по ключевым словам, фразам и другим параметрам;

— рейтинг российских художников показывает их популярность и социальную ответственность, а также оценку их творчества посетителями и покупателями сайта;

— интернет-магазины позволяют купить русское искусство онлайн в любое время;

— возможность связаться с администрацией галереи и службой поддержки в режиме реального времени.

В нашей онлайн-галерее представлено большое количество картин, готовых к продаже, а также графика, акварель, вышитые картины, батик, скульптура, иконы, мозаика, стильные изделия из стекла и витражи, картины, куклы, эксклюзивные поделки и предметы ручной работы. прикладное и декоративное искусство. В нашей виртуальной галерее вы можете заказать сделанные вручную копии картин, индивидуальных и семейных портретов. Также можно приобрести у коллекционеров свои коллекции картин старых мастеров России, СССР и зарубежья.

Концепция сайта не ограничивается предоставлением возможности создания персональной экспозиции художникам какой-либо одной страны или ориентированной на конкретное направление в искусстве в целом и живописи в частности. Мы стараемся донести до вас максимально возможную и качественную информацию о современном мире изобразительного искусства. Текущий критерий отбора картин для нашей выставки на сайте подразумевает присутствие не только именитых и профессиональных художников, но и перспективных начинающих авторов.

Приглашаем Вас стать постоянным зарегистрированным пользователем нашего сайта, прикоснуться к миру прекрасного, найти друзей и почитателей своего искусства!

Русское искусство: Путеводитель коллекционера

Группа ведущих экспертов обсуждает ключевые фигуры русского искусства за последнее столетие и не только — Малевича, Фаберже, Овчинникова, Дейнека, Врубеля и других, иллюстрированных лотами, выставленными на Christie’s

.

2017 год знаменует собой столетнюю годовщину Русской революции, положившей конец более чем 300-летнему царскому правлению и приведшей к возникновению Советского Союза.Сразу после этого потенциал радикальных художественных новшеств в России казался безграничным, но это длилось недолго.

В мире искусства столетний юбилей — это момент, чтобы оценить траекторию развития русского искусства с начала ХХ века до наших дней. В преддверии продажи русского искусства в Лондоне 5 июня мы попросили пять ведущих специалистов по русскому искусству из музеев и галерей со всего мира рассказать нам об их любимых русских художниках; какие русские мастера, по их мнению, были упущены из виду; и их обязательные для посещения места для просмотра русского искусства в Москве и за ее пределами.

Какого русского художника, по вашему мнению, недооценивают больше всего?

Алла Розенфельд, куратор русского и европейского искусства, Художественный музей Мид, Амхерстский колледж , США: «Олег Васильев (1931-2013) был центральной фигурой появившегося нонконформистского поколения советских художников. в первые годы после смерти Иосифа Сталина в 1953 году. Хотя работы Васильева включены в некоторые из крупнейших мировых музейных коллекций, его имя до сих пор в значительной степени неизвестно в критическом мейнстриме современного глобального мира искусства.Васильев иммигрировал в Соединенные Штаты после распада Советского Союза. Его искусство тесно связано с творчеством его более известных друзей и коллег-художников, Эрика Булатова и Ильи Кабакова. Как красноречиво заметил Булатов, Васильев связал прошлое с будущим, соединив реалистическое русское искусство XIX века и формальные авангардные эксперименты 1920-х годов с концептуальным искусством, которое приобрело известность в Москве в конце 1960-х и 1970-х годах. В Соединенных Штатах некоторые его картины можно увидеть в Коллекции нонконформистского искусства Нортона и Нэнси Додж в Художественном музее Циммерли в Университете Рутгерса.Одна из исключительных серий этого художника — «Дом с мезонином » (1991), в которой запечатлен весь спектр творческого стиля Васильева (Художественный музей Мида, Амхерстский колледж) ».

Зельфира Трегулова, генеральный директор, Государственная Третьяковская галерея, Москва : «Я считаю, что российское искусство вообще недооценивается. Это касается всех периодов его развития. Рынок только что выхватил дюжину хорошо продаваемых имен из обширного наследия, и это не всегда является реальной мерой значения работ этого художника в истории искусства.Художники первой половины XIX века постоянно недооцениваются; например, фигура как Александр Иванов. Рыночные цены на отдельные произведения Серова не компенсируют общей недооценки его творчества. Врубель, Дейнека; таких примеров много ».

Антон Белов, директор, Музей современного искусства «Гараж» : «Кроме Ильи Кабакова, всех русских художников недооценивают. Учитывая слабый рынок русского искусства, сейчас идеальное время для покупки ключевых работ современных художников и художников-нонконформистов 1960-х годов.’

Дмитрий Плавинский (1937-2012), Церковь . Масло, акрил и карандаш на панели, 33¾ x 21½ дюйма (86 x 54,5 дюйма).7 см). Этот лот был выставлен на продажу 5 июня 2017 года на Christie’s в Лондоне и продан за 25 000 фунтов стерлингов

.

Гвидо Трепса, исполнительный директор, Музей Николая Рериха , Нью-Йорк: «Варвара Степанова, жена Александра Родченко, была такой же талантливой и влиятельной, как и любой из ее коллег-конструктивистов. Ее работа в области плакатов, типографики, текстиля и театра до сих пор оставляет след в современном графическом дизайне.От ее андрогинных спортивных костюмов до макетов в художественном журнале LEF — ее многопрофильный подход заслуживает большего авторитета среди авангардной элиты ».

Варвара Степанова (1894-1958), Три фигуры, 1921.Продано 24 июня 2004 года на Christie’s в Лондоне за 41 825 фунтов стерлингов.

Анн Дюма, куратор, Королевская академия художеств : «Для меня Александр Дейнека — самый важный и интересный русский художник советского периода, но он малоизвестен на Западе. У нас есть девять его работ на выставке Королевской академии. , Текстильщики (1927) и Race (1932).

«Хотя мощный образный стиль Дейнеки удовлетворял потребность советских властей в искусстве, понятном массам, он отнюдь не просто следовал реалистической формуле. Он опирался на широкий спектр влияний, таких как авангардное конструктивистское искусство, кино, фотомонтаж и реклама, которые он блестяще сочетал в своих весьма оригинальных картинах ».

Хлебникова Императорским ордером, Москва, 1908-1917 гг., На серебряной пластине и хрустальном блюде с перегородчатой ​​эмалью.13 дюймов (33,6 см) в длину. Эта работа была выставлена ​​на торги Русского искусства 5 июня 2017 года на Christie’s в Лондоне и продана за 35 000 фунтов стерлингов

.

Вильфрид Цейслер, хранитель русского искусства и искусства XIX века, Hillwood Estate, Museum & Gardens : «Меня всегда интересовали декоративное искусство, русское искусство и его взаимодействие с западным искусством.На выставках и аукционах русского искусства часто представлены украшения Фаберже, Овчинникова и Хлебникова. Эти фирмы были крупными предприятиями, управляемыми успешными предпринимателями. Однако меня всегда восхищали творения небольших ателье, которые работали более традиционным способом с мастером во главе мастерской в ​​окружении нескольких рабочих и учеников.

Впечатляющий серебряный ковш и черпак, украшенный драгоценными камнями.Отмечен Императорской грамотой К. Фаберже, Москва, 1899–1908. Ковш высотой 13 дюймов (34,6 см); ковш длиной 10 дюймов (26 см). Этот лот был выставлен на продажу 5 июня 2017 года на Christie’s в Лондоне и продан за 87 500 фунтов стерлингов

.

Ювелирный двухцветный подарочный портсигар из золота марки Андрея Брагина, г.Санкт-Петербург, около 1909 года. Продано 26 ноября 2012 года на Christie’s в Лондоне за 8 750 фунтов стерлингов.

Что вы считаете величайшим произведением русского искусства и почему?

Антон Белов: «Конечно, Малевича Черный квадрат . Нет никаких аргументов: в ХХ веке не было более важных работ, не было более значимого художника.Ни одна страна не произвела ничего более важного. Это икона 20 века, и даже сегодня она определяет тенденции развития искусства ».

Филонов Павел Николаевич, Бегство в Египет (Беженцы) , 1918.Масло на холсте. Носилки: 28⅛ x 35⅛ дюймов; 71,4 х 89,2 см. Художественный музей Мида в Амхерстском колледже; Дар Томаса П. Уитни (выпуск 1937 г.)

Алла Розенфельд: «Конечно, есть много великих произведений русского искусства. Одна из таких работ — Бегство в Египет ( Беженцы ) (1918?) Павла Филонова (1883–1941) из собрания Художественного музея Мида.По словам профессора Джона Э. Боулта, эта работа — одна из трех известных в Соединенных Штатах картин этого известного художника. Филонов при жизни предпочитал не продавать свои работы.

‘Бегство в Египет, Библейская история религиозных преследований и политической эмиграции, которая вдохновила художника, должна была казаться особенно актуальной во время Первой мировой войны. Он создал эту увлекательную картину в соответствии со своей художественной теорией, которую он назвал аналитическим искусством. .Этот метод был направлен на привлечение видимых и невидимых явлений природы в художественную практику ».

Кузьма Петров-Водкин (1878-1939), Автопортрет.Бумага, уголь. 15 x 11¾ дюймов (38 x 30 см). С этюдом к настоящему портрету на обороте. Эта работа была выставлена ​​на аукцион русского искусства 5 июня 2017 года в Christie’s в Лондоне и продана за 75 000 фунтов стерлингов

.

Ann Dumas : «Есть так много работ, которые могут претендовать на эту награду, поэтому я просто упомяну одну из моих самых любимых: Красная площадь Малевича.В Королевской академии мы показываем его на пике реконструкции выставки Малевича 1932 года. Мне это нравится, потому что он такой смелый. В 1915 году это было необычайно смелым поступком — выразить суть картины в одном квадрате. По иронии судьбы, Малевич назвал ее Живописный реализм крестьянки в двух измерениях .

«Эта работа и, возможно, еще более известная модель Black Square были абсолютным воплощением формы и цвета. Для Малевича эти чисто абстрактные произведения имели духовное измерение.В некотором смысле они были современной интерпретацией традиционной русской иконы ».

Казимир Малевич (1878-1935), Ортодокс I , 1912.Продан за 42 500 долларов 7 мая 2009 года на Christie’s в Нью-Йорке.

Зельфира Трегулова: «Троица Андрея Рублева » . Опять же, объяснения не нужны ».

Wilfried Zeisler: «Это может звучать как клише, но я искренне интересуюсь творчеством Михаила Врубеля. Я могу часами наблюдать «Демонов» Врубеля в Третьяковской галерее или в Государственном Русском музее.Его гипсовая голова Демона 1894 года из Государственного Русского музея — одна из моих любимых.

«Я также люблю керамические изделия, которые он создал — их глазурь и цвета просто прекрасны. Интерес к Врубелю привел меня в Киев, где я поехал посмотреть его фрески в Кирилловской церкви, особенно Мадонну Врубеля . Эскиз головы для этой работы, который сейчас находится в Третьяковской галерее, имеет самые завораживающие глаза, которые я когда-либо видел ».

Михаил Врубель (1856-1910), Весна. Продан 3 июня 2013 года на Christie’s в Лондоне за 205 875 фунтов стерлингов.

Для новичка в русском искусстве, какой музей или галерею вы порекомендуете посетить и почему?

Зельфира Трегулова: «Третьяковская галерея и Русский музей. Не нужно объяснять почему. Это два сборника, где каждый может понять, что такое русский художественный гений.’

Маргарита Пушкина ина, Директор-учредитель, Cosmoscow : «Я определенно рекомендую Государственную Третьяковскую галерею в Москве — крупнейший музей русского искусства. «Старая» галерея в Лаврушинском переулке — отличное место для просмотра работ гениального Андрея Рублева. «Новое» пространство на Крымском Валу имеет не менее впечатляющую коллекцию шедевров авангарда и современного искусства ».

Ann Dumas: «Тем, кто интересуется русским авангардом начала 20 века или конструктивистским и супрематическим искусством, стоит посетить выдающуюся коллекцию Джорджа Костакиса в Музее современного искусства в Салониках, Греция. .’

Алла Розенфельд: В Соединенных Штатах я бы посоветовал посетить следующие художественные музеи с впечатляющими коллекциями русского искусства: Художественный музей Зиммерли в Университете Рутгерса в Нью-Джерси, в котором собрана самая важная коллекция нонконформистского искусства бывшего Советского Союза. Союз; Музей русского искусства в Миннеаполисе, штат Миннесота, специализирующийся на советском реалистическом искусстве; Музей Хиллвуд в Вашингтоне, округ Колумбия, где представлено русское декоративное искусство; Музей Университета Дьюка, в котором собрана значительная коллекция московского концептуализма; и Художественный музей Мида в Амхерст-колледже, специализирующийся на современном русском искусстве начала двадцатого века.Это крупное собрание русского искусства было подарено Амхерсту в 2000 году Томасом П. Уитни (1917-2007), дипломатом, журналистом, переводчиком и коллекционером. Помимо богатой коллекции русского искусства в Миде есть также Амхерстский центр русской культуры, основанный в 1991 году. Его фонды, отражающие широту и глубину достижений русской культуры в наше время, включают редкие русские книги, периодические издания и архивные материалы. .

Антон Белов: «Россия настолько огромна, что трудно рекомендовать один музей.В Москве обязательно нужно посетить новую Третьяковку. Вы должны смотреть на все, от русского авангарда до произведений 1990-х годов.

«За пределами Москвы во многих городах России есть прекрасные коллекции авангардного искусства и интересные работы 1960-х и 1970-х годов. Вы удивитесь, какие шедевры можно найти в местных музеях в таких городах, как Самара или Краснодар, в том числе работы Малевича и Кандинского. Всегда есть что-то интересное ».

Русское искусство: история, движения и факты — гуманитарный класс

Троица Андрея Рублева

Просвещение и вестернизация

Религиозное искусство доминировало в России на протяжении многих веков.Лидеры даже препятствовали производству светского искусства. Некоторые художники, такие как Симон Ушаков (1626–1686), сопротивлялись этому и создавали работы под влиянием стиля иконы, но с изображением нерелигиозных предметов. Все изменилось, когда царь Петр Великий (1672-1725) начал программу вестернизации русской культуры, чтобы сделать ее более похожей на европейскую. В то время господствовавшим в Европе стилем был неоклассицизм, поэтому многие русские произведения восемнадцатого и начала девятнадцатого веков разделяют его черты.Исторические, библейские и классические (греческие и римские) сюжеты были популярны среди художников, таких как Антон Лосенко (1737–1773). Русские художники, такие как Иван Никитин (ок. 1688-1741) и Дмитрий Левицкий (1735-1822), также создали мастерские портреты в академическом стиле, в которых подчеркивается реалистичность техники и идеализация сюжетов. Российская академия художеств, основанная в середине восемнадцатого века, помогла централизовать русское искусство и подготовить художников, умеющих создавать произведения, соответствующие ожиданиям академического и неоклассического искусства.

Девятнадцатый век и реализм

Художники могут быть мятежниками, поэтому неудивительно, что к XIX веку русским художникам наскучили строгие правила и ограниченность тематики, продиктованные академическим и неоклассическим искусством. Группа художников, известная как Странники ( Передвижники ), создавала работы, изображающие более знакомые, исконно русские сюжеты, а не имитирующие западные модели. Иван Шишкин (1832–1898) и Илья Репин (1844–1930) были двумя его наиболее значительными художниками.Картина Шишкина «Утро в сосновом лесу » (1878) демонстрирует стиль реалист , запечатленный этими художниками.

Утро в сосновом бору — Шишкин

Репин также изобразил сцены, связанные с русской жизнью и историей, такие как его знаменитая работа, показывающая жестокий момент, когда царь XVI века Иван Грозный убил своего сына.

Иван Грозный Репина

Модернизм

На заре двадцатого века Россия претерпела серьезные изменения, включая революцию 1917 года, гражданскую войну и образование Советского Союза (СССР).Русское искусство отреагировало на эти бурные события тем, что стало более экспериментальным и авангардным, как и другие движения Модерн по всему миру. Некоторые художники, такие как Василий Кандинский (1866-1944) и Марк Шагал (1887-1985), работали как в русских землях, так и в Европе. Шагал создавал произведения в различных средствах массовой информации, которые показывают влияние народной жизни и еврейской культуры, и использовал яркие цвета и творческий, часто похожий на сон стиль. Кандинский создал некоторые из первых значительных абстрактных и необъективных работ, освободив искусство от необходимости быть реалистичным или даже изображать узнаваемые предметы.

Движение Futurist , распространенное в таких странах, как Италия, также оказало сильное влияние на российских художников, таких как Александр Родченко (1891–1956) и Наталья Гончарова (1881–1962). Русские художники этого движения подчеркивали смелость дизайна, угловатые формы и современные темы, как это видно на знаменитых фотомонтажах Родченко или картине Гончаровой «Велосипедист » (1913).

Велосипедист Гончаровой

Футуризм в России превратился в вариант, известный как Конструктивизм , который подчеркивает живопись, скульптуру и архитектуру в России и за рубежом.Группа Suprematist создавала еще более резко абстрактные работы. Супрематизм подчеркивает основные геометрические формы и упрощенные цветовые схемы, а не изображение чего-либо узнаваемого, как вы можете видеть в метко озаглавленной «Супрематическая композиция : белое на белом » (1918) от Казимира Малевича (1878-1935).

Белое на белом Малевича

Советское и постсоветское искусство

После 1920-х годов, под строгим правлением Иосифа Сталина и других советских лидеров, русское искусство официально стало более ограниченным. Социалистический реалистический стиль доминировал и был гораздо более консервативным, чем авангардные модернистские работы. Ожидалось, что художники будут использовать свое мастерство для создания изображений, пропагандирующих советский коммунизм, таких как портреты Сталина и его предшественника Владимира Ленина Исааком Бродским (1883-1939).

Неофициально, однако, художника-нонконформиста художника продолжали создавать больше экспериментальных и индивидуалистических работ, несмотря на риски. Например, на знаменитой Бульдозерной выставке (1974) художники-нонконформисты устроили шоу под открытым небом, прежде чем оно было фактически уничтожено чиновниками с помощью бульдозеров и других орудий.В постсоветскую эпоху русское искусство продолжало охватывать нонконформизм и новые стили, такие как перформанс. Хорошо известным примером является арт-группа феминистского панк-рока Pussy Riot, участники которой были арестованы в 2012 году по обвинению в хулиганстве и кощунственных действиях в знак протеста против руководства России.

Краткое содержание урока

Русское искусство на протяжении веков демонстрировало большое разнообразие стилей, тем и движений. Начиная с иконы живописи, посвященной религиозным темам, русское искусство стало более вестернизированным в восемнадцатом веке и отреагировало на европейские движения, такие как неоклассицизм.Однако в XIX веке художники выступили против этой тенденции и выпустили реалистических работ, посвященных истории и жизни России. В двадцатом веке ряд русских движений Modernist , таких как Constructivism и Suprematism , внесли значительный вклад. Хотя в советский период был отмечен официальный возврат к консервативному искусству в стиле соцреализма , сильная нонконформистская тенденция развивалась и продолжается в постсоветскую эпоху.

Консервация древнерусской живописи (икон) | Художественный отдел Русского музея

Традиционные методы удаления, включающие добавление смягчения слои краски с органическим растворителем сжимаются перед тем, как их соскрести снятые скальпелем, были заменены микроскопом точность. Обычные хирургические скальпели были заменены на специализированные микроинструменты. Макро- и микрофотография теперь часть повседневной практики обеспечения качества консервации.

Результаты, полученные после удаления дополнительной краски с иконок, имеют улучшилось благодаря этим нововведениям. С помощью микроскопа реставратор может точнее оценить лакокрасочное покрытие и сохранить процесс удаления уверенно контролируется, тогда как раньше, консервация специалисты в большинстве случаев руководствовались интуицией только тогда, когда удаление добавленной краски.

К используя микроинструменты, лишь малую часть размера самого маленького скальпеля, реставраторы сделайте лакокрасочное покрытие более чистым, не нарушая его целостность.

Удаление лакокрасочного покрытия под микроскопом, безусловно, намного медленнее, и в результате работы действительно требуют больше времени для восстановления. Но качество работы, как практика показывает, компенсирует это многократно. Новый, управляемый микроскопом методология сыграла решающую роль при реставрации Строгановских икон, известны своими крохотными мазками, требующими филигранной точности во время реставрация, в том числе икона 14 -го -го Борис и Глеб , конец 14 — начало 15 -век икона Возвышение Lazarus и другие.

В качестве практика удаления краски с помощью микроскопа прогрессировала, реставраторы были позволили ближе познакомиться со старинными картинами, и их наблюдения привели к некоторым корректировкам общепринятых представлений о методах и ноу-хау традиционной иконописи. Наиболее важные последствия для практика сохранения произошла из-за открытия большого количества икон смешанные техники росписи с использованием цветных лаков.

Ведущий реставратор Рудольф Кесарев завершает удаление дополнительных лакокрасочных покрытий XVI века. Тихвинская икона ул.Евангелист Лука . 2016

Это Историки искусства считали, что в России лаки не использовались. иконы до конца 16 -го века. Однако доказательства, собранные в За последние несколько лет выяснилось, что лаки использовались в иконах еще в 13 -15 веков. Икона 13 г. г. Богородица и Младенец на троне со св. Николай и Климент в Attendance предлагает интересный пример. использования лакокрасочных материалов.Использовались желтые и красновато-коричневые лаки. красить лица и в некоторых других частях.

Подобные примеры сложных, нетрадиционных практик в иконописи имеют оказалось довольно многочисленным, вынуждая команду по охране окружающей среды полностью переосмыслить использование сильных органических растворители в реставрации икон. Исследования Показано, что эти растворители часто вызывают непоправимый ущерб лакокрасочному покрытию. В результате сегодня сольвентные компрессы редко используются реставраторами. для удаления более поздних добавок краски.Основной упор делается на сухое удаление техники.

В удаление дополнений к оригинальному ЛКП 16 -го -17 -го -в. иконы из Успенского собора Тихвинского монастыря самое значительное достижение студии за последние несколько лет.

Исследования играют решающую роль в творчестве древнерусской живописи. студия консервации. Реставратор, разбирающийся в иконографии, стиле, и нюансы художественного выражения древнерусской живописи, а также глубоко понимает религиозные и философские концепции, лежащие в основе каждой работы, будет удалось избежать многих ошибок и полнее раскрыть изначальный замысел художника.Исследования студий были представлены в многочисленных докладах на музейных семинарах, Российские и международные научные конференции и в различных научных журналах которые опубликовали статьи, написанные консерваторами из команды студии.

Искусство и архитектура России






Из икон и луковичных куполов супрематизму и сталинскому барокко, русское искусство и архитектура многим кажется для России — довольно непонятное множество экзотических форм и чуждых чувств.Без любое ощущение богатых традиций русской культуры, понимание страны огромное художественное богатство превращается в игру исторического анекдота — «церковь, где такой-то укрылся от того, как его зовут «- или бессмысленный набор эстетических фенечки — «Мне больше всего нравятся синие купола». На самом деле русское искусство и архитектура не так сложно понять, как думают многие, и даже немного зная немного о том, почему они выглядят именно так и что они значат, воплощает в жизнь культуру и личность всей страны.

Иконки

Традиция иконописи была унаследованный русскими от Византии, где начался как ответвление мозаики и фресковые традиции ранних византийских церквей. В VIII и IX вв. иконоборческая полемика в Православной церкви поставила под сомнение религиозность изображения были законной практикой или кощунственным идолопоклонством. Хотя использование изображений не был запрещен, это побудило к глубокому пониманию разницы между искусством предназначен для изображения действительности и искусства, предназначенного для духовного созерцания.Эта разница Это одна из причин того, что художественный стиль иконок может казаться столь неизменным. Определенный виды баланса и гармонии стали отражением божественности, и как таковые они предлагали тщательное воспроизведение и тонкую изысканность, а не поразительную новизну. Хотя эта философия привела к сравнительно медленной эволюции стиля, икона живопись значительно развивалась на протяжении веков. В частности, в XIV веке иконопись на Руси обрела гораздо большую степень субъективности и личностного выражение.Самой заметной фигурой в этом изменении стал Андрей Рублев, чьи работы могут быть просмотрено как в Третьяковской галерее в Москве, так и в Русском музее в Санкт-Петербурге.

В отличие от живописной традиции, которой стали придерживаться жители Запада. Русская иконная традиция не имеет отношения к изображению физических пространство или внешний вид. Иконы — это изображения, предназначенные для помощи в созерцательной молитве, и в этом чувство, что они больше озабочены передачей медитативной гармонии, чем планированием реалистичная сцена.Вместо того, чтобы оценивать размер фигуры на значке, оценивая его искажение уровень, посмотрите, как расположены и уравновешены линии, составляющие фигуру, как они перемещают ваш взгляд. Если у вас возникло ощущение, что цифры немного преследует, это хорошо. Они были нарисованы не для того, чтобы очаровывать, а для того, чтобы вдохновлять на размышления и самоанализ. Если вы чувствуете, что должны стоять и ценить каждую икону, которую видите, вам не понравится ни одно из них.Вместо этого попробуйте потратить немного больше времени на один или два, не рассматривая каждую деталь, а просто наслаждаясь несколькими моментами размышлений как ваш глаз идет своим чередом.

Лучшие коллекции иконок можно найти в Третьяковская галерея и Русский музей, хотя, конечно, во многих русских церквях есть сохранили или отреставрировали свои традиционные произведения.

Великий эксперимент

Рост влияния европейской культуры в России в период XVII и XVIII века приблизили русское искусство к знакомым традициям западная живопись.Лишь в конце XIX века следующая большая группа возникли уникальные русские художественные стили, развившиеся в связке с либеральными силы социальной реформы. Это современное движение приняло много разных направлений почти из его зарождение, и описать их все было бы невозможно. Однако даже очень общее знакомство с их общими идеями и интересами делает их работу намного более интересной доступный.

С самого начала современное искусство движение было озабочено отходом от классической традиции и созданием новой вид искусства, тесно связанный с повседневной жизнью российского общества.Это возродился интерес к традиционным формам русского искусства, включая как декоративные народное искусство и, конечно же, иконопись. Из декоративного искусства он получил признание сила абстрактных геометрических узоров — линий, форм и цвета использовались для создавать ритмы и энергетические формы, не обязательно для изображения объектов или реальных пространств. Пересмотр иконописи заставил художников лучше осознать силу квартиры, двухмерная визуальная перспектива.Другими словами, они поняли, что могут лечить холст похож на холст, а не пытается создать впечатление, что это окно в пространство.

С конца девятнадцатого века примерно до 1910 года, движение современного искусства по-прежнему интересовалось традиционными аспектами русского жизнь — религия и деревенская жизнь имели такое же влияние, как и жизнь больших городов. В качестве силы социальной реформы стали более тесно связаны с ростом населения промышленные рабочие, художники-авангардисты России все чаще обращались к фабрике и бешеный ритм городской жизни для вдохновения.Яркие цвета, упрощенные и четкие угловатые формы и акцент на освободительной энергии современного мира стали основа для новых и все более абстрактных композиций. Кубофутуризм, лучизм и Супрематизм был важнейшим из стилей и школ, возникших в это время. время. Среди их самых выдающихся художников были Казимир Малевич, Владимир Татлин, Михаил Ларионов и Анна Гончарова.

После революции 1917 года русский авангард совершил рывок на службу новому большевистскому режиму.Казалось, это обещало просто перерыв в новый мир и сметание старого, ради чего они работали в искусстве. годы. Они выпускали политические плакаты, организовывали уличные конкурсы и ярмарки, и большинство в частности, выполнил дизайн больших общественных пространств страны к юбилею. празднования революции. Пойманный акцентом нового режима на важности промышленной мощи, они начали привносить в композицию чувство рациональности и технологическая направленность производственных работ и дизайна.Конструктивизм, как называют этот стиль, продолжал развиваться до конца 1920-х годов, когда консерватизм сталинского государства отказался от авангарда в пользу советского реализма. Многие выдающиеся художники более ранние школы играли центральную роль в конструктивизме, особенно Татлин. Другой известные художники конструктивистского движения: Александр Родченко, Варвара. Степанова и Любовь Попова.

Отвергнут сталинским правительством и пренебрегли На западе русский авангард совсем недавно привлек к себе должное внимание.В Русский музей в Санкт-Петербурге обладает лучшей коллекцией произведений искусства.

Архитектура

На протяжении большей части своей истории русский архитектура была преимущественно религиозной. Церкви на протяжении веков были единственными здания должны быть построены из камня, и сегодня это почти единственные здания, которые остались от своего древнего прошлого. Основные элементы русского церковного дизайна сложились справедливо. рано, примерно в одиннадцатом веке.План в целом такой же, как у греческого креста (все четыре руки равны), а стены высокие и относительно без отверстий. С крутым уклоном Крыши (шатровые крыши) и множество куполов покрывают сооружение. Характерный лук купол впервые появился в Новгороде на соборе Святой Софии, в одиннадцатом век. В интерьере главной особенностью является иконостас, алтарная ширма, на которой иконы церкви расположены иерархически.

Центры средневековой церковной архитектуры следовали за смещение господства городов старой России — из Киева в Новгород и Псков, а из конец 15 века, Москва. С созданием единого Российского государства под Иван III, зарубежная архитектура стала появляться в России. Первый экземпляр такого иностранная работа — Большой Успенский собор Москвы, завершенный в 1479 г. архитектор Аритотле Фиораванти.Собор на самом деле представляет собой замечательный синтез традиционные русские архитектурные стили, хотя его классические пропорции отмечают его как произведение итальянского Возрождения. Русская традиция пережила непродолжительный период возобновившееся влияние при Иване IV (Грозном), при котором легендарный собор Василия Блаженного. Однако в целом цари начали объединяться. все больше и больше с европейскими архитектурными стилями. Великолепным примером этого сдвига был Питер Великий, спроектировавший св.-Петербург в соответствии с преобладающим европейским дизайном. Его преемники продолжили эту модель, наняв итальянского архитектора Растрелли для создания Зимний дворец в стиле рококо и Смольный собор. При Екатерине Великой был установлен рококо. кроме неоклассицизма, завершающего полностью европейскую топографию Санкт-Петербурга.

В девятнадцатом веке новый интерес к возникли традиционные русские формы. Как и связанное с ним движение в изобразительном искусстве, это возрождение старых стилей участвовало в создании авангардного движения в начало двадцатого века.В течение короткого периода после революции 1917 года авангард Конструктивистское движение получило достаточное влияние на проектирование крупных зданий. Ленина Мавзолей, спроектированный в 1924 году Алексеем Щусевым, — самый примечательный из немногих сохранившихся. Конструктивистские постройки. К концу 1920-х годов авангард оказался отвергнутым. Сталинское все более консервативное государство. Отход от модернизма, сталинские времена Архитектура лучше всего иллюстрируется семью почти неразличимыми «свадебные» небоскребы, возвышающиеся над горизонтом города.

В последние годы распад Советского государства и возобновление интереса к традиционной русской культуре привело к новому пониманию более скромная народная архитектура. Немногочисленные оставшиеся образцы традиционных деревянных архитектура, например, экспонаты в архитектурном музее под открытым небом в Костроме, сегодня являются одними из самых ценных архитектурных памятников России.



Copyright (c) 1996-2005 InterKnowledge Corp.Все права зарезервированный.

Syl-Lee Antiques Покупатель русского искусства и продавец антиквариата в России

У вас есть русский антиквариат?

Свяжитесь с нами, чтобы один из наших российских специалистов оценил ваше редкое русское искусство, украшения и антиквариат.

На протяжении веков русские художники и ремесленники создали множество необычайно красивых картин, скульптур, ювелирных украшений и других предметов декора.Сегодня эти предметы старины и произведения искусства восхищают людей во всем мире, и многие из них стали очень популярными предметами коллекционирования.

Рынок русского искусства и антиквариата включает все, от изобразительного искусства и императорской мебели до стеклянной посуды, ремесленных изделий и украшений советской эпохи. Среди наиболее коллекционных предметов — иконы, русское серебро, русская эмаль, бронза и картины.

Старинный русский значок календаря

Для многих иконы — это первое, что приходит на ум, когда они думают о русском искусстве и антиквариате — и не без оснований.Более 1000 лет иконы играют важную роль в русской православной религии как в церквях, так и в домах. Фактически, россияне видят в них «Евангелие в красках». Традиционно икона представляла собой небольшую картину, написанную яичным темпура на деревянных панелях, которые иногда покрывали тканью. Часто для изображения ореолов и других деталей использовалось золотое или окрашенное в шеллак серебряное полотно. Многие иконы были украшены декоративными фасадами, позолоченными серебром, бронзой или оловом и использовавшимися для создания глубины.Первоначально иконы писались в традиционном, нереалистичном византийском стиле; однако после раскола в Русской православной церкви в середине 17 века возникло более современное движение, которое включало в себя более западный, реалистичный стиль. Как религиозные произведения, которые часто создавались несколькими художниками, иконы редко подписывались. Однако одно имя, которое ассоциируется с ранними иконами, — это Андрей Рублев, художник XIV века, чьи работы включают «Троицу Ветхого Завета».

Русские мастера издавна использовали серебро для создания украшений и статуэток, а также для украшения множества предметов, от оружия до изделий из серебра.Серебряные украшения из области Киевской Руси (9-13 века) были очень сложными, включая такие техники, как литье, тиснение и нанесение черни . В 18-19 веках серебро использовалось для изготовления изделий из серебра, литых серебряных статуй и украшений для царей и других высокопоставленных семей. После русской революции серебро оставалось излюбленным материалом ювелиров, а то, что сейчас известно как советские украшения, по-прежнему пользуется большим спросом.

Русская эмаль царской эпохи ценится за свое изысканное мастерство.Техника, используемая в этот период, называется перегородчатой ​​, которая включает в себя украшение изделий из металла (часто серебра) стекловидной эмалью и вставками из драгоценных камней или стекла. Для украшения предмета сначала прикрепляют золотую или серебряную проволоку, разделяя его на отсеки. Эти отсеки впоследствии заполняются эмалью или другими вставками, используя цвета для создания изображений и узоров. Что отличает Cloisonné от других стилей эмалирования, так это то, что на готовых изделиях видны различные отсеки и проводка между ними как часть декора.Одним из самых известных производителей русской эмали была всемирно известная ювелирная фирма House of Fabergé, которая была основана в 1842 году и создала 50 знаменитых императорских яиц Фаберже, многие из которых были выполнены в технике перегородчатой ​​эмали , для царей Александра III и Николая II. в конце 19 — начале 20 века. Яйца Фаберже императорского периода почти бесценны. В 2015 году было найдено Третье Императорское пасхальное яйцо, которое, как считалось, было уничтожено, и его стоимость оценивалась в 33 миллиона долларов.

Как и многие другие страны, русские традиционно использовали бронзу для создания многих своих монументальных статуй.Однако бронза также была излюбленным материалом для немонументального скульптурного искусства, особенно в XIX и начале XX веков. В этот период были созданы одни из самых великолепных бронзовых изделий в истории, часто изображающие сцены охоты, военные картины или сцены из повседневной жизни. Животные и природа также были популярными темами, как и бюсты представителей аристократии. Что особенно интересно, скульптуры часто использовались для изображения людей разных национальностей, живших на территории тогдашней Российской империи, таких как баширские всадники, грузинские фермеры и оленеводы-самоеды.Кроме того, они также изображали людей из других регионов, таких как Ближний Восток, Западная Европа и Северная Африка, а также исторические персонажи, такие как Роден и Бетховен. В них даже фигурировали вымышленные и мифические персонажи, такие как Дон Кихот и Мефистофель. Среди самых известных русских скульпторов этой эпохи — Василий Грачев и Евгений Евгеньевич Лансере (также известный как Евгений Лансере). Они были не только современниками, но и соперниками, постоянная конкуренция которых подталкивала их к созданию ярких произведений.К сожалению, после смерти Лансере в 1886 году Грачев перестал работать моделью.

Конечно, Россия также является родиной многих известных художников. Один из самых известных — Василий Васильевич Кандинский, чья безымянная первая абстрактная акварель обычно считается одной из первых чисто абстрактных картин. В 2012 году его «Этюд для импровизации 8» был продан на Christie’s за 23 миллиона долларов. Александр Михайлович Родченко, разносторонний и плодовитый художник, был одним из основателей движения конструктивизма.Он завершил свою карьеру живописца, продемонстрировав три монохромных картины: красный, желтый и синий. Несмотря на свою многолетнюю карьеру, Марк Шагал, пожалуй, наиболее известен как пионер модернизма, использовавший в своих работах элементы символизма, кубизма и сюрреализма. «Юбилей» Шагала был продан на аукционе Sotheby’s в 1990 году за 16,3 миллиона долларов. Другой известный художник, живущий сегодня, Олег Николаевич Целков, является нонконформистом, прежде всего известным своими яркими, эмоционально заряженными изображениями лиц.Его работы продаются на аукционах по всему миру за 85 000 долларов.

Знатоки русского антиквариата и искусства Syl-Lee Antiques приходят к вам

Уже более 40 лет Syl-Lee Antiques ассоциируется с опытом в области русского искусства и антиквариата, а также с прозрачностью, состраданием и осмотрительностью при оценке и покупке предметов. Мы понимаем, что расставание с ценным имуществом может сильно расстроить. Вот почему мы предлагаем нашим клиентам любезно пригласить наших экспертов по русскому искусству и антиквариату к вам домой для оценки на дому — без каких-либо обязательств для вас продавать.Мы не торопимся, чтобы дать вам экспертное заключение, и если вы решите продать, мы сразу же заплатим наличными и проведем вас через процесс передачи права собственности.

Несмотря на то, что мы находимся в Нью-Йорке, мы готовы путешествовать, чтобы приобрести востребованные товары. Свяжитесь с нами для получения дополнительной информации.

Доступен русскоязычный эксперт

Распродажа картин

Добро пожаловать на сайт коллекции АРТ-ВОЛГА!

В частной коллекции «АРТ-ВОЛГА» представлены работы русских, советских и современных российских художников.


В нашу коллекцию мы попадаем произведения искусства только высокого художественного уровня.
Большинство работ выставлено на продажу.
Здесь можно найти как недорогие картины и рисунки для подарков и интерьеров, так и работы для коллекций и вложений.
Приятного просмотра!

Добавлены работы

    • ID 24243:
    • Казаков Б.
    • «Без названия» , 1959
    • 0,00 x 0,00 см / 0,00 x 0,00 дюйма
    • Доска для иллюстраций, темпера
    • [Узнать цену]
    • Продается, Доступно прямо сейчас
    • ID 24242:
    • Казаков Б.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *